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Les albums

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Classique - Paru le 18 octobre 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Le Deuxième Livre de madrigaux de Carlo Gesualdo est au cœur du nouveau projet de La Compagnia del Madrigale qui poursuit sa passionnante exploration du monde enchanté du madrigal italien. Composé par Gesualdo sans doute après avoir assassiné sa première épouse prise in flagranti dans les bras de son bel amant et avant de se remarier, ce livre pourrait surprendre par son caractère aimable et serein – surtout quand on le compare à l’écriture tourmentée et contournée de ses derniers livres – tout en présentant une maîtrise compositionnelle des plus sophistiquées. Quoi qu’il en soit, ce Secondo libro di madrigali a cinque voci d’une exigence extrême nous permet d’admirer la sensibilité de La Compagnia del Madrigale aux textes, elle fait montre d’une pleine pâte sonore et d’un contrôle dynamique exemplaire. Dans le livret, Marco Bizzarini et Maletto explorent la psychologie de ce compositeur toujours fascinant, plus de quatre siècles après sa mort. L’album propose une deuxième partie substantielle contrastant de mille façons avec le Deuxième Livre : neuf plages de madrigaux inspirés du style de Gesualdo, composés par ses contemporains Nenna, Jean de Macque ou Palazzotto Tagliavia et par le plus jeune Sigismondo d’India. Bonus étonnant ! © Glossa
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Opéra - Paru le 18 octobre 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Le remarquable Hypermnestre de Charles-Hubert Gervais est le dernier opéra français du XVIIIe siècle tombé dans l’oubli auquel Glossa redonne vie dans cet enregistrement dirigé par György Vashegyi. Contemporain de Campra et de Destouches, Gervais, qui avait appris la leçon de Lully et tracé la voie à Rameau et, comme Marais et François Couperin, était ouvert aux tendances italianisantes des « goûts réunis ». Le trépidant livret, d’une excellente qualité, signé par Joseph La Font, aborde l’histoire de Hypermnestre qui fut si populaire au début du XVIIIe siècle. L’enregistrement Glossa présente non seulement le Cinquième Acte original mais encore sa révision datant de 1717 et Vashegyi conduit d’une main experte la tragédie vers sa fin amère (mais peut-être pas si amère !). Musicalement, cette tragédie lyrique offre de magnifiques opportunités au trois protagonistes — Katherine Watson (Hypermnestre), Thomas Dolié (Danaüs, son père) et Mathias Vidal (Lyncée, son fiancé). Aucun opéra français de l’époque n’aurait été complet sans l’intervention généreuse du chœur et de la musique instrumentale et Gervais — maître ès mélodie, harmonie et orchestration — saupoudre l’œuvre d’une éblouissante série de divertissements et de numéros festifs pleins de danses (y compris une massive passacaille)... tout ceci interprété avec une grande connaissance stylistique et une vivacité hors pair par l’Orfeo Orchestra et Purcell Choir de Vashegyi. © Glossa
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Classique - Paru le 18 octobre 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Carl Philipp Emanuel Bach, le second fils de Johann Sebastian Bach, était son préféré et aussi celui qui eut le plus de succès. Personnage clé de la transition du Baroque au Classicisme, C.P.E. Bach eut sur Mozart et Beethoven une grande influence, due en partie à ses sonates pour clavier. Au XVIIIe siècle, le concerto pour violoncelle était une nouveauté relative et ni Boccherini ni Haydn n’avaient encore apporté leur contribution à ce genre quand C.P.E. Bach composa les siens entre 1750 y 1753. Le drame orageux qui souffle au début des concertos et la candeur insouciante des finales contrastent fortement avec la délicatesse et la profondeur d’émotion des mouvements lents. Le célèbre violoncelliste belge Roel Dieltiens et le légendaire Orchestre du XVIIIe siècle transforment, avec un art consommé de la narration, ces musiques en histoires fascinantes et hautes en couleurs. Cette édition inclut un texte émouvant et édifiant de la grande romancière et poète néerlandaise Anna Enquist, amie depuis des lustres de l’orchestre et du regretté Frans Brüggen. Prenant comme point de départ les sessions d’enregistrement du disque à Amsterdam auxquelles elle assista, Enquist explore la personnalité musicale de Carl Philipp Emanuel en se centrant particulièrement sur sa relation avec l’œuvre de son père. © Glossa
