Pitchfork: Best New Music

Desde su último disco en 2016, A Moon Shaped Pool, los miembros de Radiohead han seguido tranquilamente su camino en solitario entre dos reediciones, O’Brien en su primer disco, Philip Selway con una banda sonora... Y luego, en mayo de 2021, durante un livestream en el famoso festival inglés Glastonbury, Thom Yorke y Jonny Greenwood desvelaron el más sustancial de todos estos proyectos paralelos con The Smile, un supergrupo fundado junto a Tom Skinner, el batería de Sons of Kemet de Shabaka Hutchings, la banda más popular del jazz londinense. En la formación de lo que se convirtió en un álbum de debut titulado A Light for Attracting Attention, publicado en XL Recordings, encontramos también al inmutable productor Nigel Godrich, la sección de cuerda de la London Contemporary Orchestra y una sección de vientos formada por las mejores espadas del jazz inglés contemporáneo, como Chelsea Carmichael y Byron Wallen. ¡No está mal para un disco compuesto para pasar el tiempo durante el confinamiento!Emocionante sobre el papel, la confrontación de estilos se inclina lógicamente hacia un estilo Radiohead, como anuncia desde el principio la inquietante The Same, aunque Tom Skinner consiga ganar unos cuantos asaltos en The Opposite y, sobre todo, en Pana-vision, probablemente el tema más arquetípico del disco, con la superposición de las divagaciones yorkianas sobre las cuerdas de la London Contemporary y los ritmos percusivos de Skinner. Todo se une y todo gira de la manera correcta. Otros buenos momentos son The Smoke, con una gran interpretación de Yorke, We Don’t Know What Tomorrow Brings, con ese aire cool de la new wave, y luego Waving a White Flag, que difumina el espacio-tiempo con el sintetizador Waldorf STVC de Thom Yorke. No es una colaboración revolucionaria, pero sí muy productiva. Y para los fans impacientes, es casi como un nuevo álbum. © Smaël Bouaici/Qobuz

Al igual que su casi vecina, la australiana Courtney Barnett, la neozelandesa Aldous Harding es una princesa del cool. No está revolucionando la historia, se inspira en décadas anteriores (folk, indie rock, punk), pero interpreta su música con un estilo, una personalidad y unos matices que le pertenecen sólo a ella. Al igual que algunos hacen monumentos con cerillas o meten barcos en botellas, Aldous Harding hace canciones. Se la califica de folk por la naturaleza predominantemente acústica de su música, pero el género no importa realmente. Lo suyo es la miniaturización de la historia de la música, trayendo recuerdos frescos de la Velvet Underground, Kate Bush o de oscuros cantantes de folk de los 60-70 a sus propias canciones. Y esto es aún más evidente en su cuarto álbum, Warm Chris, que es tan bueno como una limpieza primaveral. Ha despojado a sus canciones de todo lo que pudiera entorpecerlas, para quedarse sólo con lo esencial. Voz, guitarra, un poco de piano o metales, todo ello interpretado con economía. El resultado es elegante y equilibrado. Aldous Harding siempre tiene buenas ideas con pequeños trucos o arreglos y no cae nunca en la banalidad. El álbum se grabó en un estudio de Gales con John Parish. Pero conserva el sabor de lo casero, sin estrés ni limitaciones. El primer tema se llama Ennui (en francés), y este título no es en absoluto indicativo del resto del álbum. © Stéphane Deschamps/Qobuz

