Pitchfork: Best New Music

"Flower Of Devotion" klingt wie Musik von Eigenbrötlern für Eigenbrötler, die ihre neue Lieblingsband dringend für sich behalten wollen. Oft dem Post-Punk zugeordnet, zimmert die aus Chicago stammende Truppe Dehd wieder aus zahlreichen Zeiten und Musikstilen ihren eigenen, erbaulichen Sound zusammen. Trotzdem ist die Kapelle prädestiniert dafür, auch langfristig als Geheimtipp gehandelt zu werden, weil sie Eingängigkeit ihrem Eigensinn hinten anzustellen scheint. Im gut gelaunten "Loner" beispielsweise hechelt Bassistin Emily Kempf im Refrain: "Well, I got it, I got it, I got it, I got it / I'm fine, I'm fine, I'm fine I'm fine". Sie tut das auf eine Weise, dass man als Hörer das Bedürfnis hat, ihr ein Hustenbonbon anzubieten. In "Flood" dagegen verfällt Kempf in nasales Leiern, während hinter ihr der Song davon zu schlurfen droht. Diese Momente wirken allerdings niemals wie ein Selbstzweck, so als würde die Band zwanghaft versuchen, besonders zu sein, sondern unterstützen immer die Aussage der Songs. Wenn man die Sängerin das Wort "Desire" erst mal kreischen hört, kommt man schnell zu dem Schluss, dass es nur so vorgetragen Sinn ergibt. Das Stück ist eine gute Einstimmung auf den Rest des Albums, das Verlangen und Abschied mit stampfender, nach vorne drängender Musik verbindet. Emily Kempf ist mit ihrer vielseitigen Stimme dabei nur eine von drei Stärken des Trios. Ihr Kollege Jason Balla füllt mit seinen mit Hall- und Chorus-Effekten beladenen Gitarren-Riffs einen Großteil des Klangraums aus und übernimmt auch häufig den Gesangs-Part. Eric McGrady kümmert sich um die ideale, nie in den Vordergrund drängende Percussion-Unterstützung. Auf ihrem mittlerweile dritten Album klingen die Amerikaner noch mal selbstbewusster, lockerer und - trotz Texten voller Sehnsucht - wärmer. Die Geschichte der Band ist geprägt von einem größeren Drama: Balla und Kempf gründeten Dehd, während sie dabei waren, in eine Beziehung zu starten, die allerdings nach der Veröffentlichung des ersten Albums in die Brüche ging. Dass es überhaupt zu einem zweiten Album, "Water", kam, ist dementsprechend der Leidenschaft der beiden für das gemeinsame Projekt geschuldet. Auf der Platte verarbeiteten sie ihre Trennung und scheinen nun, knapp ein Jahr später, deutlich gereift und sortierter, leidenschaftlich sowieso. Die Band entschied sich diesmal für eine Studio- und gegen die Selbstproduktion, was den Sound nochmal deutlich aufhübscht. Vor allem die Gitarre klingt merklich voller und erinnert stellenweise an Johnny Marrs Spiel, so zum Beispiel im Closer "Flying", in dem die Band mit knalligen Drums ihre rotzige Seite präsentiert, oder dem großartigen "Disappear", das einen der eingängigsten Refrains des Albums bietet. "Do you wanna disappear?", fragt Balla da, der Song erinnert auch an The Clash und die Ramones. "Flood" lässt mit seinem grummelnden Bass, dem reduzierten Gitarren-Spiel und Kempfs eindringlichem Gesang direkt an eng umschlungen Tanzende auf einem Abschlussball in den 80ern denken. Zwischen diesen beiden Polen, tanzbaren Balladen und wilderem Pop-Punk, bewegen sich die Songs. Stellenweise hört man Velvet-Underground-Einflüsse, etwa in "Month", das immer wieder Erinnerungen an "Heroin" weckt, dabei aber massentauglicher klingt. Kempf und Balla bleiben meist wortkarg, Emotionen werden vor allem über den Vortrag transportiert. Im eben erwähnten Song passiert textlich beispielsweise nicht viel mehr als Folgendes: "The month it comes it's changed from what it was / The month it comes too much / This never ending new summer feeling". Dehd haben aber ein Händchen dafür, das Beste aus ihrer Besetzung zu machen und dabei nur das Nötigste einzusetzen. © Laut

Wie schon der Titel sagt, handelt es sich um das dritte Album des aus den drei Schwestern (Este, Alana und Danielle) bestehenden Trios und es ist bei weitem ihr Bestes und ihr Persönlichstes, da sie mit einem gewissen Talent die zahlreichen musikalischen Einflüsse kombinieren, Pop, Rock, R&B und sogar eine Spur Jazz, wenn die Blechbläser zum Einsatz kommen. Wie das nachklingende Saxofon im Intro, das sie ihrer Stadt, ihrem Kosmos gewidmet haben: Los Angeles (nicht ohne im Vorbeigehen auf das ganze Grau von New York anzuspielen…). Dieses Album kommt genau zum richtigen Zeitpunkt, sozusagen als Höhepunkt einer Glanzzeit, in der die drei Schwestern im März 2019 beim 14. Pitchfork Festival den Ton angaben und zusammen mit Robyn und den Isley Brothers in der vordersten Reihe standen. Danielle war auch kurz auf dem Vampire Weekend-Album (Father of the Bride) zu sehen gewesen, und am 30. Oktober 2019 hörte man das Trio Haim auf einer Vorab-Single des Albums Now I’m in It. Eine für den Mainstream anscheinend zurechtgeschneiderte Ballade, auch wenn dort von Depression die Rede ist, und der Clip zum Titel stammt wieder von Paul Thomas Anderson, dem auch Boogie Nights und There Will Be Blood zu verdanken sind. Letzten Endes ist aber Women In Music Pt.III wirklich fesselnd und enthält wunderschöne Momente wie etwa im heiteren Hallelujah oder diesem süßsauren Summer Girl, wo sie die Geister von Joni Mitchell und Fleetwood Mac zusammentrommeln, die das kalifornische Trio so anhimmelt. © Yan Céh/Qobuz