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Classique - Paru le 6 septembre 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Avec sa version des Quatre Saisons de Vivaldi, Leila Schayegh poursuit son exploration du répertoire pour violon en combinant toujours l’intuition musicale, la virtuosité la plus brillante et la connaissance historique. Au cours des dernières années, la musicienne suisse s’est imposée comme l’une des premières violonistes de sa génération, tout en guidant la suivante depuis sa chaire de professeur à la Schola Cantorum Basiliensis. Dans cette éblouissante interprétation, Schayegh – qui joue un instrument d’Andrea Guarneri de la fin du XVIIe – s’enveloppe dans les couleurs chatoyantes de l’ensemble Musica Fiorita, dirigé par Daniela Dolci. La veine opératique de Vivaldi, omniprésente dans ces quatre concertos pour violon, est soulignée par les éléments du théâtre baroque : les sons des machines à vent ou les appeaux à sifflet contribuent à l’élaboration de cette version délicieuse, fascinante et « différente » de l’une des œuvres les plus enregistrées au monde. L’album inclut aussi la Follia (Sonate Op. 1 No. 12), ainsi que la Ciaccona du Concerto pour violon en ré majeur. Un essai de la violoniste elle-même complètent un projet qui surprendra agréablement connaisseurs et amateurs. © Glossa
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Opéra - Paru le 6 septembre 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Avec « The Farinelli Manuscript », Ann Hallenberg, accompagnée par Stefano Aresi et Stile Galante, offre une lecture étincelante des arias chantées par le castrat Carlo Broschi, durant ses ving-trois années passées en Espagne (et recueillies dans un volume envoyé à l’impératrice Marie Thérèse d’Autriche). Décrite comme « une force de la nature », dotée d’une colorature impeccable et d’une pureté de timbre hors pair, la mezzo-soprano suédoise nous offre une représentation fougueuse de la musicalité de Farinelli qui émerveilla l’audience de la cour espagnole. Invité à résider à Madrid alors qu’il était à l’apogée de ses facultés en 1737, Farinelli donnait régulièrement des concerts pour les reines d’Espagne, Elisabetta Farnese et Maria Barbara de Bragança ainsi que leurs époux respectifs, Felipe V et Fernando VI, en chantant quelques huit ou beuf arias durant ces soirées. Selon l’état des recherches actuelles, nous pouvons reconnaître parmi les différentes calligraphies des partitions du manuscrit celles de musiciens actifs à Madrid : Niccolo Conforto, Giovanni Battista Mele ainsi que Farinelli. Le recueil contient aussi des arias d’autres compositeurs italiens éminents de l’époque : Giay, Latilla et Giacomelli. Hallenberg chante les ornements ajoutés et les da capo inclus dans le manuscrit de Farinelli, tandis que d’autres embellissements sont fournis par Aresi qui suit l’instrumentation précise, l’effectif et la disposition des interprètes dans l’espace en accord avec les archives de la cour. Aresi est aussi l’auteur de l’essai accompagnant le livret, qui participe à la démystification de la désinformation historique concernant les années madrilènes de Farinelli. © Glossa
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Classique - Paru le 19 juillet 2019 | Glossa

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Classique - Paru le 19 juillet 2019 | Glossa

Livret