Labyrinthitis is a medical condition (inflammation in the inner ear which results in hearing loss, a sense of dizziness and vertigo) that seems to result in an unsettling state of being. In the opening moments of Destroyer's latest album of the same name, a crackling drum loop and orchestra tune-up are swept into an eerily similar abstraction of space and sound that cocoons the listener from all sides. This panoramic dizzying state is constant throughout LABYRINTHITIS, but inside that envelope are dotted pockets of cynical lyrical subversion, insoluble anxious questioning, and restful acceptance.  It’s a sonic bath so thick and luscious with the hypnotic, woozy wistfulness of frontman and maestro Dan Bejar's voice guiding us through the fog. LABYRINTHITIS' lyrical and sonic statements appear as non-sequitur. Still, when lifted out of line-by-line analysis, their meanings extend an invitation to get lost in their arcane maze. Because no matter where you end up, Bejar and his band have got your back. Mainly written in 2020 and pieced together through early 2021 with frequent-collaborator and fellow-New Pornographer John Collins, LABYRINTHITIS is a continuation of Destroyer's cerebral, life-is-messy-so-embrace-it revelation. Bejar has said that his lyricism has a "hermetic” and "unconscious" stream of consciousness, which is highlighted in "June." Muted bass bounces and synthesizer glimmers open to Bejar proclaiming "Fancy language dies, and everyone's happy to see it go" into decisive reflections that wage workers are "Happy to strike for more pay." While seemingly unrelated, Bejar's wandering slurs weave the different ideas together (Consider a title like "Eat the Wine, Drink the Bread"). Shrouded in a misty sheen, the instrumental soundscapes of LABYRINTHITIS are another striking high point. Crashing keyboards, driving drum patterns, muted horn honks, and pulsating synthesizers speckle the vistas of each track. "Tintoretto, It's for You" (yes, like the Italian painter) and "The States" are serpentine with no predictable structure, but imbue a sense of meditation amidst swirling destruction their very lyrics are describing. Destroyer’s hazy, scalable labyrinth is anchored by the distinctive paradox of feeling lost and self-assured, all in the same swing. A fitting illustration for the world at the time this record arrives. © William Card/Qobuz

Revelada a través de la película Belgica (2016) y la fantástica banda sonora firmada por los hermanos Dewaele, y después de dos primeros EP con los que sedujo a todo el mundo (sobre todo con Zandoli en 2019. con el éxito Paténipat), la cantante Charlotte Adigéry lanza ahora su primer álbum junto a Bolis Pupul, su “socio musical” de Deewee, el sello de los Soulwax. Los dos artistas belgas comparten un origen caribeño (ella es de ascendencia yoruba/martinense, y él es chino/martinense) y han decidido burlarse de todos los intolerantes en este Topical Dancer abordando temas como la apropiación cultural, el racismo, el sexismo o el poscolonialismo. Pero todo ello realizado de una forma extremadamente divertida, con Charlotte Adigéry en la cima de su creatividad como letrista.En Esperanto, regaña a los aislacionistas (“Dont say we need to build a wall. Say : I’m a world citizen, I don’t believe in borders”) con una escansión tan refinada como elegante. En el funky Blenda, son los racistas los que se llevan los dardos; luego los misóginos en Ich Mwen, Reappropriate o el sabroso Thank You, que ironiza sobre las opiniones no solicitadas de los hombres sobre el aspecto de las mujeres. Musicalmente, este disco rezuma el sonido pesado y a la vez frío de Deewee, la casa/estudio de Soulwax en Gante, con, como siempre, una mezcla de géneros (electro, pop, no (new) wave...) entre sintetizadores hipnotizantes, bajos rotundos y riffs de guitarra groovy. No es fácil elegir lo más destacado de este álbum surrealista, para escuchar y bailar, aunque no hay que perderse HAHA, un tema conceptual entre la risa y el llanto (el más surrealista de todos) o Making Sense Stop, que da una bofetada a todo el pop francés. Un álbum total, funky, cáustico, comprometido. Un Qobuzissime sin dudarlo. © Smaël Bouaici/Qobuz

Nilüfer Yanya makes music that is as much of an eclectic melting pot as her own background. The daughter of Irish-Barbadian and Turkish parents, she grew up in London listening to Turkish music, classical, and the Strokes and the Libertines; the sound of her second album, following up 2019's acclaimed Miss Universe, is nothing like anything else being made right now. "Shameless" morphs from jangling guitars and a deep well of bass to a soulful, silky R&B track and then back. "Chase Me" is woolly with industrial static like creaky gears and moody, downbeat guitar. "Anotherlife" is café dream-pop, "Try" slowly sashays with hypnotic guitar, and "Company" is an almost goth ballad of tender sympathies. Which isn't to say there is any kind of identity crisis. The whole package very much feels like one complete idea, just traveling a boulevard of moods. "Stabilise" is a standout, its nervous, antsy rhythm, and almost math-y guitars (think early TV on the Radio) suggest the kind of oppression you can feel in a city, when the skyscrapers choke off the sidewalk's sunshine. Indeed, Yanya has said the song is about how urban life can feel "just grey and concrete, there's no escape." Her delivery is haunted on lines like "It was a small flat/ Rotten to the core/ Still going nowhere," before the drums give way to a chorus that could be heard as hopeless or self-sufficient: "'Cause I'm not waiting/ For no one to save me." Across the album, Yanya's uniquely husky voice can feel like heavyweight gauze; Sade run through a grainy filter. Her staccato delivery is disarming on "L/R," with its spooky Siouxsie guitars, elasticized bass and goth dancefloor drums, before the singer pushes up into the higher reaches of her range, a "left-right" chant panning in the speakers. "Midnight Sun" is another scene-stealer, starting off with warm, off-kilter, Radiohead-esque guitars before erupting in a storm of fuzz. "Love is raised by common thieves/ Hiding diamonds up their sleeves," Yanya sighs. When she repeats the title of "Belong With You" over and over again, it's unclear if she is trying to convince herself or the other person—or maybe the horn, low in the mix, that's just audible through a fog. © Shelly Ridenour/Qobuz