Jessie Ware assoziierte man bisher gemeinhin mit Musik fürs Schlafzimmer. Intim und softsoulig gab sie sich auf "Tough Love" und "Devotion". Jetzt legt sie ihre kantigste Scheibe vor, reif und retro. Für "What's Your Pleasure" badete die Sängerin anscheinend in alten Vinyl-Sammlungen. Der dezent-unschuldige Charme von Minnie Riperton lebt auf, man gönne sich dazu als erstes den Schlusssong - unbedingter Anspieltipp! Die sonnige Euphorie von Roy Ayers'-Wohlklangwogen findet sich in den erstklassigen Arrangements. Der Arp 2600-Kult-Synthesizer pflockt die Bassline-Grundsteine ein. Für die Oberstimmen sorgt der polyphone Deckard's Dream, Nachbau eines legendären Yamaha-Synthie und Fans früher 80er-Filme dank Hans Zimmer und Vangelis vertraut im Sound. Prince'sche Funk-Crazyness aus jener Ära hat Ware ebenso absorbiert. Energische Tanzbarkeit übernimmt sie aus dem verträumt-hypnotischen Disco-Funk der Marke Patrice Rushen. Fette Kick-Drums machen eine klare Ansage, bereiten mit erdigem Groove den Weg durch die meist schnellen Tracks und werden stets von den warmen Sphärenklängen des Oberheim Matrix 1000 umschlungen. Der Synthesizer verwandelt Klavier- und Bläsertöne in verfremdenden, gestreckten Raumklang und dient hier als angenehme Vorführung von Offbeat-Musik ohne Trap-imitierendes Gedöns. Obendrauf öffnen die Vocals das Tor zur menschlichen Seele. Und auch als Instrumentals wären einige der Songs wertvoll. Jessie Ware haucht Sehnsüchte, die selten besonders geschlechtsspezifisch wirken. "Read My Lips" deutet etwas das Prinzip 'Prinzessin' an, und ansonsten beherbergt die Platte genau jenes urbane Lebensgefühl der sexuellen Befreiung in den 70ern, das unisex und unabhängig der Orientierung vorherrschte: sich fallen lassen und hingeben. Die frisch im TV wiederholten Bond-Filme mit Roger Moore parodieren damals schon dieses vorschnelle Sich-Anvertrauen mit Charme, Jessie Ware wäre Kandidatin für einen heutigen 007-Filmsong. Den Gestus der Unschuldigen legt sie in "Spotlight" mit ihrer Darstellung von "moonlight and satin" dar: sinnlich, fühlbar, bereit für ein romantisches Abenteuer sofort im ersten Track, ohne Anwärmphase. Jessie vertont in "The Kill" auch die Gefahren, wenn es "complicated" wird und Liebe ins Verletzende kippt. Die Musik erinnert an Zeiten, in denen richtig Geld in organischen Sound gepumpt wurde, auch textlich handelt der eindrucksvolle Schlusstrack vom Zurückdenken, "Remember Where You Are". Ware saugt ihren Sound aus dem New Yorker Underground von Pionier Walter Gibbons und Early Adopter Frankie Knuckles und den Stimmungen, die Giorgio Moroder mit Donna Summer inszenierte. Die Synth-Percussions entwickeln auf "What's Your Pleasure" ein Eigenleben, ziehen den Hörer wie an einer Leine auf sicherem Pfad in den Disco-Jungle. Einzig anzumerken wäre, dass auf diesem stimmungsvollen und ziemlich genialen Album wie schon bei Wares Vorgänger-CDs der 'Hit' fehlt. Eine Smash-Nummer, die bei uns den Weg in die Crossover-Pop-Charts bahnen könnte, wäre allenfalls "Soul Control", allerdings auch der einzige vorhersehbare Track. Gut, die cinematoskopischen Pizzicato-Synthie-Geigen in "Step Into My Life" wirken extrem eingängig, genauso wie die Harmony Line im sommerlich-luftigen "Read My Lips" und das kindlich gesungene, Blondie-art-poppige "Ooh La La", das mit Jojo-Beats und leichtem Post-Punk-Twang brilliert. Doch meist überwiegt die filigrane Gestaltung. Mehrmals, z.B. im Intro zu "Mirage (Don't Stop)", führt die Melodie auf eine falsche Fährte. Songs starten spannend, bauen immer mehr Spannung auf statt ab und verschließen sich so dem Nebenbei-Konsum ("The Kill", "In Your Eyes"). "What's Your Pleasure" spult gegenüber Dua Lipas "Future Nostalgia" noch ein halbes bis ganzes weiteres Jahrzehnt zurück und landet somit auch in jener Zeit, als dubbiger Disco-House und Hip Hop à la Kool Herc und Afrika Bambaataa sich parallel und wechselseitig entwickelten, was besonders in den Effekten von "Ooh La La" anklingt. Dieser Rücksprung macht die Scheibe zum Ereignis. Das fantasielose Cover-Artwork beiseite genommen, ist das Album hochwertig produziert und lohnt sich als schwarze Schallplatte, der man bei einem Gläschen Lieblingsgetränk beim Drehen zusieht. © Laut