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Classique - Paru le 7 juin 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Avec le luthiste Lukas Henning, Glossa révèle un nouveau talent éblouissant en présentant « Bella incognita », un récital dédié à l’énigmatique compositeur vénitien du XVIe siècle, Marco dall’Aquila ; ce musicien, cité dans de nombreux documents, a jusqu’à présent échappé à toute définition. L’emploi croissant du luth à six cordes a permis une écriture de plus en plus polyphonique ayant un plus grand niveau de difficulté. La tablature, qui représentait cette difficulté au moyen de chiffres ou de lettres, commença à s’employer au début du XVIe siècle. Curieusement, Marco demanda des droits d’auteur (avant la lettre) pour imprimer des tablatures à Venise. Mais apparemment aucune de ses publications n’a survécu et très peu de ses œuvres furent imprimées au long des trois ou quatre décennies suivantes. Dans son essai accompagnant ce nouveau projet, Lukas Henning nous raconte comment la musique de Marco dall’Aquila est parvenue jusqu’à nous et quelle est la relation que ses œuvres – souvent des Ricercari mais aussi un exemple précoce de Fantasia – entretenaient avec les tableaux du Giorgione. Henning, dont la vie d’interprète et de chercheur est garantie par ses études à la Schola Cantorum Basiliensis – entre autres, auprès de l’étoile au firmament des luthistes qu’est Hopkinson Smith – saupoudre ce nouveau recueil d’oeuvres de Marco dall’Aquila avec quelques-unes de ses propres compositions, séduisantes et historiquement informées. © Glossa
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Musique de chambre - Paru le 7 juin 2019 | Glossa

Livret
Pour son premier album soliste chez Glossa, « Haydn and the harp », Chiara Granata reflète d’une façon splendide, élégante et raffinée l’importance de la harpe à l’époque classique – et la contribution significative de Franz Joseph Haydn au développement de l’instrument. Le programme choisi par Granata révèle l’effort de compositeurs voulant obtenir le maximum de la harpe en expérimentant les exigences techniques à la limite de l’instrument sans en forcer le son ni en recourant à des tempi factices ; ce qui était souvent le cas de Haydn devant conseiller des compositeurs ainsi que des interprètes. Chiara Granata donne un autre témoignage du goût de Haydn pour la harpe en incluant dans son programme un choix de mélodies des Îles Britanniques arrangées par le compositeur à l’époque où il était, selon Stendhal, « chargé d’ans et de gloire ». Elle s’entoure ici du contre-ténor Raffaele Pe, de la violoniste Anaïs Chen et du violoncelliste Marco Ceccato. D’autres compositeurs s’inspirèrent de Haydn, par exemple Nicolas-Charles Bochsa qui composa une Petite Mosaique sur « La Création » d’Haydn, ou encore Louis-Charles Ragué qui transcrivit certaines de ses symphonies. Chiara Granata (une élève de Mara Galassi, artiste chère à Glossa) joue de deux instruments datant de l’époque des compositions qui constituent ce programme si savoureux : une harpe Holtzman à crochet et une harpe Naderman à fourchettes choisie pour interpréter le tour de force soliste que représente la Petite Mosaique de Boscha. © Glossa
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Musique de chambre - Paru le 17 mai 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Au cours de sa carrière prestigieuse, Fabio Biondi a développé une empathie remarquable pour la musique italienne à travers les siècles et, en particulier, la sonate pour violon du premier Baroque dont le répertoire allait être projeté dans l’avenir d’une façon spectaculaire par Arcangelo Corelli et son légendaire Opus 5. Inspirée par cette empathie, l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Rome a prêté l’un des joyaux de sa collection d’instruments – le précieux Toscano construit en 1690 par Antonio Stradivari – à Biondi pour ce nouvel album du label Glossa. L’un des charmes, irrésistibles, de Biondi consiste en l’art de concevoir des programmes passionnants, au concert comme au disque ; ainsi, ce nouvel album dédié au violon du XVIIIe naissant illustre le rayonnement universel de Corelli surnommé « Arcangelo Bolognese », l’Archange de Bologne, et son influence sur ses collègues compositeurs de Dresde, Venise, Padoue, Londres ou Amsterdam. Soutenu par le continuo de son Europa Galante (Antonio Fantinuoli, violoncelle, Giangiacomo Pinardi, théorbe et Paola Poncet, clavecin), Biondi interprète des sonates de Vivaldi, Corelli, Geminiani, Tartini et Locatelli, ainsi qu’une Ciaccona de Veracini. Enregistré à Rome sur un instrument conçu pour la cour florentine de Ferdinand de Médicis (et qui a survécu miraculeusement à mille et une vicissitudes avant d’aboutir à Rome !), Fabio Biondi nous restitue avec délice le parfum enivrant de cette musique italienne du XVIIIe siècle. © Glossa
