Musique Romantique

François-Frédéric Guy ouvre à deux battants les portes de son jardin secret jusqu'ici bien gardé, puisque ce double album constitue sa première incursion discographique dans l’univers de Chopin. La musique de ce dernier a bercé l’enfance et l’adolescence du pianiste français à l’époque où son père, bon pianiste amateur, la jouait quotidiennement sur le piano familial, notamment la Fantaisie-impromptu en ut # mineur qui vient clore le programme.Toutefois, bien qu’abordée très jeune, la musique de Chopin filait entre les doigts du pianiste français qui a toujours voulu enregistrer les pièces composant ce programme sans jamais oser. Quelques mois de confinement ont accéléré la réalisation de ce projet longuement mûri. Restait à trouver l’instrument idéal permettant de réaliser le legato et les longues phrases lyriques de Chopin. François-Frédéric Guy a jeté son dévolu sur un très beau Pleyel – les pianos préférés de Chopin –, construit en 1905 qui, selon le pianiste, semble l’aboutissement des ultimes recherches du facteur parisien.Le programme de ces presque deux heures de musique alterne Nocturnes, Études, Ballades, Valses avec la géniale Fantaisie en fa mineur qui semble condenser à elle seule tout l’art de Chopin, la Sonate n° 3 en si mineur, la Polonaise-Fantaisie, dont le titre contradictoire a toujours fasciné François-Frédéric Guy, et la Fantaisie-impromptu peu aimée du compositeur mais qui sonne comme un émouvant hommage filial. © François Hudry/Qobuz

On ne redira jamais assez à quel point le Palazetto Bru Zane, centre de musique romantique française situé à Venise, excelle dans l’art de nous mettre en appétit sur toutes sortes de rares curiosités musicales. Il faut dire que pour chacune de ses parutions discographiques l’institution met toujours un point d’honneur à choyer l’auditeur en lui proposant le meilleur : du casting à la prise de son, en passant par les programmes intelligemment construits ou les incontournables livrets détaillés et illustrés. Un voyage en classe business au pays de la musique romantique, en somme.  Avec Les Nuits de Paris, l’institut de la Sérénissime démontre une nouvelle fois son savoir-faire. Aux commandes, François-Xavier Roth et son ensemble Les Siècles nous entraînent dans une ronde étourdissante, un ballet enchanté, une ivresse caractéristique de la société française sous la Belle-Epoque. En ces temps de relative innocence le public parisien fréquente assidûment les lieux dansant - les classes aisées vont à l’opéra quand les plus modestes se tournent davantage vers les cabarets, music-hall et autres café-concerts. Entre le profane et le sacré, le chic et le populaire des liens se tissent. C’est toute cette tradition dansante que ce disque enjoué nous donne à voir. Aux côtés des grands représentants de la période, Massenet, Delibes et Saint-Saëns en tête, le programme nous fait découvrir d’autres têtes, connues en leur temps mais quelque peu oubliées aujourd’hui : Ernest Guiraud, Victorin Joncières, ou encore Ambroise Thomas. Mention spéciale doit être faite à Jeanne Danglas, l’une des rares femmes compositrices à avoir pu s’extraire de l’emprise phallocrate de l’époque.François Xavier Roth et son orchestre assument pleinement et jusqu’au bout le charme rétro de ces compositions surannées qui prêteraient à sourire si elles n’étaient pas interprétées avec cette joie éclatante, et une espièglerie absolument délicieuse. Un merveilleux voyage dans le temps. © Pierre Lamy/Qobuz