Mit seinen nun bald 80 Lenzen lässt Bob Dylan wieder von sich hören. Und diesmal meint er es ernst. Rough and Rowdy Ways ist seit Tempest im Jahr 2012 das erste Album mit selbstkomponierten Songs, und erscheint zu einer Zeit, in der die Welt in jeder Hinsicht auf dem Kopf steht. Der Zim hatte dieses Aushängeschild als „Wortführer einer Generation“ natürlich nie leiden können, das ihm bestimmte Leute in den Sechzigern und Siebzigern angehängt hatten, als es um die Welt auch nicht viel besser bestellt war. Aber allein diese Stimme zu hören, egal, ob ihr nun poetische oder politische, esoterische oder historische Inspirationen zugrunde lagen, wirkte immer wie ein hoch erfreulicher, lebensrettender Abstecher. Diese 2020er Ausgabe ist in gleichem Maße faszinierend und angesichts seines hohen Alters werden wohl Stimmen laut werden, die sie als Konvolut eines ausklingenden Lebens, wenn nicht sogar als Testament deuten werden…Die Geschichte dieses Albums beginnt am 27. März 2020, als Dylan ganz unerwartet Murder Most Fool veröffentlicht, einen 17-minütigen Song über den Mord an John F. Kennedy, mit dem er dieses Album Rough and Rowdy Ways ausklingen lässt. Dieser musikalisch gedämpfte Schock ist eher Sprechgesang als Gesang, etwas zwischen politischer Schimpftirade und Pop(ulärer)kultur, wobei er mit einem ganzen Regiment an Referenzen aufwartet, etwa den Beatles, Joni Mitchell, Wanda Jackson, Robert Johnson, Grateful Dead, The Who, Elvis Presley, Joan Baez, Little Richard, Billie Holiday, Patsy Cline, Etta James, John Lee Hooker, Nina Simone, les Eagles, Stan Getz, Thelonious Monk, Charlie Parker, Woody Guthrie, Ella Fitzgerald, Nancy Sinatra, Stevie Nicks, Miles Davis, Chet Baker, Randy Newman und sogar Ludwig van Beethoven! Wie immer in seinem Fall gehen Verständliches und weniger Verständliches Hand in Hand und die Experten und Fachgelehrten des Dylanismus werden jetzt Monate damit verbringen, jedes Wort und jede Silbe ihres Idols zu entschlüsseln. Wie er in einem Interview mit der New York Times erklärte, ist es „unwichtig, ins Detail zu gehen. Dieser Song ist wie ein Gemälde. Man kann nicht gleich alles sehen, wenn man zu nahe steht. Alle einzelnen Teile sind nur Teil eines Ganzen“.Auch Rough and Rowdy Ways ist etwas einheitlich Ganzes, bei dem Dylan zwischen altem, ausgeleiertem, schnörkellosem Blues (Crossing the Rubicon, False Prophet) und dezenten, sepiagetönten Walzern hin und her wechselt. In diesem Sturzbach mit vielen Worten und weitaus weniger Noten bringt er Bürgerrechte, Krieg, Religion, Tod und auch sich selbst zur Sprache (I ain’t no false prophet / I just know what I know / I go where only the lonely can go - Ich bin kein falscher Prophet / Ich weiß nicht mehr als das, was ich weiß / Ich mache, was nur Einzelgänger machen) und unzählige andere Themen. Das, was er präsentiert, ähnelt vielmehr von Poesie durchtränkten Monologen als seinen klassisch strukturierten Songs im vorigen Jahrhundert wie Blowin' in the Wind, Mr. Tambourine Man, Lay Lady Lay, Hurricane und auch Like a Rolling Stone. So gesehen ist es nicht wirklich leicht, sich diesem Gemurmel hinzugeben, wenn Dylan mit der charismatischen Aura eines Weissagers seine Geschichten herunterleiert. Schließlich ist Rough and Rowdy Ways ein Beweis dafür – auch wenn Bob Dylan ein unabänderlicher Meister des Blues, des Folk, des Jazz und des Country ist – dass er nach wie vor ein ganz eigenes musikalisches Genre verkörpert. © Marc Zisman/Qobuz

Die 25-jährige kalifornische Sängerin Phoebe Bridgers bestätigt mit diesem Zweitling, dass sich die guten Kritiken zu ihren Songs, einer Art recht gefühlvollem, mit psychedelischen Elementen gespickten Indie-Folk, nicht geirrt hatten. Der Albumtitel Punisher ist eine bewegende Hommage an den großartigen Singer-Songwriter Elliott Smith, Kultfigur eben dieser Indie-Folk-Szene. In diesem Song herrscht die melancholische Atmosphäre der amerikanischen suburbia (Vorstadt), die Bridgers mit folgenden Worten beschreibt: „When the speed kicks in, I go to the store for nothing, and walk right by the house where you lived with Snow White…“  („Wenn Adrenalinstöße wirken, gehe ich einfach so bummeln, gehe dann direkt am Haus vorbei, wo du mit Schneeweißchen wohntest…“, also da, wo Elliott Smith wohnte). Apropos Smith erklärt Phoebe Bridgers: „Wenn ich jemanden treffe, der Elliott Smith nicht mag, dann fürchte ich, dass wir uns einfach nichts zu sagen haben…“. Das übrige Album geht im selben Ton weiter, empfindsam eben. Und wenn ein Song im Ohr heiterer klingt, oder zumindest weniger launig, dann scheinen die Worte noch schwerwiegender zu sein, voll verhaltener, aber unnachgiebiger Traurigkeit. Das ist zum Beispiel in Chinese Satellite der Fall, wenn Bridgers am nächtlichen Himmel nach den nicht vorhandenen Sternen Ausschau hält und letzten Endes den Himmel ohne etwas dabei zu empfinden … Dieses Album ist ein langer Spaziergang in den nächtlich dunklen Straßen, aber ein helles Licht gibt es immer irgendwo. Nämlich Bridgers Stimme. Eine Stimme, auf die man sich verlassen kann. © Yan Céh/Qobuz