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Musique de chambre - Paru le 3 mai 2019 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or
Certains madrigaux et chansons parmi les plus populaires du XVIe siècle ont servi de modèle à des versions richement ornementées « alla bastarda » pour la viole de gambe. Cet enregistrement présente les œuvres vocales originales aux côtés des versions instrumentales d’une extraordinaire virtuosité, formant une première cime – sans doute jamais surpassée – de la littérature pour la viole de gambe. Paolo Pandolfo est, depuis vingt-cinq ans, l’un des violistes les plus importants de sa génération. Il a défriché en profondeur le répertoire de son instrument et l’a ouvert à de nouveaux horizons. Sa large discographie témoigne d’une connaissance profonde de tous les aspects du répertoire de son instrument. Pandolfo a enregistré non seulement les œuvres les plus importantes pour viole de gambe, mais s’est illustré aussi dans le cadre de projets plus personnels à travers lesquels il mêle son expérience acquise durant sa jeunesse comme contrebassiste et guitariste à des compositions et improvisations influencées par le jazz et le répertoire historique. Avec les diminutions «bastarda», sa virtuosité exubérante et sa sonorité riche, ronde et douce, homogène sur tout son registre, sert une musique d’une grande beauté. Paolo Pandolfo utilise une viole bastarda accordée de façon originale en quartes et en quintes avec des cordes qui font 9 centimètres de plus que la longueur usuelle, permettant de couvrir quatre octaves ; ainsi qu'une autre viole aux cordes plus courtes de 4 centimètres, accordée normalement, offrant une plus grande aisance pour les passaggi. Toutes les deux dotées de cordes en boyau nu (non filetées de métal). Dans ce projet assez particulier, avec des instruments construits ad hoc, Pandolfo s’entoure de certains des meilleurs interprètes actuels dans le domaine de la musique ancienne (Boysen, Granata, Chemin, Pedrini) et d’un ensemble vocal exquis, La Pedrina. © Glossa« [...] Avec le soutien coloré de trois partenaires attentifs et inspirés, Paolo Pandolfo se joue avec brio des effroyables difficultés techniques de ces répertoires, souvent qualifiés "d'athlétiques". [...] Les chansons et madrigaux, avant leur traitement ornemental, sont entonnés a cappella par La Pedrina. Ancor che col partire de Rore, où le soliste déploie par-dessus la polyphonie vocale les diminutions aériennes de Dalla Casa, est un sommet d'intensité expressive et poétique. » (Diapason, juin 2019 / Denis Morrier)
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Musique de chambre - Paru le 3 mai 2019 | Glossa

Livret
Le témoignage le plus évident de la dévotion religieuse des Napolitains est assurément représenté par le nombre incroyable d’églises, de chapelles et de couvents, fait qui impressionnait déjà les voyageurs de l’époque : il y en avait plus de cinq cents à la fin du XVIe siècle. La ferveur de la dévotion fut alimentée au XVIIe siècle par une série d’événements tragiques : la guerre de Flandre et la révolution de Masaniello, les famines, deux terribles épidémies de peste (1630 et 1656), et l’éruption du Vésuve en 1631. Le culte marial, très diffusé en ville, devint le symbole d’une recherche inquiète de secours et de protection. Glossa réédite ici deux enregistrements importants d’Antonio Florio (1991 et 1995) qui reflètent d’une façon sonore ce culte marial. Avec le concours des voix magnifiques de