La Musica

Adoré de ses élèves des Conservatoires de Lyon et de Paris, Denis Pascal n’en continue pas moins une grande carrière personnelle lui faisant aborder de nombreux compositeurs. Après un premier album très remarqué consacré à Schubert, voici un deuxième volume dans lequel s’affirme la proximité de ce pianiste attachant à cet univers particulier où il est question, comme il l’écrit si bien dans son texte de présentation, « d’une évocation obsessionnelle de la fuite du temps, de l’impossibilité à se réaliser, à saisir un peu de notre vie, comme l’eau du ruisseau, comme l’amour ». Pourtant le piano de Denis Pascal possède limpidité et clarté. La grande mélancolie de Schubert est effleurée avec pudeur ; elle semble insaisissable et pleine de non-dits. Sa vision n’est pas métaphysique mais profondément innocente, simple et naturelle, ce qui la rend peut-être encore plus émouvante. Plus mystérieuse aussi. Et Denis Pascal de s’interroger : « Apercevoir une part de nous-mêmes chez Schubert, c’est le lire sans peur, de cœur à cœur, en oubliant qu’il s’agit d’un chef-d’œuvre. » C’est de ce soleil voilé, de ces doutes non résolus et de « l’inéluctable écoulement vers la dissolution » que nous parle ici Denis Pascal dans son dialogue avec Schubert. © François Hudry/Qobuz

Maurice Ravel a créé à la salle Gaveau quelques-unes de ses pièces majeures : les Valses nobles et sentimentales, Le Tombeau de Couperin, le Trio avec piano et Tzigane. Il revient à Svetlin Roussev, Aurélien Pascal, David Lively et Denis Pascal d’interpréter ces œuvres mythiques dans le contexte de leur création. © La Musica

Premier Grand Prix au Concours Feuermann de Berlin à dix-neuf ans, Aurélien Pascal a prouvé qu’il était l’un des plus brillants représentants du violoncelle de sa génération. Il nous le montre à nouveau dans cet enregistrement élaboré autour de Zoltán Kodály et de la Sonate Op. 8, monument pour violoncelle seul aussi immense que révolutionnaire. Ajoutant encore à l’intérêt de ce disque passionnant Ruralia Hungarica, recueil d’un autre compositeur hongrois, Ernő Dohnanyi, enregistré en première mondiale dans sa version pour violoncelle et piano. Aurélien Pascal déploie dans cet enregistrement toute l’étendue de sa virtuosité, époustouflante, et de sa musicalité. Il trouve en la pianiste Paloma Kouider une partenaire non moins brillante et investie.© La Musica« Le violoncelliste de vingt-cinq ans entre dans la cour des grands avec trois figures de la musique magyare, tutoyant les sommets dans la redoutable sonate de Kodaly. [...] Il se confronte à une opulente discographie, qu'il enrichit d'une réussite magistrale. [...] Toute sensation d'effort disparaît sous l'archet d'Aurélien Pascal. Sa maîtrise technique impressionne autant que la variété du timbre. [...] L'accompagnement de Paoloma Kouider est à la hauteur du partenaire : incisif, élégant, corsé, savoureux. Un régal [...] »  (Diapason, juillet-août 2019 / Michel Stockhem)

Alors que le nom de Duphly s’étale en grand sur la couverture de cet album, seule la moitié de l’enregistrement lui est consacrée ; le choix opéré par la claveciniste Violaine Cochard s’est porté sur neuf pièces du maître du clavecin, des pièces d’écriture résolument « à la française », dans la lignée de Couperin puis de Rameau – car Duphly a aussi été tenté par le style à l’italienne et par l’écriture galante dans certains de ses recueils. On suit ici un parcours dans l’univers du clavecin français au XVIIIe siècle où Duphly dialogue avec quelques-uns de ses contemporains qui font écho à son univers sonore ; la soliste met en regard Duphly qui a consacré toute sa vie au clavecin exclusivement, et des compositeurs aux horizons divers comme Royer auteur de plusieurs opéras, Forqueray avant tout gambiste, et les organistes Dandrieu et Balbastre. Elle joue un clavecin français assez tardif, un Christian Kroll de 1776, contemporain donc du dernier tiers de la vie de Duphly – qui s’est éteint le 15 juillet 1789, un jour après l’événement que l’on sait, une sorte d’acte de décès de l’école du clavecin à la française, si l’on se souvient que la Révolution a coupé quelques têtes mais aussi détruit nombre de clavecins anciens, symbole de la classe privilégiée… © SM/Qobuz