Taub und machtlos schaut die Bevölkerung im Fernsehen zu, wie eine Gruppe Polizisten einen schwarzen Mann zu Boden ringt und ihm so lange die Luft abschnürt, bis sein anfängliches Schreien nur noch ein Flüstern ist: "Ich bekomme keine Luft mehr." I can't breathe. Die zugehörigen Bilder hat sicherlich jeder ihm Kopf. Was hier allerdings beschrieben ist, ist nicht die Ermordung George Floyds, sondern die fast unheimlich präzise anmutende Schilderung Killer Mikes, der seinen Zorn über Polizeigewalt und den Umgang der Medien in "Walking In The Snow" packt. Obwohl der Song Monate vor den aktuellen Protesten in den USA aufgenommen wurde, rechtliche Streitigkeiten um ein Sample verzögerten das Release, fühlt sich das vierte Album, das Killer Mike zusammen mit seinem kongenialen Partner El Producto aufgenommen hat, nicht nur an dieser Stelle an, als spreche es genau aus der aktuellen Lage heraus zu uns. Das ist einerseits wenig verwunderlich, hat es die gesellschaftliche Lage, zumindest der vergangenen Jahre, doch an sich, dass wütende Protestmusik à la Run The Jewels stets klingt, als sei sie genau auf den Moment zugeschnitten. Schon bei den drei vorhergegangen Alben war dies nicht anders, und immerhin ist auch "I Can't Breathe" spätestens seit der Ermordung Eric Garners im Jahr 2014 (die der George Floyds auf reichlich perverse Art und Weise ähnelt und auf die sich Mike wohl bezieht) zentraler Slogan der Black Lives Matter-Bewegung. Klar ist aber auch: Je furchteinflößender die politische Situation wurde, desto stärker haben sich Run The Jewels gegen die gesellschaftlichen Missstände positioniert. So wie "Walking In The Snow" in konsequenter Entwicklung von Mikes wiederkehrender Kritik an rassistischer Polizeigewalt steht (von "Reagan" auf R.A.P Music über "Early" auf dem zweiten Album des Duos), gipfelt auch "Run The Jewels 4" in der bisher deutlichsten Attacke gegen jene Kräfte, die den gesellschaftlichen Diskurs im Land zersetzen, von Fox News bis hin zu den evangelikalen Unterstützern des Präsidenten. Somit positionieren sich die beiden Rapper mit der zentralen Aussage "We don't mean no harm / but we truly mean all the disrespect" gleich zu Beginn des Albums als wichtige Stimme für einen friedvollen, aber zornigen Protest. Dass ein solches Gegenhalten über einen simplen Dualismus und stumpfe Parolen hinausgeht, zeigt nicht zuletzt die öffentliche Rede, die Killer Mike vor wenigen Tagen nach den wütenden Ausschreitungen in Atlanta hielt. Wie der Sohn eines Polizeibeamten hier gegen unkontrollierte Ausschreitungen und für ein strategisches Vorgehen plädiert, bestärkt den Eindruck, dass er wohl auch einen ziemlich guten und vor allem diplomatischen Politiker abgeben würde, schriebe er nicht gemeinsam mit seinem Partner den Soundtrack zur Protestbewegung. Tut er aber nun mal, und das nach einem durchaus wirkungsvollen Konzept. Nach drei gemeinsamen Alben wissen die Zuhörenden zugegebenermaßen doch ziemlich genau, wie ein Run The Jewels-Song klingt. Wenn man einen merklichen Unterschied im Soundkonzept festmachen will, dann besteht der wahrscheinlich darin, dass das Duo mit dem wachsendem Hass und der zunehmenden Spaltung der Gesellschaft noch kompromissloser und härter als ohnehin schon klingt. Wohl auch um ein Festfahren in liebgewonnenen Konventionen zu verhindern, findet sich auf dem vierten Alben deutlich mehr Unterstützung, als das bisher der Fall war. Die verschiedenen Stimmen helfen dabei auch, unterschiedliche Fassaden der beiden Protagonisten herauszustellen. Während Zack de la Rocha, als Bruder im Geiste mittlerweile fast so etwas wie ein drittes Crew-Mitglied, gemeinsam mit Pharrell Williams die Wut über soziale Ungerechtigkeit und das Geldsystem herausschreit, stellt die Kooperation mit 2 Chainz mehr den gewohnten, ziemlich derben RTJ-Humor in den Fokus. Eine weitere liebgewonnene Konstante bestätigt sich: Wie man von den vorhergehenden drei Alben weiß, kommen die absolut herausragenden Songs stets ganz zum Ende. Auch auf dem vierten Album stechen die apokalyptisch düsteren "A Few Words For The Firing Squad" und "Pulling The Pin" (sicher nicht zuletzt dank der emotionalen Performance der großen Mavis Staples) aus der ohnehin schon hohen Qualität der vorhergehenden zehn Lieder noch einmal merklich heraus. Run The Jewels bleibt eine großartige Symbiose, die beiden Rappern mit mittlerweile weit über vierzig in mehrerlei Hinsicht einen absoluten Karriere-Höhepunkt beschert. Nicht nur dass die Zusammenarbeit Jaime und Mike zu neuen qualitativen Höchstleistungen treibt, mit zunehmender Reichweite sind Run The Jewels angesichts stetig wachsender gesellschaftlicher Gräben im Land auch relevant wie nie zuvor. Wie stellt Killer Mike in seiner Rede in Atlanta heraus: "Wir wollen keine Läden brennen sehen. Wir wollen sehen, dass das System, das für den systemischen Rassismus sorgt, bis auf die Grundmauern niederbrennt." Dass dieses Ziel in weiter Ferne scheint, wird wohl dafür sorgen, dass sich auch ein mögliches fünftes Album des Duos anhören wird, als sei es genau für diesen Moment geschrieben worden. © Laut