Roberta Invernizzi, Daniela Del Monaco ou Pino de Vittorio ainsi que de son excellent ensemble instrumental, Antonio Florio redonne vie à des œuvres oubliées de Francesco Provenzale, Giovan Maria Sabino ou Erasmo di Bartolo. © Glossa LE PROGRAMME DISQUE 1 Magnificat anima mea Works by Antonio Nola, Giovanni Salvatore, Francesco Provenzale and Fabrizio Dentice Recorded in Naples (Chiesa di S. Erasmo, Castel S. Elmo) in April 1995 DISQUE 2 Vespro solenne Works by Giovan Maria Sabino, Francesco Sabino, Giovan Vittorio Maiello, Erasmo di Bartolo and Giovan Maria Trabaci, and anonymous plainchant Recorded in Naples (Cappella Reale di Portici) in January 1991
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Intégrales d'opéra - Paru le 5 avril 2019 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4F de Télérama
Avec Les Indes galantes de Jean-Philippe Rameau, György Vashegyi – à la tête de ses Orfeo Orchestra et Purcell Choir – réalise une nouvelle incursion flamboyante dans l’opéra baroque français, en compagnie d’un luxueux plateau de solistes vocaux. La version de ce « ballet héroïque » – sur un livret de Louis Fuzelier, ayant un contenu anti-colonial et anti-clérical – choisie par Vashegyi est la révision de 1761, une dizaine d’années avant l’irruption de Gluck et de Grétry sur la scène musicale parisienne... La partition de Rameau avait connu nombre de modifications et améliorations depuis sa création un quart de siècle auparavant et l’édition utilisée ici, préparée pour l’opera omnia de Rameau par Sylvie Bouissou (l’auteur de l’essai inclus dans le livret), offre une vision de l’oeuvre plus théâtrale, fluide et concise. En eux-mêmes, les noms de Chantal Santon-Jeffery, Katherine Watson, Véronique Gens, Reinoud Van Mechelen, Jean-Sébastien Bou et Thomas Dolié (qui interprètent la douzaine de rôles solistes) augurent une brillante façon d’aborder le Prologue et les trois Entrées qui nous attendent. Ils ont travaillé, dans ce cas concret, en étroite collaboration avec le Centre de Musique Baroque de Versailles, notamment sur les questions de tempo et la façon d’interpréter les séquences en suivant les intentions du compositeur. Il est particulièrement enthousiasmant de retrouver les hautes qualités et la profonde compréhension du style galant de Rameau que György Vashegyi avait révélées dans les deux précédents volets, Naïs et Les Fêtes de Polymnie (également chez Glossa) de l’un des plus grands musiciens français. © Glossa« [...] Les Indes [...] mais sans Amour au prologue (Rameau l'en avait évincé dès 1735) et réduites à trois actes. Car en vertu de la géométrie variable de l'œuvre au gré de ses représentations, celle de l'été 1761 supprimait soit Le Turc généreux, soit (comme ici) Les Fleurs en commençant par Les Incas. Lequel acte inca renoue superbement avec les usages de l'époque : la princesse du sang y était confiée de préférence à une tragédienne et non à l'un de ces sopranos clairets qui sont la plaie de tant de versions récentes. On entend alors pour la première fois l'affrontement de Phani avec le prêtre Huascar pour ce qu'il est : une clef de ce drame de l'imposture, digne de Voltaire. Véronique Gens, avec le coloris de sa maturité magnifique, trouve à la fois l'inquiétude du personnage, sa royale indignation, l'érotisme profond d'un "Viens, Hymen, enchaîne-moi" arraché à une esthétique de vignette. [...] geste ferme, altier, d'un György Vashegyi soucieux de grandeur et de continuité, sachant aussi accorder rythmes de danse et tensions harmoniques. [...] » (Diapason, avril 2019 / Jean-Philippe Grosperrin)
