Toma de Sonido Excepcional

There's a theory, probably inaccurate, that musicians of the same national origin as a piece of music tend to deliver the best performances of it. Sure enough, the Estonian National Symphony Orchestra and Estonian conductor Paavo Järvi are present here, and they deliver superbly controlled performances that are the essence of Pärt's mystic tintinnabuli (akin to the ringing of bells) style. But there's a second level to which the theory can be taken, and it finds spellbinding confirmation here. Things can go deeper than nationality, and although violinist Viktoria Mullova is Russian, she shares with Pärt the experience of coming of age musically under a Soviet state bureaucracy and having to find her own way creatively. The result is a Pärt recording that stands out sharply from others on the market. The music offers several of Pärt's big hits from the 1970s and isn't especially unusual, although Mullova offers the short, stark Darf ich... at the beginning, to set the mood for what follows. The solo role in that little work is more prominent than usual, and as the recording proceeds Mullova explores the possibilities of that solo role within the composer's minimalist textures. For most of the album she provides a hard edge as a counter to Pärt's mystical reflections. (Does the contrast reflect varying ways of dealing with state-mandated culture? Pärt is said to have approved of this recording.) Sample Mullova's treatment of the dissonant chord at the beginning of the first movement, "Ludus," of Tabula Rasa for an idea of what you are dealing with. It is illustrative of Mullova's greatness that she backs off this concept in the "Silentium" movement of Tabula Rasa, a piece that has been played for dying AIDS patients as music of the angels, and in the final Spiegel im Spiegel, played with jazz pianist Liam Dunachie. Here the calm Pärt is allowed to reign once again. As a first Pärt recording for a newcomer, this is fine; for those who know Pärt a bit, it is new and absolutely essential. Pärt is closely associated with the ECM label, but Onyx, working at locations in Estonia and Britain, offers a brighter sound that fits Mullova's aims perfectly. © TiVo

Si Leonard Bernstein fue uno de los mejores directores de orquesta de la segunda mitad del siglo XX, su actividad de intérprete no ocultó nunca su dedicación a la composición. Pero el éxito duradero, y mundial, de West Side Story lo irritaba a menudo porque dejaba en la sombra el resto de un catálogo tan abundante como variado. Antonio Pappano tuvo una excelente idea al reunir las tres sinfonías de Bernstein en un solo álbum, grabado durante varios conciertos en Roma con su Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia que alcanzó bajo su batuta una audiencia internacional. Conviene también recordar que Bernstein mantenía una relación privilegiada con esta institución que solía dirigir con regularidad.Jeremiah, la primera sinfonía de Bernstein, data de 1944. Bernstein tenía veintiséis años, edad en la que también escribió su primer ballet para Broadway, Fancy Free, practicando una mezcla de géneros que será en adelante su marca de fábrica. Desconcertados, muchos melómanos pusilánimes no entendieron entonces que esta dicotomía era inherente al propio genio de Bernstein. Esta primera sinfonía, cantada en hebreo, denuncia el horror del Holocausto en Europa.1949 es el año de The Age of Anxiety (La edad de la angustia), su extraña segunda sinfonía inspirada en un largo y complejo poema de W. H. Auden. Raramente programada debido a la dificultad de la parte de piano solo que pocos intérpretes tienen en su repertorio, esta sinfonía es una suite de «Tema y variaciones». Si el inicio flirtea con la música clásica europea, la de Prokofiev en particular, la conclusión es una suerte de homenaje al «sentimentalismo sincopado» en el estilo de las grandes películas de Hollywood. Interpreta la obra con brío y convencimiento la excelente pianista Beatrice Rana (grabó para Warner Classics un fascinante Segundo Concierto de Prokofiev con el mismo director, y más recientemente unas Variaciones Goldberg de J. S. Bach que provocaron una cierta polémica).Escrita en 1963 y dedicada al presidente Kennedy, Kaddish, su tercera sinfonía, es acaso la obra más personal de esta trilogía. Heterogénea, como toda su música, la obra se basa en un texto propio que escandalizó por su arrogancia iconoclasta, en el que Bernstein le da a Dios consejos para que pueda gobernar la humanidad con más tino… Insatisfecho con su texto, el compositor revisó la obra varias veces hasta conseguir la partitura generalmente utilizada hoy. © François Hudry/Qobuz