Anfangs wurde Mike Hadreas alias Perfume Genius wie ein Cousin/Cousine von Anohni/Antony Hegarty (Antony & The Johnsons) behandelt. Im Laufe seiner nach und nach erschienenen Alben war aber bald klar, dass die Welt des Amerikaners weitaus komplexer ist, als diese voreilig in den Raum gestellte Verwandtschaft… 2014 präsentierte er mit Too Bright (in Koproduktion mit Adrian Utley von Portishead) ein kunterbuntes Bild: minimalistische Sequenzen, düsterer Elektro wie bei Suicide, hochtrabende Ausdrucksweise und balladenähnliche Anleihen von R.E.M. Das drei Jahre später veröffentlichte No Shape enthielt gleichfalls diese recht persönlich geprägte Vielseitigkeit, eine musikalische Zwitterhaftigkeit à la Bowie 2.0. In Set My Heart on Fire Immediately erzählt Perfume Genius, dass er von seiner Arbeit mit der Choreografin Kate Wallich inspiriert wurde. Dieser Gedanke verdeutlicht, wie schwer es sein Körper mit dem Tanzen hatte. „Und zwar so sehr, dass diese Trennung zwischen meiner Arbeit und der restlichen Welt beim Tanzen explodierte.“ Solche Überlegungen brachten ihn vor allem dazu, seine Kompositionen neu zu überdenken und fester in der Realität und im täglichen Leben der Leute zu verankern. Sie zeigen Einflüsse von so verschiedenartigen Künstlern wie Townes Van Zandt, Enya und Cocteau Twins! Verschiedenartig wie dieses fünfte Album, das im Handumdrehen von einer nahezu barocken Ballade zu einer Noise-Sequenz überwechselt. Auch Stimmlagen in allen Regenbogenfarben gibt er uns zu hören, wobei er von engelhaftem Falsett zum Stöhnen übergeht. Cello, Glockenspiel, Wurlitzer, Saxofon und Harmonium bereichern das Klangsortiment dieser recht unergründlichen, aber ganz großartigen Platte. © Max Dembo/Qobuz

Beck hat für ihn geschrieben. Sufjan Stevens hat seine Lieder gecovert. James Blake, Bon Iver, Flume und Andrew Bird haben ihn eingeladen, Alben mit ihnen aufzunehmen. Und Solange Knowles, St. Vincent und Erykah Badu sind mit ihm befreundet: Moses Sumney ist ein starker Magnet. Die Aura des futuristischen Soulman entfaltet sich im Debütalbum von 2017, Aromanticism, einer tadellosen Abhandlung über lasziven und intelligenten R&B, getragen von seiner in Gospelklängen schwelgenden Stimme und seiner beeindruckenden Persönlichkeit. Um die Dualität seines Alltags und vor allem seine persönliche Gespaltenheit zu unterstreichen, sieht Moses Sumney mit Græ doppelt. Er hat dieses ehrgeizige zweite Album in zwei Teilen, die im Abstand von drei Monaten veröffentlicht wurden, kreiert, indem er den Pinsel in eine XL-Palette tauchte: Soul, Pop, Jazz, Rock, R&B, Folk. Auch der Titel – weder schwarz noch weiß – betont diese Zwiespältigkeit...Der heute in Asheville, North Carolina, ansässige Kalifornier, der zwischen dem 10. und 16. Lebensjahr in Accra in Ghana gelebt hat, entfaltet Ideen wie zweistimmige Klänge. Seine Sexualität und seine Herkunft, seine Männlichkeit und seine Zerbrechlichkeit, sein Falsett und seine heisere Stimme, Luxus und Schlichtheit, akustische Gitarre und Synthesizer, es ist alles dabei... Ein lyrischer erster Teil, theatralisch und beseelt, an der Grenze zum Barock-Soul. Ein zweiter, ruhigerer Teil, schwerelos. Und immer wieder diese Leichtigkeit, mit der er vom einen zum anderen zappt, ohne zu überfordern oder zu übersättigen. Wie Sumney in einem Interview sagte, hat die Popkultur das Patriarchat so sehr ins Wanken gebracht, dass sie uns vergessen lässt, dass Männlichkeit nicht unbedingt negativ ist: Græ beweist es in einem Wirbel von Eklektizismus, in dem seine Stimme einen starken roten Faden bildet. Eklektizismus wie bei Gagarin, wo er From Gagarins Point of View von E.S.T., dem Trio des verstorbenen schwedischen Jazzpianisten Esbjörn Svensson, aufgreift. Oder wenn er Jill Scott einlädt, das Intro von jill/jack zu singen (rezitieren). James Blake und Daniel Lopatin alias Oneohtrix Point Never sind zwei weitere Erscheinungen dieser gewaltigen Sinfonie, die bei jedem Hören neue Geheimnisse offenbart. Græ ist nicht das Album eines Prince 2.0, denn es nährt sich aus tausend Klängen. In diesem Reich trägt Moses Sumney seine eigene Krone. Und seine Herrschaft hat gerade erst begonnen... © Marc Zisman/Qobuz