Reality Show fue un gran hito en la carrera de Jazmine Sullivan. Con aquel tercer álbum en 2015, la cantante de Filadelfia dio un gran paso adelante, tanto en el manejo de su voz como en su relación con la melodía y el groove. La gracia de su R&B, con ese toque de la vieja escuela, se mezclaba con letras bastante elaboradas. Cinco años después, y tras impecables proezas para GoldLink (Meditation con Kaytranada), Frank Ocean (Solo y cuatro temas en Endless), Kindness (Hard to Believe), Mali Music (Loved By You), Niia (Sideline) y Robert Glasper (You’re My Everything en Black Radio 2), Sullivan saca pecho aún más con Heaux Tales, una obra visceralmente comprometida con un título contundente (un juego de palabras entre Hotels y Hoe Tales, láease “cuentos de prostitutas”).“Este álbum es mi observación de las nuevas mujeres de hoy, que asumen su poder y se comprometen con lo que son. El patriarcado ya no dicta lo que significa ser una ‘buena chica’. La verdad es que las mujeres de todas las edades han sido llamadas ‘putas’ en algún momento de sus vidas, lo merezcan o no, por un hombre intentando controlarlas, someterlas, educarlas a su manera. Las mujeres están demasiado avergonzadas de la decisión que han tomado, o han debido tomar, sobre sus cuerpos. Todas somos diferentes. Todas tenemos un viaje que hacer y sólo nosotras podemos decidir cómo llegar allí.”Estas intenciones están impecablemente puestas en sonido, como en el éxito Girl Like Me que cierra el álbum, un dúo alocado con la californiana Gabriella Wilson alias H.E.R., una clásica historia de amor que se convierte en un engaño. Otras dos colaboraciones enriquecen a Heaux Tales (Anderson .Paak en Pricetags y Ari Lennox en On It). Su voz ronca con un timbre de soul desnudo (a lo Lauryn Hill/Brandy) a veces se divierte dejándose influir con Kendrick Lamar (Put It Down) o coqueteando con la música gospel (Bodies, Lost One). Pero más allá de todo esto, Jazmine Sullivan no se limita a lanzar un batiburrillo feminista en sintonía con los tiempos. Es un cuarto álbum muy contundente, una obra hermosa y profunda, y sí, acorde con los tiempos. © Marc Zisman/Qobuz

On the surface, Cate Le Bon's seemingly chill, immersive music seems like something you could put on in the background while doing chores or just relaxing. Ha. In reality, it doesn't leave you alone. It prods and pokes and forces you to engage—to marvel at her odd flourishes, deceptively complicated guitar parts and sly arrangements. She has said that Pompeii, her sixth album, was "written and recorded in a quagmire of unease." With pandemic restrictions and fog leaving her to her own devices, the singer-songwriter had plenty of time to "grapple with existence, resignation and faith." Her conclusion is pragmatic if not comforting: "The world is on fire but the bins must go out on a Tuesday night ... I put a groove behind [the unease] to hold on to. The grief is in the saxophones." In fact, Euan Hinshelwood's sax is her co-star, a supporting actor but a major presence. It can suggest agitation "Dirt on the Bed," and come on like honey on "Moderation," which sounds full and warm with its groovy, playful bass. But don't get too comfortable. This is art rock and it's provocative. The lyrics reference a 1958 essay, "The Moon"—about being less impressed by technology than art—by Brazilian modernist architect Lina Bo Bardi, who magically found ways to make hard lines and "cold" materials exceedingly human-friendly. "I can't have it/ I don't want it/ I want to touch it," Le Bon sings, skating beautifully along the contradiction of all-consuming appetite and decorum. It's a push-pull that seems embedded in her: Le Bon hails from Wales but lives in Joshua Tree, two distinctly weird, remote and mythic locales where outsiderism is worn like a badge of honor. "Pompeii" unfurls with distorted carnival music, like a carousel out of tune, foreboding in the background even as the vocal melody is reassuring: Le Bon's voice effortlessly slides up and down scales, a quick shape-shifter in the vein of Bowie. In fact, "French Boys" feels like it could have been a cut from his moody, slinky Let's Dance era. "Harbour," meanwhile, has a different '80s vibe, its synth pop and grounded ethereality recalling Kate Bush or Tracey Thorn. © Shelly Ridenour/Qobuz