Absolute Jest, es decir, más o menos, Broma total, escrita en 2011 y remodelada poco después, es una de las obras más irresistibles de John Adams. El compositor cita libremente a Beethoven, los cuartetos y también la Novena Sinfonía, para destilar una partitura a cien por hora, suntuosamente orquestada –además del cuarteto de cuerda, que convierte la obra en una suerte de concierto, Adams requiere un arpa y un piano ambos afinados según el temperamento mesotónico, para especiar un poco el clima tonal y sonoro– en la que las alusiones funcionan como una suerte de «tatuajes» (según el propio Adams) «a lo Ludwig van» sobre un cuerpo adamsiano. En el último movimiento, el compositor cita incluso al Stravinski de la Sinfonía en tres movimientos. Adams compuso Absolute Jest para Michael Tilson Thomas y la Orquesta de San Francisco (Qobuzissime de nuestro verano de 2015) pero, como es evidente en este caso, cada nueva, y excelente, interpretación permite descubrir nuevas facetas de esta originalísima obra. El comentario se aplica también a Música ingenua y sentimental, escrita para la Filarmónica de Los Angeles (existe una formidable grabación por Salonen en Nonesuch). Precisaremos que la partitura no es ni ingenua ni sentimental, sino más bien feroz y original; el título proviene sin duda de Schiller (Sobre poesía ingenua y poesía sentimental) quien, según su propia terminología, incluya a Shakespeare y Homero entre los poetas «ingenuos». Notaremos unas sonoridades algo inhabituales, producidas por una guitarra eléctrica y un piano conectado con un sampler… © SM/Qobuz

 El programa elegido por Sébastien Daucé y el Ensemble Correspondances abarca aproximadamente un siglo de música en Inglaterra, de 1600 a 1700, con compositores de la generación de Coprario (de hecho; Cooper, pero italianizado ¡para seguir la moda!), Johnson y Lanier, nacidos todos antes de empezar el siglo XVII, hasta Hart y Blow desaparecidos apenas empezado el XVIII. Seguimos paso a paso la difusión y la incorporación del arte nuevo importado de Italia, incluso cuando los recitativos acompañados típicamente italianos siguen recordando el «canto declamatorio» característico de la música inglesa. Este siglo fue marcado por la interrupción musical que duró unos veinte años entre el inicio de la Guerra civil en 1642 y la Restauración bajo Carlos II, tras la dictadura religiosa puritana de Cromwell que quería prohibir más o menos toda forma de festejo, música incluida. De hecho, numerosos artistas ingleses decidieron exiliarse en zonas rurales para trabajar como profesores de música, o incluso en el extranjero. Este abanico completísimo de un siglo entero permite al Ensemble Correspondances, formado por un amplio conjunto de cantantes e instrumentistas, hacer gala de su profundo conocimiento de esta época, riquísima a pesar de las condiciones de vida o incluso de sobrevivencia a veces más que precaria. © SM/Qobuz

Entre los numerosos jóvenes talentos que nacen sobre la escena musical, algunos poseen un «plus» que nos cautiva. Este es el caso de Florian Noack que nos ilumina con su generosidad y su calidad solar desde el primer encuentro. Nos entusiasman su vivacidad y su curiosidad. Nos maravillan sus «veinticinco» dedos galopando por el teclado. Y sobre todo… sobre todo, su sinceridad y su humildad nos inspiran respeto. Viajar en el corazón de los folclores de las naciones, compartir el sabor único de sus músicas virtuosas o púdicas, y a veces sus propios arreglos en primicia mundial… He aquí la sorprendente aventura sonora a la que nos invita el pianista Florian Noack en su primera grabación para La Dolce Volta, tras varios álbumes para Ars Produktion y Artalinna. Florian Noack propone un álbum alrededor de la danza: Brahms, Grieg, Schubert, Rajmaninov, Szymanowski, Komitas, Janáček, Nín, Martucci, Grainger, en un recorrido virtuoso, poético, íntimo. Se necesita la paleta extremadamente variada del talento de Florian Noack para ofrecernos la quintaesencia de estas piezas que, con otros dedos, volverían al repertorio de salón. Un álbum con un encanto absolutamente irresistible. © La Dolce Volta