Als sie mit 19 ihr Debüt veröffentlichte, wurde sie mit Ehrungen, Kritikerlob und goldenen Schallplatten geradezu überschüttet. Dabei war "Tidal" alles andere als ein geschmeidiges Pop-Album. Eher ein Urahn von Billie Eilishs "When We All Fall Asleep", in dem sich Fiona Apple mit ihrer dunklen Gedankenwelt auseinandersetzte. 23 Jahre später erscheint nun ihr erst fünftes Werk, das in mühsamer Kleinarbeit in ihrem Haus in Venice Beach, Los Angeles entstanden ist. Apples ausdrucksstarke, rauchige Stimme und das Klavier sind geblieben, statt Streichern wie auf dem Debüt dienen hier perkussive Elemente als wichtigste Begleitung. Unter anderem die Knochen ihres innig geliebten, verstorbenen Hundes Janet und die Flächen ihres Heims. House Music der anderen Art, wie sie mit einer Prise Ironie selbst dazu meint. Und wie gewohnt eine Auseinandersetzung mit ihrem Innenleben, das ohne große Ablenkungen ihren Alltag prägt. Außer mit ihrem aktuellen Hund Mercy für den täglichen Spaziergang verlässt sie ihre vier Wände selten. Soziale Medien verwendet sie nicht, eine offizielle Webseite hat sie längst nicht mehr, aktuelle Musik interessiert sie kaum, Interviews und Konzerte gibt sie nur noch selten. Sie ist Künstlerin durch und durch. Einsam ist sie dennoch nicht. Auf dem Album sind neben ihrer Stammband auch ihre Schwester Amber (in "Newspaper") zu hören und im Titeltrack Model und Schauspielerin Cara Delevingne, die den Hintergrundgesang beisteuert und ein markantes "Miau". Klar, Hundegebell ist auch zu hören. Dafür, dass die Aufnahmen im Wesentlichen mit Hausmitteln stattfanden - Computer und Handy, - ist der Klang erstaunlich intensiv. Das gilt für Stimme und Klavier wie auch für Schlagzeugerin Amy Aileen Wood. Apple und Wood kennen sich schon seit zwei Jahrzehnten und pflegen offenbar eine nicht ganz einfache Beziehung. Was sich daran zeigt, dass Apple Wood ehrt, indem das Album mit einer coolen Schlagzeugeinlage startet, sich im vorletzten Stück "Drumset" aber beklagt, dass das Instrument plötzlich abhanden gekommen sei. Laut Wood bezieht es sich auf eine turbulente Aufnahmesession, nach der sie das Schlagzeug mitnahm. Apple hatte wohl befürchtet, dass Wood ihre Sachen endgültig gepackt habe, dabei benötigte sie es lediglich für einen Liveauftritt. Wood spielt jedenfalls eine zentrale Rolle, ebenso wie ihr Vater John Would, der als Toningenieur half, Hunderte Soundschnipsel zusammenzuschneiden, um ein organisches Album zu erzeugen. Der erfahrene Produzent Tchad Blake war beratend tätig, doch behielt Apple stets alle Fäden in der Hand. So beließ sie im Endmix bei all der rhythmischen Vertracktheit schöne spontane Einlagen, etwa ein "Ah, fuck, shit" im abschließenden Stück, als sie im schnell gesprochenen Text "On I go, not toward or away / Up until now it was day, next day / Up until now in a rush to prove / But now I only move to move" kurz den Takt verliert. Zeilen übrigens, die Apples Weg als Künstlerin gut beschreiben: stets in Bewegung, nicht um ein Ziel zu erreichen oder von etwas davon zu laufen, sondern aus der inneren Notwendigkeit heraus, sich zu bewegen. Apple setzt auch Verse ein, die in ihrer Schulzeit entstanden. "Shameika" hieß ein ruppiges Mädchen in ihrer Klasse, das meinte, sie erkenne in Apple "Potential", der Refrain des Liedes. "Evil is a relay sport / When the one who's burned turns to pass the torch" lautet der Text von "Relay", ein Zungenbrecher, den sie mit 15 schrieb und in etwa bedeutet: "Das Böse ist ein Staffelsport / Wenn der Verbrannte sich umdreht, um die Fackel weiterzureichen" . Selbst der Titel des Albums hat einen beunruhigenden Bezug. "Holt den Bolzenschneider" ist eine Anspielung auf die Fernsehserie "The Fall – Tod in Belfast", in der Gillian "Scully" Anderson Sexualverbrechen aufklärt. In einer Episode spricht sie den Satz aus, um eine Frau zu befreien, die gefoltert wurde. Um dieses Werk positiv zu deuten könnte man sagen, dass Apple damit versucht, sich von ihren Ängsten und Zwängen zu befreien. Aber das Böse ist nie weit entfernt. "Good mornin'! Good mornin' / You raped me in the same bed your daughter was born in", wirft Apple unvermittelt in "For Her" ein. Ihr ist bewusst, dass eine Befreiung einerseits nicht möglich ist, andererseits die Zwangsstörungen, Depressionen und Angstzustände, mit denen sie seit ihrer Kindheit auseinandersetzen muss, die Quelle ihrer Kunst sind. Eine große Kunst, wie sie auch auf "Fetch The Bolt Cutters" unter Beweis stellt. Ein Album, das einige Zeit benötigt, um sich zu offenbaren, dann aber dazu einlädt, immer und immer wieder gehört zu werden. © Laut

