Keith Jarrett es un hombre de contrastes, por no decir de contradicciones. Su discreción mediática contrasta con su megalomanía sobre el escenario, donde el público tiene que convertirse en una estatua de cera, o arriesgarse a provocar la ira del pianista improvisador, capaz de abandonar el escenario por una simple tos o un susurro, como experimentó amargamente el público de la Salle Pleyel en julio de 2014. También son contrastantes sus elecciones profesionales, que le ven navegar entre el jazz -cuyos planteamientos de improvisación renueva radicalmente, sobre todo en tríos- y el barroco más riguroso, sin intentar nunca tender puentes entre ambos géneros, a diferencia de muchos de sus colegas. Perfeccionista extremo cuando se trata de las condiciones en las que toca, ha sido más flexible en sus relaciones con el jefe de ECM, Manfred Eicher, aceptando la publicación de algunas obras menos inspiradas (como las baladas revisitadas de The Melody at Night, with You, 1999). Un artista enigmático, pues, capaz de los más solemnes destellos de genialidad.
Nacido en Pensilvania en 1945, Keith Jarrett empezó a estudiar música a una edad temprana y pronto se sintió lo suficientemente cómodo como para dedicarse a la composición. Tras una temporada en la Berklee School of Music de Boston, donde dio sus primeros pasos con un trío, se trasladó a Nueva York. En 1967 grabó su primer álbum a trío con Charlie Haden y Paul Motian, Life Between the Exit Sign (Vortex). A principios de los 70 se unió a la banda de Miles Davis y comenzó una larga colaboración con ECM para Facing You, el primer álbum de una larga serie.
Pero la consagración tuvo lugar el 24 de enero de 1975. El acontecimiento, que se produjo por casualidad, es tanto más mítico cuanto que casi nunca tuvo lugar. Ese día, Jarrett fue invitado a dar un concierto en solitario en la Ópera de Colonia. El piano Bösendorfer previsto para la actuación no estaba disponible y le dijeron que tendría que conformarse con un piano de estudio de calidad muy mediocre. El estadounidense amenazó con cancelar el concierto, pero luego cambió de opinión. El resultado fue una hora de improvisaciones alucinantes, por encima de todo, en las que Jarrett fue a la vez un investigador, un artesano, un técnico, un poeta, e imprimió indeleblemente a su toque más groove del que se pueda imaginar, dibujando riffs que han permanecido en la memoria de todos desde entonces. Milagrosamente, el concierto se grabó y el álbum se convirtió en uno de los discos de piano solo más vendidos de la historia. Había nacido el mito Jarrett.
En 1977, Keith Jarrett inauguró un nuevo trío con Jack DeJohnette y Gary Peacock con el álbum Tales of Another. Juntos, el grupo recién formado produjo álbumes que figuran entre los monumentos del jazz (Changeless, Tokyo ‘96, After the Fall). Fue también durante este periodo cuando Jarrett se adentró en la esfera clásica por la puerta de la improvisación, sobre todo al clave, una práctica habitual en el género barroco que cuenta con una larga tradición de bajo continuo. Se le atribuyen muy buenas interpretaciones de Bach, Haendel y Mozart, así como algunas muy interesantes de compositores contemporáneos como Hovhaness y especialmente Arvo Pärt, con una versión profundamente conmovedora de Fratres con el violinista Gidon Kremer en 1983.
La década de 1990 fue más dolorosa y menos prolífica, y el pianista tuvo que hacer frente al síndrome de fatiga crónica. Desde 2000 hasta el final de su carrera, Jarrett se concentró en la actividad de trío de piano solo. Afortunadamente, todavía existen muchas grabaciones inéditas del pianista, incluida esta perla dedicada a Carl Philipp Emmanuel Bach, que acaba de publicar ECM, un conjunto completo de las Sonatas Württemberg Wq 49.
Compuestas entre 1742 y 1744, las Sonatas Württemberg, que llevan el nombre de su dedicatario, representan un eslabón entre el Barroco tardío y la Empfindsamkeit (sensibilidad, sentimiento), movimiento artístico anterior al llamado periodo clásico y caracterizado por su atención a los contrastes de tiempo, las melodías y las variaciones tímbricas. Influidas sensiblemente por el legado del padre de Bach, a quien Carl Philipp Emmanuel dedicó una admiración sin límites, estas sonatas marcan una elegante inflexión en la obra de C.P.E. Bach en la medida en que se manifiesta el deseo de combinar la expresividad emocional con el rigor matemático de la escritura contrapuntística. Esta dualidad es particularmente evidente entre los diferentes movimientos, como puede verse en la Sonata nº 1 en la menor H.30: los dos primeros movimientos, Moderato y Andate, son amplios y fluidos, seguidos de un Allegro assai con una métrica mucho más cuadrada.
ECM nos ofrece el impagable regalo de estas sonatas en una versión hasta ahora inédita, grabada por Keith Jarrett en Cavelight Studio (Nueva Jersey) en mayo de 1994.
Desde que el pianista estadounidense se vio obligado a jubilarse anticipadamente, cada uno de sus nuevos lanzamientos nos ha dejado un sabor agridulce. Como en este álbum, donde lo elegíaco se mezcla con lo triunfante. Lejos de los sonidos característicos del toque saltarín y elástico que se ha convertido en la marca inimitable del padre del Köln Concert, esta producción, con una grabación perfectamente editada, ofrece al oyente la alegría de un piano de una redondez sin precedentes. El toque de Jarrett es luminoso, los ataques van directos al corazón gracias a una sutil comprensión del juego de armonías. Jarrett es conocido por su fraseo rasposo, imprevisible y rebelde. Es igualmente brillante en su contención y economía, y aquí nos regala un álbum de asombrosa belleza.