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Los álbumes

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Rock - Publicado el 1 de marzo de 2019 | Tom Petty - Greatest Hits

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Soul - Publicado el 22 de febrero de 2019 | Rhino

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Pop - Publicado el 8 de marzo de 2019 | BMG Rights Management (UK) Ltd

Hi-Res
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Jazz - Publicado el 22 de febrero de 2019 | ACT Music

Hi-Res Libreto
Como recuerda el pianista Joachim Kühn en las notas interiores del disco, entre 1995 y 2000 ofreció dieciséis conciertos junto al gran saxofonista Ornette Coleman. «Antes de cada recital Ornette componía diez nuevas composiciones, que durante una semana ensayábamos y registrábamos en bruto en su estudio Harmolodic de Harlem. Y puesto que le gustaban mis contribuciones, mi trabajo con los acordes y sonoridades de sus melodías, me vi directamente implicado en su proceso de creación. Una vez terminado el concierto en cuestión, esas canciones no volvían a interpretarse. Actualmente soy el único propietario de todas esas grabaciones y partituras, que suman 170 piezas. Y dos décadas después me he decidido a seleccionar las más bellas baladas y melodías para interpretarlas exclusivamente al piano. A excepción de Lone Woman, ninguna de estas composiciones fue grabada por Ornette.» Tan fascinante hoja de ruta permite a Kühn firmar un magnífico disco en solitario. En la actualidad cuenta 75 años, y su piano se ha liberado de toda dogmática free-jazz, exhibiendo una larga paleta de matices. De esta forma aborda este Melodic Ornette Coleman (de tan apropiado título) resaltando la fluidez y, justamente, las cualidades melódicas de las diferentes piezas. Y como estamos hablando de Joachim Kühn, sus improvisaciones teclísticas son cualquier cosa menos planas o predecibles. Por otro lado, en los momentos más melancólicos, el pianista alemán nos revela una faceta inédita de su personalidad sonora: la ternura. Un álbum soberbio. © Marc Zisman/Qobuz
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Soul - Publicado el 1 de marzo de 2019 | Saint Records - Columbia

Hi-Res Premios Pitchfork: Best New Music
¿Qué debe hacer cuando llega a casa? ¿Al abrir la puerta de su apartamento? ¿Se zampará nada más llegar dos tubos de Pringles? ¿Se preparará un baño relajante? ¿Mirará las facturas de la luz acumuladas durante meses? Solange no responde precisamente a tales cuestiones metafísicas pese a titular su cuarto álbum When I Get Home. Sobre todo porque, aquí, Home hace referencia antes a su Texas natal –a Houston, más exactamente– que a su confortable nidito. Y para esa ciudad ha escrito When I Get Home, a manera de preciosa carta de amor. Al igual que sus anteriores discos, este revela el estado de ánimo actual de la hermana menor de Beyoncé. Y el sentimiento dominante es la melancolía. A veces, teñida de una tonalidad onírica, lo que la aproxima más a una Erykah Badu –otra tejana– que a su ilustre hermana... Y además cuenta con las voces de dos de los raperos más emblemáticos del lugar, Scarface y Devin the Dude, que ayudan a Solange a subrayar, algo más de lo habitual, su orgullo tejano. Pero colaboran otros invitados cinco estrellas en el hermoso álbum que nos ocupa: Pharrell Williams (dos temas cincelados con escalpelo, Almeda y Sound of Rain), Raphael Saadiq, Earl Sweatshirt, Panda Bear, Tyler The Creator, Dev Hynes alias Blood Orange, Sampha, Metro Boomin, Playboi Carti, Cassie, Steve Lacy de The Internet o el francés Christophe Chassol. Presencias, a menudo discretas, que no impiden a Solange mantener el control artístico total de sus canciones, mayormente de humor etéreo. Como cuando recurre a unas sonoridades funk/jazz-fusion típicamente de los 70, con ligeras envolturas electrónicas (efecto verdaderamente cautivador en Way to the Show), o cuando rapea al ralentí su R&B (como en la exquisita My Skin My Lego, con Gucci Mane). Por otra parte, Solange Knowles juega como nadie la baza de lo simplemente esbozado, del trazo vanguardista más que de la pieza plenamente terminada. La idea es, sin duda, que When I Get Home se disfrute de una sola tirada, como si se tratara de una pieza de 39 minutos. El resultado es un fascinante trip, atmosférico y sensual, que puede considerarse ya uno de los mejores discos de soul y R&B de 2019. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz contemporáneo - Publicado el 15 de febrero de 2019 | Universal Music Division Decca Records France