La cheffe américaine Marin Alsop poursuit son intégrale des Symphonies de Robert Schumann à la tête de l’Orchestre symphonique de la Radio de Vienne (ORF) dont elle est la titulaire. Enregistré en 2020 dans la fameuse Salle dorée du Musikverein, ce nouvel album est consacré aux Symphonies N° 3 et 4, toujours dans la réorchestration de Gustav Mahler, car il était de bon ton, pendant longtemps, de considérer Schumann comme un piètre orchestrateur. Cette révision a déjà été enregistrée par Riccardo Chailly, ce qui n’était pas le cas de la flamboyante intégrale réalisée à Dresde par Wolfgang Sawallisch sans changer une seule indication du compositeur et qui a toujours valeur de référence. Il faudrait évidemment examiner de près les deux orchestrations pour bien saisir ce que Gustav Mahler a réellement modifié. Il voulait surtout « rendre service » à Schumann en allégeant ce qu’il considérait comme trop touffu, pour faire ressortir les thèmes et les indications dynamiques. Les centaines de modifications qu’il fit pour chacune des symphonies sont peu identifiables à l’oreille nue.Ce qui ressort avant tout à l’écoute de cette nouvelle version, c’est le dynamisme impulsé par Marin Alsop, cette façon d’étreindre à bras-le-corps le lyrisme débordant de Schumann en le laissant aller sans jamais le brider, quitte à l’emmener dangereusement comme un cheval fou vers une conclusion qui se résoudra souvent par le drame. © François Hudry/Qobuz

Ainsi que ne l’indique pas la couverture, les pièces ici chantées par le ténor allemand Julian Prégardien sont presque toutes de Schubert, certes, toutefois accompagnées non pas au piano mais à la guitare – un instrument que l’époque romantique n’a pas snobé, en vérité, la guitare accompagnant souvent les chanteurs en goguette, dans les tavernes, ou partis auf Wanderung – doublé parfois de la flûte de Marc Hantaï et/ou du violoncelle (en fait un baryton) de Philippe Pierlot. La guitare en question étant jouée par Xavier Díaz-Latorre, qui signe aussi les adaptations. Précisons également que l’enregistrement comporte trois ou quatre poèmes, déclamés en allemand. On se trouve donc en présence d’une véritable « soirée » telle qu’on aurait pu l’imaginer en ce début de XIXe siècle, où se jouait la musique du moment, avec les instruments disponibles sur le moment, avec quelques poèmes interjetés pour permettre aux musiciens de finir leur pinte. L’accompagnement à la guitare permet à la partie vocale une encore plus grande tendresse, avec une palette de coloris d’autant plus étendue. Une belle soirée schubertienne en perspective… © SM/Qobuz

Amours déçues, désespérées, unilatérales, inavouées ou encore sublimées, voilà un terreau fertile de l’esprit romantique qui se nourrissait volontiers de ces déchirements du cœur. Des poèmes dont les compositeurs se sont sitôt saisis, à commencer par Beethoven et son cycle An die ferne Geliebte (« A la bien-aimée lointaine ») de 1816, six poèmes assez sombres soulignant fort bien l’état d’esprit dans lequel pouvait alors se trouver le compositeur, muré dans sa surdité doublée d’une situation financière délicate… Plus plaisants, voire facétieux, sont les Quatre tempéraments devant la perte de la bien-aimée de Carl Maria von Weber – même année, 1816 ; on y découvre la manière dont le flegmatique, le bilieux, le sanguin et le mélancolique se dépatouillent tant bien que mal de la rupture amoureuse. Plusieurs décennies plus tard, Hugo Wolf et Richard Strauss abordent le sujet, dans un esprit d’émotions extrêmes : contrôlées et théâtrales dans le cas de Strauss, plus sauvages et échevelées pour Wolf. Le ténor allemand Julian Prégardien se saisit de tous ces répertoires pourtant fort différents avec égal bonheur, du haut de sa voix à la fois tendre et fougueuse. © SM/Qobuz