Finlandia es hoy una de las tierras musicales más ricas del planeta; gracias a la calidad excepcional de su enseñanza musical, produce un gran número de compositores, directores e intérpretes con trayectoria profesional en el mundo entero. El riquísimo catálogo del dinámico editor finlandés Ondine contiene numerosas grabaciones del violinista alemán Christian Tetzlaff (Sonatas & Partitas para violín solo) de Bach, Sonatas de Mozart, Tríos de Brahms, Conciertos de Mendelssohn, Schumann y Shostakovich) y del director finlandés Hannu Lintu (Sibelius, Mahler, Enescu, Berio, Messiaen, Lindberg, Melartin), y he aquí el primer disco que reúne a ambos músicos.Los dos Conciertos para violín de Bartók fueron escritos con treinta años de por medio, para dos virtuosos. Si el Segundo, en forma de tema y variaciones con un desarrollo muy ingenioso en tres movimientos, es un concierto muy conocido, el Primero quedó durante mucho tiempo inédito. La violinista suiza de origen húngaro, Stefi Geyer, guardó como un secreto esta obra –una declaración de amor– que Bartók le dedicó; años después de la muerte del compositor, la violinista reveló la obra a un gran amigo de Bartók, el mecenas y director de orquesta Paul Sacher que la estrenó con Hansheinz Schneeberger en 1958.Ambos conciertos, esenciales en el repertorio para violín y orquesta, vuelven felizmente a apasionar a los violinistas de la joven generación –la grabación de estas mismas obras por Renaud Capuçon para Warner salió al mercado hace pocas semanas. Esta nueva versión, magníficamente grabada, explora minuciosamente la riqueza orquestal, en un diálogo perfecto con el violín superlativo de Christian Tetzlaff. © François Hudry/Qobuz

El notable pianista turco Fazil Say (nacido en 1970) ofrece aquí, grabado en 2016 en la Gran Sala del Mozarteum de Salzburgo, un magnífico álbum dedicado al Primer Libro de Preludios de Debussy –1910– que opone, en cierto modo, a las seis Gnossiennes de Satie (1890 para las tres primeras, 1897 para las tres últimas) y a las piezas que le dieron su gran fama, las tres inmortales Gymnopédies, de 1888. Al escuchar esta selección, uno podría –casi– sorprenderse al constatar que las obras de Satie son anteriores a los Preludios de Debussy, en prácticamente dos decenios; entendemos por tanto que Satie siga siendo considerado como un verdadero vanguardista, incluso por los minimalistas de nuestra época. Las enormes diferencias entre ambos compositores no impidieron su amistad, como tan poco lo impidió la tendencia de Debussy a tener celos de sus coetáneos... Pero ¿quién puede tener celos eternos de un ser dulce y evanescente como Satie? Say explora estos dos polos opuestos –tan opuestos que casi se juntan– con una inmensa ternura. © SM/Qobuz

Tras grabar los grandes ciclos instrumentales vivaldianos, La Stravaganza (2004), La Cetra (2012) y L’Estro armonico (2015), la violinista inglesa Rachel Podger prosigue su trabajo con su conjunto Brecon Baroque en esta nueva versión de Las cuatro estaciones , completadas por tres conciertos para violín. El Brecon Baroque es una emanación del festival epónimo que tiene lugar cada año a finales de octubre en Gales. Un sitio mágico donde confluyen dos ríos, con paisajes espectaculares que atrae a cientos de visitantes. La misma pasión que siente Rachel Podger por Vivaldi y Biber se refleja en sus interpretaciones del Prete rosso. De hecho, la violinista, que estudió en Alemania, demuestra que la música de Vivaldi puede también, y a semejanza de la de Biber, rebosar misterio y bizzarria, es decir excentricidad o extravagancia, al punto de convertir a Vivaldi en un lejano descendiente de los manieristas del Renacimiento tardío y del Barroco naciente. Una apuesta particularmente interesante y ganada con brío. © François Hudry/Qobuz

Además de los dos conciertos para violín de Prokofiev, cuya amplia discografía se enriquece evidentemente con esta nueva interpretación de la violinista georgiana Lisa Batiashvili y del excelente director Yannick Nézet-Seguin, este álbum incluye tres «golosinas» de Prokofiev, firmadas por Tamás Batiashvili –el padre de Lisa, uno de los pedagogos más reputados en su país. Se trata, siempre basadas en Prokofiev evidentemente, de reescrituras para violín y orquesta de la Danza de los caballeros del ballet Romeo y Julieta, del Vals de La cenicienta, y de la diabólica y bufa Marcha de El amor de las tres naranjas. Batiashvili-padre, aligerando la orquestación, permite al violín solo cantar mejor en algunos momentos muy espesos, dicho sea de paso, de la partitura original, en particular la pesante Danza de los caballeros que, al perder su peso impresionante, gana en lirismo. En cuanto a los dos conciertos, se benefician notablemente del efectivo razonable de la Orquesta de Cámara de Europa, sobre todo teniendo en cuenta la gran transparencia de la escritura de Prokofiev. © SM/Qobuz