Un año y medio después de Kick i, Arca ha dado por completada su serie con cuatro nuevos álbumes (!) publicados casi simultáneamente, cada uno de los cuales revela una faceta diferente del trabajo de esta productora venezolana, que se ha convertido en uno de los nombres más cotizados de la industria musical (con Kanye West, Björk o FKA twigs en su currículum). El primero, Kick ii, es quizá el más pegadizo, ya que presenta la “versión Arca” del reguetón, un género muy popular en Venezuela que se ha convertido en un fenómeno mundial en los últimos años. Arca revisa el ritmo dembow en todas las direcciones a lo largo de las tres cuartas partes del disco, con Boys Noize en modo epiléptico en Tiro, modo vapor en Luna Llena con los gemelos alemanes Cubeatz, o en estilo IDM/electrónico con Clark en Confianza. El disco se completa con el single pop/EDM Born Yesterday con la ex de Zero Seven, la australiana Sia.En Kick iii, Arca nos traslada a un club oscuro y sucio con un potente sistema de sonido puesto en marcha con Bruja, hip-hop industrial con ese increíble ritmo que nos recuerda su talento único en cuanto a diseño sonoro. Para la hora punta tenemos Incendio, también editado como single y perfectamente bautizado, Morbo, un dancehall/dubstep mutante al que ni los ingleses se habrían atrevido, Electra Rex, con su vertiginosa patada de bajo, y el featuring con Machinedrum, un Señorita muy metálico. Como siempre, la música de Arca es muy mental, y los fans se lo pasarán en grande con los ojos cerrados sobre la cama, con Intimate Flesh y Joya cerrando el set.En el siguiente álbum, Kick iiii, Arca nos traslada a atmósferas más downtempo, con una tonelada de teclados etéreos y pasajes cósmicos que rozan la música concreta. El featuring de Planningtorock en la lánguida Queer va en esta línea, e incluso hay una balada sintética, Hija, que haría llorar a un androide, mientras que los emos deberían encontrar su ración con Lost Woman Found y Paw.Y para terminar, Kick iiiii encarna el ciclo del renacimiento de esta saga ideada por Arca, con una serie de nanas, entre las que destaca una especialmente diseñada para los nostálgicos del rave, Amrep, que recoge todos los códigos del techno de los 90 para fundirlos en el caos. Un disco que continúa casi sin batería, con un monólogo de Ryuichi Sakamoto, en un instrumento chamánico (Sanctuary), justo hasta la conmovedora Crown final donde encontramos el golpe indus característico de Arca, más inspirada que nunca. © Smaël Bouaici/Qobuz

The second in a series of catalog re-recordings and revisions, Red [Taylor's Version] finds Taylor Swift revisiting her self-styled pop breakthrough Red. Released nine years after the original album, Red [Taylor's Version] does bear a few signs of maturation, notably on the explicitly pop moments, such as "I Knew You Were Trouble," "22," and "We Are Never Ever Getting Back Together," which seem ever so slightly muted when compared to the 2012 versions. Nevertheless, much of the point of the re-recordings is to get these new versions as close to the original versions as possible so they can be easily licensed and to that end, Swift succeeds admirably. The more interesting part of Red [Taylor's Version] arrives in the second half when Swift records songs left in the vault, including "Better Man" -- a song she gave to Little Big Town, who won a Grammy for Best Country/Duo Group Performance in 2018 for their recording -- and duets with Phoebe Bridgers ("Nothing New"), Chris Stapleton ("I Bet You Think About Me"), and Ed Sheeran ("Run"). The highlight of these is a ten-minute version of "All Too Well," a bitter ballad that was already one of the peaks of Red and is now turned into an epic kiss-off. This, along with excavated songs, are reason enough for Swift to revisit Red and they, not the re-recordings, are the reason to return to Red [Taylor's Version]. © Stephen Thomas Erlewine /TiVo