“Inédit”, voici le mot idoine pour résumer cet album intégralement consacré aux Nocturnes de John Field. Inédit car il s’agit du premier enregistrement de Florent Albrecht, extra-terrestre du pianoforte, formé sur le tard après une première carrière dans l’industrie du luxe. Sorti major du Conservatoire de Genève en 2018, lauréat de la Fondation Royaumont la même année, le pianofortiste français s’est déjà produit entre autres sur les scènes de l’Opéra de Paris ou de la Juilliard School. Album inédit encore, car il propose en première mondiale le Nocturne en si bémol majeur, Op. posthume, partition exhumée des rayons de la bibliothèque de Saint-Pétersbourg par Florent Albrecht qui nous livre ici un programme original et enchanteur. Forme popularisée par Chopin, le nocturne surgit dans un moment de l’histoire de la musique où l’amélioration technique des instruments à claviers leur permet de rivaliser avec l’expressivité de la voix humaine. On ne sait si c’est le talent d’écriture de John Field, ou le jeu fluide et aérien de Florent Albrecht – sans doute un subtil mélange des deux – mais on sort de l’écoute avec la conviction que le pianoforte est l’unique instrument capable de restituer les émois de l’âme romantique. Le musicien opte pour un phrasé à la fois clair et souple convenant parfaitement à son instrument (un Carlo Meglio de 1826) dont le timbre rond et légèrement tremblant, parfois proche d’un cymbalum, agit comme un pansement pour l’âme. Un véritable moment d’apaisement. © Pierre Lamy/Qobuz

Si le caractère hautement héroïque de la musique de Ludwig van Beethoven a pu être commenté un – trop ? – grand nombre de fois, on a souvent négligé de souligner le vif intérêt que portait le compositeur à la littérature dramatique. Lorsque Beethoven lit pour la première fois la pièce de théâtre Egmont de Johann Wolfgang von Goethe, il décèle immédiatement dans cette œuvre un fort potentiel pour la musique de scène. Lors de la première en 1810, la musique de Beethoven reçoit les éloges de la critique, à commencer par E.T.A Hoffman, grand admirateur du compositeur. Dans cette œuvre, le narrateur raconte le combat du comte Egmont, guerrier flamand, contre le duc d'Albe, parangon de l'envahisseur espagnol. Egmont, abandonné par les siens, est condamné à mort. Par dépit, sa maîtresse se suicide, malgré la mort du héros en martyr, symbole de la lutte contre l'oppression. Beethoven voit un parallèle entre cet épisode du XVIe siècle, et l'invasion de l'Autriche par les troupes napoléoniennes en 1809. De même, la solitude du héros Egmont fait écho à l'isolement de Beethoven, gagné par une surdité croissante. Goethe apprécia fortement la partition et demeura un grand admirateur du compositeur. Les trois Ouvertures (Coriolan, Op. 62, La Consécration de la maison, Op. 124, et Jour de fête, Op. 115) se placent à revers de leur fonction première. Ici, l'ouverture n'est plus un prélude à l'action dramatique, mais se présente comme une entité musicale à part entière. Coriolan fut inspiré à Beethoven par le drame éponyme d'Heinrich Joseph von Collin. La tonalité de do mineur, tonalité du destin dans l'œuvre de Beethoven, illustre la détermination du général romain Coriolan à attaquer les murs de Rome. La Consécration de la maison fut commandée au compositeur à l'occasion de l'inauguration du nouveau Theater in der Josefstadt à Vienne en 1822. À cette période, Beethoven effectue un retour aux sources de la musique baroque et on retrouve dans l'œuvre de nombreux emprunts aux techniques de contrepoint employées par Johann Sebastian Bach. Jour de fête, créé le 25 décembre 1815, préfigure déjà certains thèmes que l'on retrouvera plus tard dans la Neuvième Symphonie. Le titre fait référence à la célébration en l'honneur de l'empereur François Ier d'Autriche. En clôture de l'album, La Victoire de Wellington pourrait constituer une réponse à Egmont. Hymne à la victoire des Britanniques en 1813 sur les troupes de Napoléon en Espagne, cette ouverture en deux parties cite trois thèmes populaires : Malbrough s'en va-t-en guerre, Rule Britannia et God Save the Queen. Cette œuvre reste encore aujourd'hui comme une référence parmi les musiques illustrant une bataille militaire. © Pierre Lamy/Qobuz