Hi-Res Libreto
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Rock - Publicado el 15 de febrero de 2019 | Fantasy

Hi-Res
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Pop/Rock - Publicado el 22 de noviembre de 1968 | UMC (Universal Music Catalogue)

Hi-Res Premios 4F de Télérama
Tras las locuras y geniales experimentos de Revolver y Sergent Pepper's los Beatles se vuelcan en la composición pura y dura, en busca de cierta sobriedad y dejando al margen sus recientes excesos psicodélicos, por magníficos que fueran. Editado en noviembre de 1968, el doble White Album supone una vuelta a un pop-rock más desnudo, en búsqueda de lo esencial. Una sensación amplificada por el título epónimo del disco, The Beatles, que no logra ocultar que las disensiones entre los cuatro músicos son cada vez más evidentes. Cuatro músicos con cuatro personalidades musicales que dejan entrever sus diferencias creativas, como anuncio del principio del fin de la banda y de las futuras trayectorias en solitario de cada uno… Pero a pesar del eclecticismo dominante, los Beatles vuelven a confeccionar una propuesta del todo única, un recorrido donde cada canción equivale a una etapa de su particular viaje musical. El onirismo de Dear Prudence, la sombría enajenación de Revolution 9, el legendario solo de guitarra de While My Guitar Gently Weeps, los laberintos sonoros que son Happiness Is A Warm Gun y Sexy Sadie, la emoción de Julia, que Lennon dedica a su madre, fallecida cuando el artista contaba 17 años, la simplicidad de Blackbird o el tsunami eléctrico y ultraviolento de Helter Skelter... este White Album viene a ser un impresionante pozo sin fondo artístico, una nueva obra maestra de un grupo al que cada vez cabe considerar menos grupo... Para conmemorar los 50 años de su publicación, este mítico doble vuelve a ver la luz en formato Deluxe, calificativo por una vez totalmente merecido. Además del álbum remezclado en estéreo por el hijo de George Martin, se incluye la versión original en mono (la preferida por los puristas, al ser la primera en concebirse) y las famosas Esher Demos, tan apreciadas por los aficionados a los bootlegs, o lo que es lo mismo, las 27 demos de las célebres canciones grabadas por los Fab Four en la mansión de Harrison, más tres CD de sesiones en estudio. En definitiva, la edición soñada (¡107 pistas en total!) para profundizar en esta obra-río inabarcable que sigue fascinándonos medio siglo después de su aparición… © Marc Zisman/Qobuz
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Clásica - Publicado el 15 de febrero de 2019 | Deutsche Grammophon

Hi-Res Libreto
Grabado en julio de 2018 en el «Studio», nuevo lugar high-tech situado en las puertas de París, este álbum, enteramente concebido y realizado à partir de una idea de Judith Fuchs, está dedicado a las heroínas huérfanas, aquellas mujeres desgraciadas que abundan en la ópera del siglo XIX, entre 1815 y 1850, y luchan para escapar a su triste condición. Tras su triunfo en El conde Ory de Rossini en la Opéra-Comique de París en 2018, Julie Fuchs anhelaba defender este repertorio que interpreta excelentemente. Dirigida por un verdadero ‘maestro d’opera’, Enrique Mazzola, la Orquesta Nacional d’Île-de-France resplandece en estos extractos de óperas de Donizetti y Rossini, pero también –y ahí reside el interés del presente programa– Pacini, Raimondi, Fioravanti, Berlioz, Barbieri y Meyerbeer. Este álbum es una nueva ocasión para enamorarse de la voz suntuosa de ‘la’ Fuchs, joven soprano lírica francesa: destacó en el Festival de Aix-en-Provence y la Ópera de Zúrich que la contrató para su compañía permanente en 2013 antes de sus primeros grandes éxitos en Salzburgo, las Óperas de Viena o París y el Teatro de la Maestranza de Sevilla o el Teatro Real de Madrid. Polivalente, saltando de Mozart a Barbara pasando por Cole Porter, George Crumb y Björk, Julie Fuchs no conoce fronteras musicales; demuestra la misma soltura en la ópera como en el concierto, en recital con el joven pianista Alphonse Cemin. En este nuevo álbum, Mademoiselle, canta en italiano, y también en francés y en español, según un recorrido muy original por el bel canto romántico: revela así todos los aspectos de su voz ágil y sensual. © François Hudry/Qobuz
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Pop - Publicado el 8 de marzo de 2019 | BMG Rights Management (UK) Ltd