Pour les Vénitiens du XVIIe siècle, épris de la flamboyance de la République maritime qui échangeait lentement sa domination commerciale par une domination culturelle et politique, la musique de chambre vocale avait une fonction de représentation sociale, mettant en valeur l’éducation et la noblesse des interprètes dans un cadre privé, entre amis. Le ténor Zachary Wilder, accompagné à l’archiluth et à la guitare baroque Josep Maria Martí Duran, ont adopté un style conversationnel tout à fait représentatif de cet état d’esprit. Les œuvres les plus importantes et les plus opératiques de ce programme, les Lagrime d’Erminia de Rovetta et la cantate À piè d’un bel cipresso, attribuée à Cavalli, démontrent la maîtrise de ces deux compositeurs, chacun dans son style. Les Lagrime, un exemple achevé du madrigal soliste, reprend le flambeau du « recitar cantando » caractéristique des opéras de Monteverdi. L’invention du « recitar cantando » à Florence à la fin du XVIe siècle a bouleversé l’approche et l’expression musicale des sentiments : l’interprète, désormais soliste et non plus seulement membre d’un ensemble vocal, devient le porte-parole des « affetti » véhiculés par une parole poétique que la partie instrumentale ne fait que prolonger. Wilder et Duran ont choisi une sonorité délibérément moderne, une voix quasiment de crooner pour l’un et un accompagnement très chaloupé pour l’autre, soulignant ainsi l’immédiateté des œuvres présentées – qui ne trahissent en rien leurs quelque quatre siècles d’existence. © SM/Qobuz

Oui, le pivot de cet album sont une belle douzaine de Songs tirés du Songbook de Gerswhin, des adaptations que le compositeur lui-même réalisa pour piano solo de quelques-uns de ses innombrables « songs ». Mais bien loin de n’être qu’une décoction vaguement pianoteuse de mélodies jazziques, voilà un extraordinaire recueil oscillant entre idiomes jazzy, certes, mais aussi Rachmaninov, Debussy, Ravel, le ragtime parfois, dans une écriture pianistique d’un flair sans faille, d’une écriture tirée à quatre épingles, un vrai bonheur pour le pianiste comme pour l’auditeur. Autour de ce pivot, David Lively a échafaudé un magnifique tissu d’autres œuvres états-uniennes de Ives et Joplin pour les plus anciens, jusqu’à William Bolcom, Aaron Copland, Samuel Barber et même Eliott Carter pour les plus récents et, dans le cas de Carter, les plus avant-gardistes – l’unique incursion avant-gardiste de tout l’album, que les anti-avant-gardistes se rassurent. Le chemin parcouru de Ives – avant-gardiste avant la lettre, dont South Paw Pitching de 1919 est un extravagant moment de modernité et de farce – à Carter est des plus immenses, mais force est de constater que l’on reconnaît bel et bien le langage états-unien à travers tout l’album. Aussi lively que ne le laisse imaginer le nom du pianiste ! © SM/Qobuz

Réédition d’un album enregistré en 2003 et longtemps, longtemps, indisponible sur le marché – on le trouvait parfois pour des sommes assez délirantes en occasion –, voici la vision qu’avaient alors Philippe Jaroussky et les musiciens de l’ensemble Artaserse de quatorze airs de concert (et de bravoure ! ô combien !) de Benedetto Ferrari (1603-1681). S’il n’est plus très connu de nos jours, Ferrari était une grande star en son temps, et on soupçonne très fortement le duo final du Couronnement de Poppée, signé Monteverdi – l’extraordinairement émouvant « Pur ti miro, pur ti godo » – d’être de Ferrari. Hélas, aucun de ses propres opéras n’a survécu, mais nous connaissons quand même trois livres d’airs, les Musiche Varie a Voce Sola (publiés à Venise en 1633, 1637 et 1641), desquels Jaroussky a tirés cette judicieuse sélection. Si les différences musicales entre les airs ne sautent pas nécessairement aux oreilles, on ne peut que rester coi devant la virtuosité de l’alors fort jeune Jaroussky – il avait 25 ans et pas encore en poche les nombreuses distinctions qui propulsèrent sa carrière, à commencer par la Victoire de la musique en 2004. Mais tout était déjà là… © SM/Qobuz