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Kein Song beschreibt die Musik von Porridge Radio in Form eines Titels so perfekt wie "Born Confused". Es ist der Auftakt des zweiten Studioalbums der Gruppe aus Brighton und er klingt zunächst wie gewöhnlicher, melodischer Indie-Pop mit warmen Jangle-Gitarren. Im Mittelpunkt stehen aber vom ersten Moment an die Worte von Songwriterin Dana Margolin und die bestehen in der dreimaligen Wiederholung der Zeile "I'm bored to death let's argue", gefolgt von der Frage "What is going on with me?" Die Erkenntnis, dass man anders als alle anderen ist, anders fühlt, anders tickt, gehört zu den schwierigen Hürden, die man als Jugendlicher überwinden muss. Margolin singt darüber und sie tut es mit dem drängenden Impetus, der all die Unsicherheit, Zerrissenheit und Teenage Angst auch in ihre Musik überführt. "Born confused", das mag ja sein, führt sie aus, aber es besteht auch immer die schmale Chance, dass alle anderen spinnen und man selber ganz normal ist. Mitten im Song vollzieht die Band eine Kehrtwende, und nach einem lässigen Break wiederholt Margolin zu optimistischen Dur-Akkorden mit den Bandkollegen mantrahaft "Thank you for making me happy". Es ist der Auftakt eines außergewöhnlichen Albums. Denn anstatt dass Porridge Radio diese Songstruktur beibehalten, decken sie das Thema in einer für Mittzwanziger erstaunlich vielseitigen Bandbreite ab. Das bemerkte auch das Label Secretly Canadian (Makeness, Idles, Anohni), das das Quartett nach dem DIY-Debüt "Rice, Pasta And Other Fillers" und dessen Ruf als spannende Live-Band unter Vertrag nahm. Gewiss: Ohne Margolin wäre die Musik nur halb so elektrisierend, aber das ist keine Beleidigung für ihre Kolleg*innen, denn Margolins Stimme thront nun mal über den Songs wie die von Dolores O'Riordan über jenem der Cranberries. Dieser Vergleich drängt sich vor allem dann auf, wenn sich Margolins Stimme überschlägt und die Dramatik steigt. "You will like me when you meet me / you might even fall in love", singt sie in "Sweet", wo erstmals härtere Gitarrenwände herein brechen und Margolin ihre Stimmbänder auf PJ Harvey-Niveau stretcht. Elegant spielen sie mit der Song-Dynamik, wechseln zwischen Laut und Leise wie Nick Cave Ende der 80er. Müsste man A&R spielen und hier zwei Singles aus dem Albumkontext auswählen, stieße man schnell an Grenzen. Die Wahl fiel noch vor dem erwähnten "Sweet" auf "Lilac", das das Porridge Radio-Trademark der wie von Zauberhand platzierten Akkordverschiebungen und der sich wiederholenden Lines Margolins in bitterer Melancholie ausspielt. "Circling" packt da noch mal ne Schippe Hoffnungslosigkeit, aber auch Wut drauf. "Pop Song" ist entgegen seines Titels weltschmerzverhangen wie eine der guten alten Cure-Balladen, und nicht nur in "Nephews" bemerkt man beim Blick auf die Texte die Open-Mic-Vergangenheit der Texterin Margolin: "Oh I'd like to sink down with nephews down down / where your head might explode / and the water's so dark / that you can't feel your heart as it sinks." Puhh, hat ja doch was Gutes, keine 17 mehr zu sein. Was die drei Damen plus Schlagzeuger aus Brighton hier vorlegen, ist ein tadelloses, intensives Gitarrenrock-Album für die Momente im Leben abseits der Baggersee-Beschallung. Obwohl sie ein mal sogar dieses Partyzubehör namens Autotune anfassen, allerdings fönt "(Something)" dann doch eher weniger wie Travis Scott. Vielmehr verleiht der Track dem Album gegen Ende noch mal eine halluzinatorische Unwucht, bevor Dana Margolin uns im "Homecoming Song" mit einer Art Happy End tröstet. Starkes Album. © Laut

Mit Abwesenheiten verhält es sich im Trap ein bisschen wie mit Menschen- und Hundejahren. Drei Jahre lang kein Album zu veröffentlichen klänge für einen anderen Musiker wie ein ausgiebiger, aber nicht ungewöhnlicher Urlaub. Im modernen Hip Hop sind dagegen zwischen "Luv Is Rage 2" und "Eternal Atake" zwei Generationen Rapper gekommen und gegangen. Dennoch debütierte das neue Lil Uzi Vert-Projekt nun nach all der Zeit mit Pauken und Trompeten. Er inszeniert sich erst als Sekten-Führer und lässt sich auf der Platte dann von Aliens entführen. Ein Konzept, das inhaltlich überhaupt nicht aufgegriffen wird, aber doch den ästhetischen Rahmen für dieses Album legt. "Eternal Atake" ist eine exzessive, endlos markante und tanzbare Trap-Stampede von einem der außerirdischsten Rapper der neuen Generation. Es war offensichtlich, dass die Platte polarisieren würde. Es gibt wenig Musikrichtungen, die so archaisch auf persönliche Empfindungen ankommen wie Trap-Rap. Wie viele andere Tapes des Genres steht und fällt "Eternal Atake" mit der grundlegenden Frage, ob dieser Typus marodierender 808-Beat dem Hörer die Füße wippen lässt. Denn es setzt alles oder nichts auf die Tragfähigkeit von Bass-Gebolze und Rap-Eifer. Spezifischer stellt die Produktion sich gegen die aktuellen, etwas leichtfüßigen Trap-Beats und spannt in bester 2016-Manier den Druck auf den Bass aufs Äußerste. Die Produktion der Platte regelt größtenteils Working On Dying, ein paar Nummern kommen von Supah Mario und einzelnen Gästen. Das Resultat ist ein Schlag Songs, der zum Tanzen gemacht ist. Das erste halbe Dutzend Songs klingt spezifisch darauf ausgelegt, live einen Moshpit zu starten. Sei es der direkt funkende Einstieg auf "Lo Mein" oder der bebende Knock auf "Pop", das Album startet mit zwanzig Minuten Anarchie-Musik. Wer hier nicht intuitiv mitnickt, wird schnell auf Ermüdungserscheinungen stoßen. Sollte man sich aber in die Stimmung einfühlen können, bietet