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Chanson francesa - Publicado el 15 de febrero de 2019 | Universal Music Division Polydor

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Jazz vocal - Publicado el 22 de febrero de 2019 | Mack Avenue Records

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Pop - Publicado el 8 de febrero de 2019 | Republic Records

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Jazz - Publicado el 1 de marzo de 2019 | Universal Music Division Decca Records France

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Rock - Publicado el 8 de marzo de 2019 | Parlophone UK

Hi-Res
Al Paul Weller de 18 años que grabó en marzo de 1977 In the City, el tremendo primer single de su banda, The Jam, le hubiera hecho gracia ver al actual de 59 años al frente de una gran orquesta tocando ante el público (civilizadamente sentado) del Royal Albert Hall cierta noche de octubre de 2018… La carrera, o más bien las diferentes carreras de nuestro Modfather, tienen el mérito de caracterizarse por la integridad artística, que para este icono del rock británico ha sido siempre algo irrenunciable. Para este live de bella factura Weller recupera el repertorio de True Meanings, su bonito disco de folk soul de espíritu melancólico editado solo un mes antes del concierto, que mezcla con diversos temas de The Jam (Private Hell, Tales from the Riverbank), Style Council (Have You Ever Had It Blue) y, sobre todo, de otros álbumes en solitario (Wild Wood, You Do Something to Me…). Unas versiones soberbiamente arregladas para la ocasión, que revelan su fuerza orgánica gracias a su íntima comunión con el público londinense y a una cálida toma de sonido. Un directo destinado, sobre todo, a los fans del Modfather. © Max Dembo/Qobuz
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Soul - Publicado el 1 de marzo de 2019 | Dead Oceans

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Metal - Publicado el 22 de febrero de 2019 | InsideOutMusic

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Pop/Rock - Publicado el 8 de marzo de 2019 | UMC Decca Crossover

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Jazz - Publicado el 15 de marzo de 2019 | ACT Music

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Blues - Publicado el 22 de febrero de 2019 | Forty Below Records

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Un rápido vistazo a la portada de Nobody Told Me basta para imaginarse lo que escucharemos a continuación. John Mayall, el patrón, con 85 años a sus espaldas, ha invitado a la fiesta a varias ilustres estrellas, como Joe Bonamassa, Larry McCray, Todd Rundgren, “Little Steven” Van Zandt (de la E Street Band de Springsteen), Alex Lifeson (de Rush) y Carolyn Wonderland. Por supuesto, estamos ante un gran disco de blues eléctrico, como el que el fundador de los Bluesbreakers viene dispensando sin rival desde comienzos de los 60. Y además está respaldado por una formación que parece construir sus sonidos a base de cemento armado, compuesta por el bajista Greg Rzab, el batería Jay Davenport y el guitarra rítmica Billy Watts, así como por la sección de metales del grupo del Late Show de Conan O’Brien, con la que el padre del british blues prueba que aún es capaz de berrear maravillosamente al micro e incluso de soplar la armónica con ímpetu casi juvenil. Por supuesto, la edad dorada de Mayall pasó hace tiempo y Nobody Told Me no aporta ninguna revolución al género. Pero tanto la calidad musical como la sinceridad expresiva de los protagonistas son tan elevadas que uno no puede sino dejarse arrastrar por esta contundente descarga de blues clásico, amena como una buena velada pasada junto a algunos viejos amigos… © Clotilde Maréchal/Qobuz