Steve Reich pertenece a ese reducidísimo círculo de compositores que pueden presumir de haber cambiado la faz de la música contemporánea en los últimos cincuenta años. Qobuz le ofrece una selección de diez de las obras más importantes de su catálogo.

Interpretado en todo el mundo y adulado por las nuevas generaciones, el padre fundador del minimalismo ve cómo su influencia llama a las puertas de la escena del rock y la música electrónica. Conocimos a Steve Reich hace unos años a través de una larga entrevista en la que repasó su carrera musical con humor e inteligencia. El tiempo ha pasado desde entonces, pero ni la edad ni la pandemia han mermado la energía y la creatividad del compositor que, el 3 de octubre de 2021, ha cumplido 85 años. Y con razón: el pontífice de la música repetitiva no estuvo ocioso durante la crisis sanitaria, escribiendo Traveler’s Prayer, compuesta durante el confinamiento en Los Ángeles. La obra será interpretada este otoño por el Colin Currie Group y Synergy Vocals en cuatro citas europeas (Ámsterdam, Londres, Hamburgo y París). Es la ocasión de celebrar al músico neoyorquino con un top 10 de sus obras más icónicas, presentadas en orden cronológico. ¡Feliz cumpleaños, señor Reich!

 

It’s Gonna Rain (1965)

Ciertamente no es la más fácil de escuchar debido a su austeridad. It’s Gonna Rain sigue siendo una obra esencial de Steve Reich porque sienta las bases de su trabajo en torno al phasing, un proceso brillante que hará una enorme contribución a la historia de la música. En 1964, Reich vivía en San Francisco. Mientras caminaba por Union Square Park con una grabadora en la mano, vio a un predicador negro en medio de un sermón. La postura tan teatral del hombre y el ritmo y la melodía de su voz atrajeron al compositor, que instintivamente comenzó a grabarlo. “Descubrí el proceso de phasing por casualidad. Tenía dos cintas idénticas en las que el hermano Walter decía ‘It’s gonna rain’ y estaba jugando con dos grabadoras baratas. [...] Resultó que las dos máquinas se alinearon al unísono y una de ellas empezó a superar gradualmente a la otra. [...] Al escuchar esto, me di cuenta de que el proceso (la exploración gradual de todas las relaciones que ofrece el canon) era más interesante que cualquier relación musical concreta.” El phasing, el cambio gradual de dos patrones tocados inicialmente al unísono, ofrecía a Reich la posibilidad de explotar un número infinito de combinaciones rítmicas y melódicas. Retomó el proceso aplicado a las cintas magnéticas con Come Out y Melodica (1966).

 

Drumming (1971)

Reich pronto se sintió limitado por el uso de cintas magnéticas y dudó de las posibilidades de aplicar el phasing a la música instrumental. Pero el compositor no se desanimó y, para practicar, escribió un breve motivo que unos meses más tarde constituyó el material de Piano Phase (1967). Experimentó primero tocando frente a una cinta magnética, antes de confiar la partitura a su amigo pianista Arthur Murphy. Para su gran sorpresa, los dos músicos consiguieron desfasarse manualmente, ¡sin ayuda de ningún medio grabado! La fase estaba lista para ser explotada en vivo por músicos reales. Convencido de que ésta era una fuente inagotable de material creativo, Reich compuso Violin Phase (1967) para cuatro violines o un violín y tres cintas magnéticas. Pero fue con Drumming (1971) cuando el compositor elevó el phasing a su mayor grado de sofisticación. Por aquel entonces, Reich regresó de una estancia en Ghana, donde había estudiado percusión con el maestro Gideon Alorworye, con el deseo ferviente de componer una pieza para conjunto de percusión. Extremadamente ambiciosa, tanto por su duración como por el número de instrumentos que intervienen (14 en total), la obra requiere la máxima concentración y una coordinación total entre todos los intérpretes. Es una de las piezas más hipnóticas de Reich, que sumerge al oyente en una ensoñación durante más de una hora. De todas las grabaciones que existen hasta la fecha, destaca la reciente del Ictus Ensemble, que rebosa velocidad y precisión.

 

Clapping Music (1972)

Después del ejército de percusionistas enloquecidos desplegado para Drumming, y quizás guiado por el deseo de protegerse como compositor, Reich decidió en 1972 volver a un lenguaje más sencillo: “Quería crear una pieza que no requiriera ningún instrumento más que el cuerpo humano.” En Clapping Music no hay voluminosos pianos ni pesadas filas de marimbas: sólo dos intérpretes que tocan el mismo patrón rítmico dando palmas. La obra marca una primera ruptura en la trayectoria del compositor: aquí, el phasing ya no es un proceso gradual, sino que sigue una lógica escalonada. Después de repetir el motivo al unísono un determinado número de veces (generalmente 6, 8 o 12), uno de los dos intérpretes comienza el siguiente ciclo un tiempo antes; y así sucesivamente, hasta volver al unísono original. Cada ciclo da la impresión de estar formado por variaciones del motivo principal, aunque los músicos tocan lo mismo durante toda la pieza. Es un bello truco de magia que Reich hace a su público, como demuestra el encantador efecto que la obra produce en cada concierto. A pesar de su gran sencillez, Clapping Music no es en absoluto anecdótica en el catálogo del compositor neoyorquino, ya que reutilizó el patrón rítmico en otras obras importantes como Music for Pieces of Wood (1973), Music for 18 Musicians (1976) y Music for a Large Ensemble (1978).

Crea una cuenta gratuita para seguir leyendo