der Auftakt einen Headbanger nach dem anderen. Besonders hart: Der Opener "Baby Pluto", auf dem bizarre, desorientierende Science-Ficiton-Synthesizer die klangliche Farbpalette vorankündigen. Weltraum-Arpeggios und gewarpte, elektronische Samples tragen weite Teile von "Eternal Atake", "You Better Move" integriert - kein Witz - Sounds aus dem Windows Games-Klassiker 3D Pinball. "Silly Watch" dreht sich um einen nicht untraditionellen Piano-Loop, wie auch ein NLE Choppa oder ein Polo G ihn aufgreifen würden, aber unter den unermüdlichen Flows von Lil Uzi und einer penetranten Übersteuerung aller vorhandenen Sounds klingt die Nummer destruktiv, überlebensgroß. Ein Rager an der der Grenze zum Vandalismus. "I'm Sorry" markiert einen kleinen Wandel, Lil Uzi Vert schaltet hier von pausenlosem Frontalangriff und linearen Rapflows in einen melodischeren Ton. Die Hooks sind eingängier, etwas trauriger und auf Songs wie "Bigger Than Life", "Prices" und "Venetia" schalten sich ein paar der spannendsten Sounds der Platte ein. Spätsommer-Trap, ein bisschen psychedelisch, ein bisschen verwaschen und doch mit unwiderstehlichem Pop-Appeal. Hier finden sich auch die wenigen, subtilen Kollaborationen der Platte: Syd von The Internet gibt den charakterstarken Gegenpol auf dem Heartbreak-Crooner "Urgencies", gemeinsam entfalten sie die Synergie von liebevoll gezeichneten Cartoon-Romanzen. Cashmere Cat liefert ein paar der opulentesten Samples auf "Prices", Chief Keef einen dekadenten Drill-Beat für "Chrome Heart Tags". Auch wenn das Album kaum vom Gas geht, zeigen sich Risse in Uzis Dandy-Selbstdarstellung, er rappt neben Einkaufs-Serie und exotischen Autos in einem Atemzug über gebrochene Herzen und Burnout. Effektiv kulminiert das in "P2", einer Fortsetzung seines Megahits "XO Tour Llif3", die zwar im Konzept einigermaßen faul ist, aber musikalisch den Flow der legendären Hook spannend neu aufkocht und einen emotionalen, zufriedenstellenden Klimax des Tapes darstellt (bevor die einzigen integrierten Singles "Futsal Shuffle 2020" und "That Way" als Bonustracks nochmal auf den Dancefloor zwingen). Ein wichtiges Glied der Kette bleibt Lil Uzi Vert selbst. Die Aussage, diese Platte sei zum Tanzen gedacht, wird von niemandem besser getragen als von ihrem Protagonisten. Der flowt so atemlos, so überdreht, das er durchgehend in hyperaktiver Bewegung scheint. Er rappt so animiert, so lebhaft, so energetisch, die Kaskaden seiner ausufernden Flows klingen ekstatisch und exzessiv. Dabei inszeniert er seine einzigartige Persona, seine Albernheit und seine so untypische Coolness mühelos wie eh und je. "She looks good but wears Fashionova" ist eine brillant lapidar ausgeführte Punchline, man könnte meinen, er säße nächstes Jahr neben RuPaul in der Drag Race-Jury. Manchmal brennen alle Sicherungen auf einmal durch. Dann rappt er auf "Pop" vier Zeilen nur "Balenci, Banelci, Balenci, Balenci, Balenci, Balenci/ Balenci, Banelci, Balenci, Balenci, Balenci, Balenci/ Balenci, Banelci, Balenci, Balenci, Balenci, Balenci/ Balenci, Banelci, Balenci, Balenci, Balenci, Balenci/" und kommuniziert damit mehr Emotionen als macher Rapper im Umfang eines Proust-Romans kommunizieren könnte. Garniert wird die Summe mit Unmengen an endlos farbenfroher Fashionista-Raps, die von einem wirklichen Kenner und Enthusiasten für Mode stammen müssen und ein paar der besten Popkultur-Verweisen im Game. "Yu-Gi-Oh, Yu-Gi-Oh, you wanna duel?/ Blue-Eyes White Dragon, I can not loose" rappt er da auf dem selben Song, auf dem er sich einen Part vorher noch als "Mother Goose" der Szene bezeichnet hat. Bezaubernd. Lil Uzi tanzt auf seinen Songs. Er ist der atemloseste, überdrehteste Raver, der in seinem eigenen Mahlstrom aus Chaos, futuristischen Synthesizern und bizarrer Nostalgie den Verstand verliert. "Eternal Atake" ist eine ästhetische Singularität des Genres und doch quintessentieller Trap. Er fühlt sich an wie das wahre Kind der Mitte, denn gleichzeitig rappt er wie Chief Keef und singt wie Young Thug, verwandelt es aber in Flows und Strukturen, die ein NBA Youngboy, ein NLE Choppa oder ein A Boogie Wit Da Hoodie 2020 noch frisch wie Tauwetter fänden. Das alles macht er auf einer Platte, die konzeptuell von einer Science-Fiction-Klangkulisse getragen und mit dem Eifer eines Sektierers gerappt wird. "Eternal Atake" ist ein auf Anhieb ikonisches und destruktiv energetisches Trap-Projekt, das sich mühelos in die Reihen von Playboi Cartis "Die Lit" oder Gunnas "Drip Or Drown 2" einreiht. Gegen den Minimalismus von Carti und die Xanax-Meditation von Gunna hält Lil Uzi Vert eine kompromisslose Lawine. Auf die muss man erst einmal klarkommen, das ist wahr - und über eine Stunde entstehen durchaus Längen. Aber es hat einen Grund, dass Lil Uzi Vert nach drei Jahren ohne Projekt immer noch in der Szene ganz vorne stattfindet. © Laut