¡Ah no! no afirmaremos nunca que la música del compositor sueco Dag Wirén (1905-1986) procede de la más mínima vanguardia. Muy al contrario, Wirén quiso siempre escribir una música ciertamente nueva, pero que fuera agradable escuchar, sin dogma ni pedagogía, ni modo de empleo. Su catálogo, más importante por calidad que por cantidad, contiene sin embargo cinco sinfonías –la

You couldn't ask for a more "authentic" performance of Grieg than one by the Bergen Philharmonic Orchestra, which Grieg himself conducted at one time. There are silkier performances of Peer Gynt, Op. 23, than this one, but few that seem to have such a sense of Grieg's much-vaunted Norwegian soul. The chilly yet rich blue of Chandos' graphics here sets the mood: conductor Edward Gardner gives the work a kind of elemental Nordic flavor. Sample the sweep of "The Abduction of the Bride," or the famous "In the Hall of the Mountain King," where the creeping theme has unusual tension and weight. The incidental music to Peer Gynt has been in a state of evolution since the discovery of the full score in the 1980s, and other highlights here include the use of a Hardanger fiddle in the opening prelude numbers. The soloists all perform with enthusiasm and directness, and several major Norwegian choirs are on hand, which is remarkable given that they don't have that much to do here. The performance of the Grieg Piano Concerto in A minor, Op. 16, by pianist Jean-Efflam Bavouzet is also strong, although it has a less organic quality than the Peer Gynt music. Chandos rises to the occasion with flawlessly idiomatic Grieghalle sound, aided by Norwegian Broadcasting engineer Gunnar Herleif Nilsen. Strongly recommended. © TiVo

Alfred Schnittke y Arvo Pärt vivieron ambos este intenso periodo de cambios convulsivos durante los últimos decenios previos a la caída de la Unión Soviética. A partir de los años 1970, la religión volvió a participar en la vida pública a medida de la disminución de las restricciones estatales. Schnittke se volvió hacia el cristianismo, sin rechazar las Iglesias orientales. Arvo Pärt, nacido en una familia luterana en Estonia, abrazó la fe ortodoxa en los años 1970. Ambos compositores empezaron a incorporar temas religiosos en su música, alejándose definitivamente de la abstracción modernista de sus primeras obras. Schnittke escribió tres obras sacras de gran amplitud: un Réquiem en 1975, que no se interpretó sino disimulado, escondido (¡qué ridiculez!…) como música incidental para una producción moscovita de Don Carlos de Schiller. Su Concierto para coro, igualmente sobre textos religiosos, se estrenó en Moscú en 1986 tras vencer una espantosa serie de obstáculos burocráticos. En cambio, los Salmos de penitencia, incluidos en este álbum, fueron creados abiertamente en 1988, en el marco de les celebraciones nacionales del milenario de la introducción del cristianismo en Rusia. El estilo de esta inmensa obra maestra concuerda siempre con les tradiciones litúrgicas ortodoxas, pero Schnittke desarrolla los principios tradicionales para crear sonoridades modernas –modificaciones rítmicas y armónicas en particular– de una riqueza intensa.Como los Salmos de penitencia de Schnittke, los Magnificat y Nunc dimittis de Pärt se inscriben en un estilo casi litúrgico. Pärt compuso el Magnificat un año después de la partitura de Schnittke, en 1989, cuando vivía en Berlín (desde 1981) y donde había refinado su técnica de «tintinnabuli». Fundado en 1981, el Coro de Cámara Filarmónico de Estonia, uno de los principales conjuntos de cámara de Estonia, tiene como director a Kaspars Putniņš desde 2014. Su repertorio abarca desde el canto gregoriano y barroco hasta la música más contemporánea, con un interés particular por la obra de compositores estonios que contribuye notablemente a divulgar más allá de las fronteras.© SM/Qobuz