Lindsey Jordan—the 22-year-old NYC-by-way-of-Maryland singer-songwriter who looks like she's still in high school and goes by Snail Mail—has lived a lot since her 2018 debut, Lush. You can hear it all over Valentine, her second album, which is full of references to heartbreak, losing herself, a stint in rehab and a quest to change. Her wonderfully raw (no American Idol perfection and show-off runs here) voice still sounds girlish, but with a new hoarse quality. The album's stylized cover art, with a besuited Jordan posing defiantly, even hints at the more grown-up direction this time around. "Valentine" starts off kind of free-floating and loose, pouring like honey, before the chorus kicks in: "So why'd you wanna erase me, darling Valentine?" This is the new emo, as big and bold as anything by My Chemical Romance or Paramore but lashed with a 2021 world-weariness and a straightforward queer sensibility. Waxahatchee's Katie Crutchfield, in guest-writing the bio for the album, nailed it: "Valentine is somehow a jolt and a lovebuzz all at once." Against clicky drums, Jordan reveals the desire to anesthetize boredom that landed her in rehab. "On two, feels like spring/ All on my own, guess the shit just makes you boring/ Got money, don't care about sex," she sings. "Sometimes I hate her just for not being you." In fact, Jordan told Pitchfork that success forced her to grow up and reassess, lest she end up another music business tragedy. "After Lush came out, I was driving myself crazy going to every single social thing," she said. "I was like a baby in an adult job." If it sounds a bit like the story behind Julien Baker's last album, the comparisons don't end there. Like Baker, Jordan wrestles with religious guilt and compulsions on the galloping "Madonna," and that new hoarseness makes the two sound even more similar than before (it's a compliment).You can also hear traces of Soccer Mommy's breathy dreaminess in "Headlock," in which Jordan lets herself imagine how wrong things could've gone if she hadn't gotten help: "Thought I'd see her when I died/ Filled the bath up with warm water/ Nothing on the other side." "Glory" feels like punchy '90s indie pop, and the sweet and quiet acoustic ballad "c. et al." is so intimate you can hear fingers slipping on the strings as Jordan unveils a surprisingly bluesy side. "Forever (Sailing)" has a lovely cafe-jazz touch; the snare splashes like a wave gently hitting the side of a yacht, while horns play as bright as the afternoon sun. Jordan has said she grew up influenced by the male-dominated Warped Tour bands of the 2000s, and she brings things full-circle with "Mia," a grand romantic gesture ballad in the vein of "Hey There, Delilah," that feels at once fresh and timeless. © Shelly Ridenour/Qobuz

Adam Granduciel es un mago. Ha conseguido que su banda The War On Drugs parezca un icono intocable del rock indie norteamericano, mientras hace malabares con lo mejor del rock clásico. Con Lost In The Dream, un álbum que terminó en la primera posición de muchas listas de fin de año en 2014, canalizó perfectamente sus obsesiones: Springsteen sobre todo, Dylan bastante, Tom Petty también, incluso Mark Knopfler (época de Dire Straits) en ciertas partes de guitarra. El cerebro de The War On Drugs envuelve sus canciones en un halo sónico clorofórmico, un toque shoegaze, pero se mueve por caminos despejados y sin aristas.En 2017, A Deeper Understanding dio en el clavo. Y ahora, una pandemia más tarde, Granduciel no propone ninguna revolución, sino que sigue afinando su arte, al que despoja de sus ensueños juveniles. Más dylanesco que nunca, desde la inicial Living Proof, hace de I Don’t Live Here Anymore una cumbre de la eficacia. Al igual que la canción que da título al disco, una melodía embriagadora puntuada por un ritmo conmovedor. O Harmonia’s Dream y su entrelazamiento de guitarras claras y sintetizadores ochenteros... Este quinto álbum es sobre todo una hermosa oda a la determinación. Incluso en sus cuestiones metafísicas, Adam Granduciel ha madurado. He crecido, he madurado, sigo adelante: todos estos tópicos tienen un sabor sorprendentemente singular en su voz. Todo suena a cliché pero nunca lo es. Ya podemos imaginar las canciones de I Don’t Live Here Anymore resonando en estadios con las entradas agotadas, pero también pueden ser la entrañable banda sonora de una tarde solitaria atrincherada en casa. En definitiva, al igual que sus ilustres mayores antes mencionados, el líder de The War On Drugs conmueve a todo el mundo y esta cosecha de 2021 bien podría ser la mejor hasta la fecha. © Marc Zisman/Qobuz