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Artistas similares

Los álbumes

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Clásica - Publicado el 22 de septiembre de 2017 | HORTUS

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Jazz - Publicado el 8 de mayo de 2020 | ECM

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Para el 75º cumpleaños de Keith Jarrett, su mayor cómplice ha reunido cinco temas en este álbum disponible en exclusiva en Qobuz. Este socio, al que se puede denominar verdadero amigo del pianista americano, es Manfred Eicher, productor y fundador de ECM. El sello alemán ha acogido las grabaciones de Keith Jarrett durante ya casi 50 años. Así, el 10 de noviembre de 1971, encontramos a Jarrett solo frente a su piano y a Eicher detrás de la mesa de mezclas para registrar el primer disco ECM del pianista: Facing You. “Ni siquiera sé cuántos discos hemos hecho los dos”, dijo el productor alemán a Qobuz hace unos años. “Pero mirar hacia atrás en el conjunto es un logro maravilloso. ¡Continuidad! ¡Se trata de la continuidad! Así es como puedes crear nuevas cosas y desarrollarlas”.Interacciones dinámicas de grupo e improvisaciones en solitario de inmensa profundidad: la música de Keith Jarrett escogida especialmente para Qobuz por Manfred Eicher pone de relieve la extraordinaria creatividad del gran pianista en diferentes contextos musicales. Elegir piezas de entre su extensa discografía no debe haber sido fácil, y Keith Jarrett 75 permite escuchar al pianista en solitario, dúo, trío y cuarteto... Todo comienza con Never Let Me Go, grabado en enero de 1983 con el contrabajista Gary Peacock y el baterista Jack DeJohnette, en Standards, Vol. 2. Los comienzos de un gran trío que se reinventará constantemente, revisando sin cesar las grandes páginas de la historia del jazz... A este intenso flujo improvisado le sigue Creation, Part VII, grabado en el Auditorio Parco della Musica de Roma el 11 de julio de 2014 y extraída del álbum Creation. Una larga serie de acordes que recuerdan los vínculos de Jarrett con el repertorio clásico... En la tercera pista encontramos una mirada al pasado más lejano, Personal Mountains, grabado el 16 de abril de 1979 en Tokio con el saxofonista Jan Garbarek, el contrabajista Palle Danielsson y el baterista Jon Christensen, tema extraído del álbum Sleeper, que no se publicaría hasta julio de 2012. Tanto la rabia como el lirismo impregnan esta pieza, que recuerda cómo estos sidemen escandinavos permitieron al americano desarrollar una semántica original... En No Moon At All, grabado en 2007 con el contrabajista Charlie Haden y lanzado tres años más tarde en el álbum Jasmine, nos sobrecoge la magia de un emotivo reencuentro, después de más de treinta años de separación. Olvidando todo ego, suena una conversación extraterrestre y sublime... Para concluir esta celebración, Manfred Eicher vuelve al trío con Peacock y DeJohnette con Flying, Part 1, del álbum Changes. Aunque se grabó durante las sesiones de los álbumes Standards, Vol.1 y Vol. 2 en enero de 1983, esta vez se trata de una improvisación sobre un tema de Jarrett que amplifica su interacción con la rítmica, a la que deja mucho espacio. Un mágico epílogo de un álbum acerca de un músico cuyo universo parece infinito. © Marc Zisman/Qobuz
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Soul - Publicado el 1 de noviembre de 2019 | Polydor Records

Hi-Res Premios 4F de Télérama
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Alternativa & Indie - Publicado el 17 de abril de 2020 | Epic

Hi-Res Premios Pitchfork: Best New Music
Es raro escuchar un álbum de música pop sin poder imaginarse qué es lo que va a venir después pero este Fetch the Bolt Cutters, el largamente demorado quinto disco de Fiona Apple, regala sorpresa tras sorpresa a un ritmo vertiginoso. Y si bien la densidad sonora es deslumbrante, las melodías y algunas letras logran causar una impresión inmediata. Su naturaleza impredecible, compleja y profundamente humana, convierte a este álbum en una experiencia estimulante y jubilosamente catártica. © TiVo
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Bandas sonoras de cine - Publicado el 13 de diciembre de 2005 | Rhino - Warner Records

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Bandas sonoras de cine - Publicado el 21 de septiembre de 2018 | Rhino - Warner Records