Les Valses de Chopin ramène l’auditeur aux temps juvéniles et bienheureux de l’apprentissage du piano. La délicate nature du compositeur polonais préférait la lumière tamisée des salons à la rampe aveuglante des salles de concert ou de bal. Ses Valses sont plutôt une évocation stylisée de la giration de couples élégants sur le rythme mythique qui devait marquer de ses trois temps un siècle entier. Emmanuelle Swiercz-Lamoure aimerait vous faire aimer ce genre sans grandiloquence, qui est aux Ballades ou aux Sonates ce que sont un court métrage à un film, une nouvelle à un roman, une miniature à une fresque : des sonorités exquises qui révèlent des bijoux, des saveurs, des couleurs de chefs-d’œuvre. La pianiste Emmanuelle Swiercz-Lamoure a été élue parmi les "Coups de Coeur" du magazine Pianiste et "Révélation Soliste" de Classica, particulièrement félicitée pour ses interprétations de Chopin. © La Musica

Inclassable Denis Pascal… ce pianiste français, né en 1962, est à la tête d’une impressionnante carrière, autant comme concertiste que comme pédagogue (il est professeur au Conservatoire de Paris, après l’avoir été à celui de Lyon), et sa discographie s’étoffe de saison en saison : Debussy, Chausson, Liszt, Chopin ; et beaucoup, beaucoup de Schubert. Cet album propose deux de ses ultimes sonates : l’insondable Sonate en si bémol majeur avec ses « divines longueurs », écrite deux mois avant que la mort ne le rattrape, et la Quatorzième en la mineur de 1823, la dernière conçue en trois mouvements. Denis Pascal est un pianiste de la clarté, de l’articulation, du phrasé, du chant. On croit assister à une « renaissance » des œuvres, comme s’il les improvisait à notre intention. © SM/Qobuz

Considérant qu’il commença le piano à cinq ans puis la composition l’année suivante, et donna son premier concert à 8 ans, on peut sans trop d’hésitation parler d’ « enfant prodige » pour caractériser Ilya Rashkovskiy. C’est au cours de ses études au Conservatoire de Novossibirsk qu’il attira l’attention de Rostropovitch dont la fondation lui accorda illico une bourse, de sorte qu’il put poursuivre son cursus en Allemagne puis en France. Et si les grands concours ne font pas nécessairement les grands musiciens, Rashkovskiy n’en a pas moins sa part du gâteau, avec des Premiers prix au Hamamatsu au Japon, au Citta di Pinerolo en Italie, au Jaén en Espagne ou au Chopin de Hong Kong, ainsi que des distinctions aux concours Long-Thibaud et au Reine Élisabeth de Belgique. C’est surtout du côté des grandes salles mondiales qu’on peut le voir développer sa brillante carrière : Châtelet et Salle Pleyel, Roque d’Anthéron, Concertgebouw d’Amsterdam, Tchaïkovski de Moscou, Suntory à Tokyo, avec des orchestres tels que le Mariinski de Saint-Pétersbourg, l’Orchestre National de France, l’Orchestre de Lille, le Gulbenkian et tant d’autres de cette trempe. Rashkovskiy se lance dans l’enregistrement de deux des plus imposants monuments du répertoire russe : les Tableaux d’une exposition de Moussorgsky et la Deuxième Sonate de Rachmaninov, délibérément conçue dans la même tonalité que la Deuxième de Chopin, en si bémol mineur. Il la présente dans sa version « courte » de 1931, le compositeur ayant lui-même laissé le choix aux pianistes – choix difficile, mais bon, la durée d’un album étant ce qu’elle est, il s’imposait de lui-même lorsqu’il s’agissait de faire pendant aux Tableaux. En complément, on pourra entendre deux courtes pièces de Tchaïkovski. © SM/Qobuz

Voici présentées une vingtaine de « chansons » de l’Age d’Or espagnol, écrites entre les XVIe et XVIIIe siècle ; par certaines plumes célèbres – de la Puente, Mudarra, Milán, del Encina –, d’autres moins connues sans doute – Daca, de Arce –, et d’autres carrément inconnues – anonyme –, toutes chantées par Barbara Kusa qu’accompagne Eduardo Egüez à la guitare ancienne ou la vihuela (un cousin du luth de la Renaissance, et non pas de la guitare : les deux instruments coexistaient à l’époque). On y découvre tout un pan de l’histoire d’Espagne, des derniers souverains Maures jusqu’aux flamboyants monarques à la jonction entre Habsbourg et Bourbon, enrichis jusqu’à l’os par les richesses du Nouveau Monde, histoire évoquée de près ou de lui par les textes chantés. En plus des Espagnols eux-mêmes, on découvrira aussi quelques exemplaires de pièces écrites dans le Nouveau Monde, avec quelques singulières influences musicales précolombiennes. © SM/Qobuz