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Concertos pour violon - Paru le 5 avril 2019 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Ces quatre concertos pour violon de Jean-Marie Leclair prolongent l’exploration menée à bien par la violoniste suisse Leila Schayegh dans le répertoire de cet instrument chez Glossa, en faisant montre d’une sensibilité musicale et d’une virtuosité raffinée parachevées par une profonde compréhension historique. Né à Lyon, Leclair étudie dans sa ville natale, avant de se perfectionner à Turin et de s’installer à Paris (où il fut durant les premières années 1730 musicien de la cour de Louis XV) pour commencer une brillantissime carrière de concertiste jouant ses sonates pour violon seul ou à deux violons, et ses concertos. Dans ses notes écrites pour le livret, Leila Schayegh, titulaire de la chaire de violon baroque à la Schola Cantorum Basiliensis, commente que Leclair, admirable violoniste, tout en étant sous l’emprise de la musique italienne, ne désirait pas que ses œuvres se jouent trop rapidement ; et de fait, on vantait sa « netteté », une combinaison de technique impeccable et de perfection musicale. Ce premier volet d’une intégrale en cours des concertos pour violon de Leclair comprend les nº 2 et 6 des deux séries de concertos, Op. 7 et Op. 10. Le Concerto en sol mineur nº 6, op. 10 est souvent considéré comme le sommet de l’art du compositeur. Dans cette éblouissante démonstration de talent, Schayegh joue un Andrea Guarneri de la fin du XVIIe à la tête de La Cetra Barockorchester Basel, qui compte dans ses rangs Eva Saladin, « konzertmeisterin » et Sonoko Asabuki, troisième violon principal (les concertos de Leclair sollicitant souvent trois violons solistes). © Glossa
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Classique - Paru le 5 avril 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
Après avoir enregistré avec éclat la Missa Sancti Pauli de Conti et Les Indes galantes de Rameau, György Vashegyi à la tête de ses Orfeo Orchestra et Purcell Choir signe le premier enregistrement mondial d’une passion écrite par Gottfried Heinrich Stölzel, un compositeur pratiquement inconnu y compris de l’amoureux le plus passionné de musique baroque, et ce, bien qu’il s’agisse d’une personnalité importante de la vie musicale en Allemagne dans la première moitié du XVIIIe siècle ; il était de fait tenu en très grande estime par Johann Sebastian Bach, pour ne citer que la plus haute autorité. Ein Lämmlein geht und trägt die Schuld (« Un agneau passe et porte la faute ») est une passion-oratorio, forme musicale très prisée dans le monde germanophone de l’époque, consistant en une série de contemplations basées sur la passion du Christ. Le compositeur est aussi l’auteur du livret. À l’écoute de la passion de Stölzel, nous ne pouvons qu’agréer les propos de Lorenz Mizler, fondateur de la « Société par correspondance des sciences musicales », qui écrivit une nécrologie du compositeur : « ... L’Allemagne a énormément perdu avec la disparition de ce maître de chapelle talentueux et véritablement grand, et il serait souhaitable qu’il y ait de nombreux Stölzel à cet égard. C’est pourquoi son nom est et sera toujours vénéré non seulement par la Société, mais encore par tous les vrais compositeurs. » Mizler s’est trompé dans sa prophétie puisque Stölzel n’a été sauvé de l’oubli que récemment, néanmoins des enregistrements comme celui-ci peuvent provoquer une véritable – et tardive – renaissance de Stölzel. Il le mérite bien ! © Glossa
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Messes, Passions, Requiems - Paru le 15 mars 2019 | Glossa

Hi-Res Livret
C’est à la personnalité si singulière de Jan Dismas Zelenka, concrètement à sa Missa Omnium Sanctorum, que Ruben Jais et laBarocca dédient ce nouvel album chez Glossa. Durant plus de trente ans, Zelenka cumula l’emploi de compositeur et celui de contrebassiste de l’Orchestre de la Cour de Dresde, institution justement reconnue – dans la première moitié du XVIIIe siècle – comme l’une des gloires de son temps. Zelenka termina sa messe, une œuvre ample, dynamique (notamment le Gloria) en plusieurs mouvements, comprenant solistes vocaux, chœurs et orchestre, en 1741. Le compositeur avait alors atteint la soixantaine, et la messe peut être considérée comme l’un des sommets de son activité créatrice. Le Milanais Ruben Jais – qui a déjà signé des programmes de Bach et Gluck pour Glossa – dirige avec une exubérance bienvenue une œuvre chamarrée comprenant des sections en accords rigoureux, des fugues grisantes, des ornements du Haut Baroque tout autant que des penchants pour... les danses typiques du style galant ! Pour exprimer cette diversité musicale, Ruben Jais peut compter non seulement sur une équipe idéale de solistes – Carlotta Colombo, Filippo Mineccia, Cyril Auvity and Lukas Zeman – mais encore sur la contribution essentielle du chœur et des instrumentistes de laBarocca. © Glossa