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En esta tercera y última parte de El señor de los anillos, estrenada en 2003 y adaptación del célebre libro de Tolkien, Howard Shore volvería beneficiarse de unos medios excepcionales para elaborar nada menos que 3h 50m de música (¡que cubre, por cierto, el 90% del film!). Además de destacar la presencia de la London Philarmonic Orchestra al completo, cabe disfrutar igualmente de las intervenciones de los diferentes coros y de varios prestigiosos solistas. Estos últimos son, en ocasiones, los mismos protagonistas del film. De este modo, The Green Dragon es una pieza de inspiración irlandesa interpretada por el actor Billy Boyd, alias Pippin. Y entre los demás solistas (actores o no) hay que citar al imprescindible flautista James Galway, así como a Viggo Mortensen y Renée Fleming. Los tres participan también en la interpretación de The Fellowship Reunited. Por lo que respecta a la música instrumental, algunos motivos eran ya conocidos (aunque a veces aparecen en versiones ampliadas) y otros son totalmente nuevos. Una de las más bellas cadencias asociadas al anillo aparece ya en el primer corte, Roots and Beginnings, que evoca lejanamente el tema del anillo de Richard Wagner en El anillo del nibelungo. La sencillez de esa breve frase melódica, de solo nueve notas, demuestra que Howard Shore quería representar el mismo anillo, al margen de los tremendos desafíos que conlleva. Al margen de la singular calma que respira esta música, hay espacio para la épica e incluso para el terror, como se descubre en el fascinante tema Shelob's Lair. Recordemos que Shore es el compositor de referencia de David Cronenberg, y, por ello, un especialista incomparable en el género. A destacar por último el majestuoso lirismo de Into the West, que se escucha en los créditos finales, con Annie Lennox al micrófono. ©Nicolas Magenham/Qobuz
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Folk - Publicado el 10 de abril de 2020 | Chrysalis Records

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A mediados de los 60, podíamos contar con los dedos de la Venus de Milo a aquellos que aplaudían a Bob Dylan cuando conectaba su guitarra a un amplificador. Desde 2015, con su álbum Short Movie, Laura Marling también estaba suscrita a la electricidad. Pero esta vez, con Song for our Daughter, la reina británica del nu-folk, bajo la fuerte influencia de Joni Mitchell, opta esencialmente por lo acústico. Después del paréntesis LUMP (un fascinante proyecto experimental paralelo con Mike Lindsay del grupo Tunng) y sus estudios para un master en psicoanálisis, Marling continúa construyendo una obra importante. Como su título indica, Songs for our Daugter es un álbum dedicado a su hija. Una hija que no tiene, en este momento. Sus miedos como madre, sus sueños, sus deseos, todo es imaginado y expresado con una elección perfecta de palabras. En algunas canciones de este séptimo álbum, el uso aéreo de las cuerdas – cuyos arreglos ha realizado ella misma - introduce una sensación de gran lirismo, casi onírico. Con la ayuda de sus fieles cómplices Ethan Johns y Dom Monks, Laura Marling nunca olvida refinar sus melodías, como en el embriagador Held Down. A sus treinta años, la cantante británica nunca había sonado tan madura y profunda. © Marc Zisman/Qobuz
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Pop - Publicado el 29 de mayo de 2020 | Interscope

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Bandas sonoras de cine - Publicado el 5 de octubre de 2018 | A Star is Born OST

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Tras Janet Gaynor en 1937, Judy Garland en 1954 y Barbra Streisand en 1976 llega Lady Gaga para protagonizar esta success story característicamente norteamericana. Como si se tratara de uno de esos cuentos que pasan de generación en generación, A Star Is Born emerge regularmente a la superficie de la cultura estadounidense, poniendo cada vez el foco en la más carismática estrella femenina del momento. Pero aunque todas las miradas se centren en Lady Gaga –que tiene aquí su primer gran papel cinematográfico– es preciso destacar igualmente la participación de Bradley Cooper en el proyecto. No solo dirige el film y lo coprotagoniza junto a la cantante, sino que es también autor, arreglista e intérprete de muchas de las canciones de su banda sonora. ¿Y a qué suenan las canciones de esta A Star Is Born versión 2018? Pues a una inteligente mezcla de country y pop. Por lo que se refiere al country, Lukas Nelson (hijo del legendario Willie Nelson) es el encargado de supervisar los temas centrados en el declive de la estrella que encarna Cooper, mientras para las piezas más pop se ha recurrido a DJ White Shadow. El productor Mark Ronson y la songwriter Hillary Lindsey integran igualmente el cásting de este score no poco ambicioso, cuyo punto fuerte reside sobre todo en la sinceridad que irradian las canciones, gracias al modo de grabación elegido (en condiciones de directo, por requerimiento expreso de Lady Gaga), pero también porque reflejan muy bien los sentimientos más íntimos de los personajes. Entre estos 19 potenciales hits es preciso citar Shallow o I’ll Never Fall in Love, pero también cierta versión de La Vie en rose en un francés aproximado. Los amantes de los grandes envites vocales y de las melodías conmovedoras están de enhorabuena. © Nicolas Magenham/Qobuz
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Rock - Publicado el 18 de octubre de 2019 | Eagle Rock Entertainment