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Cantates (profanes) - Paru le 15 mars 2019 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Dans ce nouvel enregistrement dédié à Alessandro Scarlatti, La Ritirata de Josetxu Obregón montrent un art vocal et instrumental éblouissant : quatre cantates comprenant flûtes et violons, ainsi qu’une aria indépendante pour soprano, constituent un jalon de plus dans l’impressionnante série de musiques napolitaines chez Glossa. Provenant d’un catalogue d’environ 800 cantates séculaires, ces œuvres allient harmonieusement des récitatifs débordants d’imagination avec des arias expressives et dramatiques rythmées par des sinfonias et des ritornelli aux couleurs vives, formant un tout élégant et cohérent ; les textes des poèmes s’inscrivent dans l’esthétique raffinée de l’Accademia degli Arcadi, cercle littéraire actif à Rome au tournant du XVIIIe siècle. Le décor entourant la créativité du prolifique Scarlatti est brossé de main de maître par Stefano Russomanno dans l’essai accompagnant le livret. La partie vocale est confiée à trois des premiers interprètes du temps : la mezzo Giuseppina Bridelli, le contre-ténor Filippo Mineccia et la soprano Alicia Amo. Les défis instrumentaux élaborés par le maître palermitain sont relevés avec feu par les membres de longue date de La Ritirata, Tamar Lalo (flûte) et Hiro Kurosaki (violon), que rejoignent le flûtiste Michael Form et le violoniste Pablo Prieto. Avec le violoncelliste Josetxu Obregón, Lalo et Kurosaki sont aussi les protagonistes des « Concertos napolitains pour plusieurs instruments », le récent album de La Ritirata. © Glossa
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Classique - Paru le 18 janvier 2019 | Glossa

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Classique - Paru le 18 janvier 2019 | Glossa

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Musique vocale profane - Paru le 4 janvier 2019 | Glossa

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Avec Vieni, dolce Imeneo, La Compagnia del Madrigale nous invite une fois encore à découvrir l’inépuisable trésor de l’art vocal profane italien de la Renaissance finissante et du Baroque naissant. Ce nouvel album est dédié à Cipriano de Rore, l’un des compositeurs les plus importants de son temps, longtemps oublié et qui, aujourd’hui, est en passe de (re)devenir un compositeur-culte. D’origine flamande, Cyprien converti en Ciprianio illumina les cours de Ferrare et de Parme et son prestige s’étendit dans toute l’Europe. Il composa dans de nombreux genres mais c’est sans doute dans le madrigal profane – auquel est dédié cet enregistrement – où son art brilla le plus. On admirera entre autres l’innovation de sa ligne mélodique, ample et expressive, peuplée de pré-échos de la « seconda pratica » que Monteverdi perpétuera – avec les critiques que l’on sait. La grande expérience des membres de La Compagnia del Madrigale, mêlant avec une rare délicatesse les timbres vocaux et soulignant les dynamiques avec raffinement, qui nous a permis de goûter les plaisirs exquis d’autres albums Glossa de madrigaux de Marenzio, Gesualdo et Monteverdi, se retrouve dans ces dix-neuf madrigaux de Cipriano de Rore composés à l’apogée de sa carrière. L’art du compositeur volant à la même hauteur que celui des poètes qui inspirent ces madrigaux – entre autres, Pétrarque et l’Arioste – permet de consommer idéalement cette douce union de la musique et de la poésie, reflétée, comme l’indique le fascinant essai de Marco Bizzarini, dans le titre de l’album : Vieni, dolce Imeneo. © Glossa

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