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Alternativa & Indie - Publicado el 29 de septiembre de 2014 | Big Brother

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Si Definitely Maybe fue un álbum conceptual y no deliberado que hablaba del deseo de ser una estrella del rock & roll, (What's the Story) Morning Glory? describe lo que ocurre cuando los sueños se convierten en realidad. Oasis entrega una segunda grabación relativamente introspectiva, llena de baladas estupendas en vez de desgarradas canciones de rock; en vez de ahogar todo con guitarras, hay cuerdas, teclados y armónicas. Esta producción expandida proporciona resonancia emocional a las melodías dramáticas de Noel Gallagher, mientras que como mejor funcionan las letras es en fragmentos, donde las imágenes perduran y se desarrollan en la mente, y el canto de Liam Gallagher se ha vuelto más texturizado y diestro. Puede que no tenga el impacto inmediato de Definitely Maybe, pero Morning Glory es igual de apasionante y digno de ser escuchado. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo
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Alternativa & Indie - Publicado el 15 de noviembre de 2019 | Caroline International (S&D)

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Rock - Publicado el 21 de febrero de 2020 | Epic

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Después de Scream en 2010, Ozzy Osbourne está de vuelta con un álbum que suena como el canto del cisne. Lleno de melancolía, esta nueva hazaña impresiona por una inesperada calidad de composición. Apoyado en el bajo por Duff McKagan de Guns N' Roses, en la batería por Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers y en la guitarra por Andrew Watt de California Breed, Ozzy se entrega como nunca antes. Temas como All My Life, Goodbye u Ordinary Man son los de un hombre que, más allá de hacer un balance, parece estar diciendo adiós. Andrew Watt, también productor de este disco (y ganador de un Grammy por la producción del álbum de Cardi B Invasion of Privacy en 2019), da a la música una dimensión a la vez orgánica y grandilocuente, destacando los momentos de locura de unos músicos inspirados como nunca antes. Me viene a la mente la maestría de Chad Smith en Eat Me. Post Malone viene a echar una mano en It's a Raid, punto culminante del álbum en el que Ozzy grita como un guapo diablo y entrega un último mensaje casi de mal gusto, pero tan característico de su humor. Un disco inesperado, grabado en sólo unos días, y en el que por primera vez, Ozzy Osbourne, que sufre Parkinson, dice que estaba completamente “sobrio” durante el proceso. Disfrutemos. © Maxime Archambaud/Qobuz
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Jazz - Publicado el 6 de diciembre de 2019 | Decca (UMO)

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Alternativa & Indie - Publicado el 6 de octubre de 2017 | [PIAS] Le Label

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Chanson francesa - Publicado el 6 de diciembre de 2019 | Columbia

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Rap - Publicado el 3 de junio de 2020 | BMG Rights Management (US) LLC

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En 2013, nos sorprendió ver la alianza entre El-P – el portaestandarte del rap independiente neoyorquino (primero con Company Flow, después ya en solitario y a la cabeza del sello Definitive Jux) – y Killer Mike, un sólido rapero callejero de Atlanta que se reveló como miembro de Outkast. Siete años y tres álbumes juntos más tarde bajo el nombre de Run The Jewels, el dúo no sólo se ha convertido en inseparable, sino también en un grupo esencial en el panorama del rap contemporáneo.En RTJ4, los dos cuarentones siguen llevando la antorcha de un ruidoso y sedicioso rap heredado de Public Enemy. Pero si la influencia de Bomb Squad, que adivinamos desde sus primeras producciones a mediados de los 90, es más palpable que nunca, El-P fomenta aquí su propia revolución sónica e impulsa todo tipo de cosas nuevas sampleando al grupo post-punk Gang Of Four (the ground below), incorporando riddims del dancehall (holy calamafuck, coproducido por Dave Sitek de TV On The Radio), grabando al saxofonista nativo americano Cochemea (a few words for the firing squad (radiation)) y reuniendo a figuras tan diferentes como Pharrell Williams, Zack de La Rocha, Josh Homme, Mavis Staples o DJ Premier.Los dos raperos se complementan de manera impresionante en sus timbres, sus flujos y su escritura. El-P ha conservado de la edad de oro del rap independiente el gusto y el talento para las letras de cajón y las punchlines laberínticas, y Killer Mike, que en el mundo civil se ha convertido en una de las principales voces de la izquierda americana al lado de Bernie Sanders, logra la hazaña de volver a colocar el comentario social en el corazón del rap. Lanzado en medio del levantamiento popular en los Estados Unidos tras la muerte de George Floyd a manos de la policía, RTJ4 tiene el efecto de una autopsia en tiempo real e inevitablemente helada de la América de Trump. © Damien Besançon/Qobuz
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Chanson francesa - Publicado el 20 de septiembre de 2019 | Universal Music Division Polydor

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Jazz vocal - Publicado el 9 de febrero de 2018 | Decca (UMO)

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Con cuatro álbumes, Worrisome Heart (2008), My One And Only Thrill (2009), The Absence (20125) y Currency Of Man (2015), Melody Gardot ha logrado colarse entre Diana Krall y Norah Jones para hacerse un sitio en el restringido club de vocalistas «un poco jazz pero no demasiado», esa élite de ensueño tan popular en la década de los 50, gracias principalmente a la singularidad de su muy sensual voz. Una voz cuyas cualidades no han dejado de fulgurar en escenarios de todo el mundo, a los que no deja de volver. Son muchos los que se apresuran a grabar su primer disco en directo. Pero no suelen tener en cuenta que tales álbumes raras veces alcanzan estatuto de imprescindibles. A menudo les falta ese algo intangible que solo los espectadores del concierto pueden congratularse de haber disfrutado… Pero este Live In Europe de Melody Gardot conserva, precisamente, ese «algo inmaterial»… Sin duda, la norteamericana se lo ha trabajado a fondo (¡al parecer ha escuchado más de 300 tomas antes de seleccionarlas!), con vistas a eludir el típico y engañoso best of. «Alguien me dijo un día: «no mires atrás porque querrás dar media vuelta», explica. Y es cierto, pero si a veces no se mira atrás no entenderemos que el tiempo está siempre a punto de atraparnos. De vez en cuando debemos echarle una ojeada al retrovisor con tal de corregir nuestra trayectoria. Este disco es exactamente eso, el retrovisor de un Corvette de 1963, una postal de nuestras giras por Europa. Hemos pasado gran parte del tiempo en el camino durante los últimos años, un viaje que hemos aprovechado no solo para ver países y cambiar de aires sino también para intentar, en la medida de lo posible, liberarnos de las reglas y crear música excitante. Por eso hacía años que soñaba con sacar un álbum en directo como este.» Y ese anhelo se advierte constantemente al escuchar este disco que reúne temas grabados en París, Viena, Bergen, Amsterdam, Fráncfort, Barcelona, Lisboa, Zúrich y Londres. Y que incluye exitazos como Baby I'm A Fool y My One And Only Thrill, o el standard Over The Rainbow, canciones que Melody Gardot ilumina aquí de otro modo gracias a unas interpretaciones caracterizadas por unas mayores cotas de libertad. Para arroparla en este emocionante periplo introspectivo ha contado con sus impecables músicos, siempre discretos, siempre esenciales. El baterista Charles Staab, el saxofonista Irwin Hall y el bajista Sami Minaie tienen ya ajustado el diapasón a su voz, a manera de sutil escolta que la acompaña hasta la última nota. A destacar, para finalizar, esa portada que hará correr por supuesto ríos de tinta. O tal vez no. © MD/Qobuz
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Conciertos para violín - Publicado el 13 de septiembre de 2019 | Ondine

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