Pour fêter les 20 ans de leur collaboration et leur 15e album enregistré ensemble, Emmanuelle Bertrand et Pascal Amoyel poursuivent leur exploration de l'œuvre de Johannes Brahms, compositeur auquel ils ont déja consacré plusieurs enregistrements. Les deux Sonates – n° 1, Op. 38 et n° 2, Op. 99 – dans lesquelles on peut reconnaître de subtiles références à l'écriture de Schubert, nous laissent voir l'admiration portée par Brahms à son aîné. Le violoncelle s'y déploie avec une grande douceur, à l'aise dans les graves autant que dans les aigus, pour un résultat d'une discrète sensualité. Les très belles transcriptions des Liebeslieder (Chants d'amour), réalisées par les interprêtes eux-mêmes, placent cet enregistrement sous le signe de l'intimité. Ces six Liebeslieder furent inspirés par des épisodes de la vie personnelle de Brahms : le Wiegenlied fut ainsi offert à des amis personnels du compositeur pour la naissance de leur second fils ; et Wie Melodien zieht es mir leise durch den Sinn fut composé sur un poème de Klaus Groth, ami personnel de Brahms. Quant aux Danses hongroises n° 1 et 5, leurs transcriptions pour piano et violoncelle augmentent leur force frémissante et leur lyrisme, sans les déposséder de leur dimension folklorique. © Pierre Lamy / Qobuz

Le temps est enfin venu de reconsidérer l’histoire de la musique en sortant de la condescendance masculine qui a relégué les compositrices au rang de quelques bizarreries. Héritière de Beethoven vénéré à Paris à travers l’enseignement de ses professeurs étrangers Hummel et Reicha, Louise Farrenc laisse des œuvres symphoniques fortes et dramatiques. Contrairement à Clara Schumann ou à Alma Mahler, Louise Farrenc n’a pas été entravée par un mari la reléguant à la cuisine, au ménage ou dans des maternités répétées. Issue d’un milieu d’artistes et vivement encouragée par son époux, elle eut tout loisir de s’épanouir comme compositrice, mais aussi en tant que pianiste, pédagogue, éditrice et musicologue. Cet album constitue le premier volume de l’intégrale des trois Symphonies de Louise Farrenc sous la direction de Laurence Equilbey à la tête de l’Insula Orchestra qu’elle a créé pour explorer un répertoire peu connu, en particulier pour mettre en avant les œuvres des grandes oubliées de l’histoire telles que Fanny Hensel-Mendelssohn ou encore Clara Schumann. . Malgré le succès qu’elle commençait à rencontrer à Paris, Louise Farrenc a eu beaucoup de difficultés à présenter ses œuvres symphoniques dans la capitale française. C’est à Bruxelles que fut créée sa Symphonie n° 1 en ut mineur dont l’écriture s’inscrit avec brio dans le sillage de ce qui faisait de mieux dans les années 1840, dans un style où le métier le dispute encore aux influences des grands maîtres de l’époque : Beethoven, Schubert et Mendelssohn. . Créée cette fois à Paris sous la direction de François-Antoine Habeneck dont les interprétations des symphonies de Beethoven étaient connues dans toute l’Europe, la Symphonie n° 3 en sol mineur, d’une écriture plus personnelle, commence par une cantilène du hautbois solo précédant un Allegro traversé par une énergie dramatique parcourue de syncopes et de surprises harmoniques. Dans ses symphonies, Louise Farrenc est parvenue à concilier avec bonheur le style viennois contemporain avec beaucoup d’intensité et d’originalité. Loin de constituer une curiosité, les symphonies de Farrenc mériteraient de figurer au répertoire des orchestres français, au même titre que celles d’Albéric Magnard systématiquement oubliées elles aussi dans son propre pays, mais c’est une autre histoire… © François Hudry/Qobuz

Ses précédents disques Debussy et Chopin pour harmonia mundi en témoignent : Alain Planès sait trouver les instruments historiques les mieux adaptés à chaque répertoire. Pour son enregistrement des Nocturnes de Chopin, il a choisi un superbe Pleyel de 1836 – l’époque même où ces chefs-d’œuvre voyaient le jour. Avec cet instrument aux couleurs inhabituelles, notre poète du piano recrée la délicate magie de ces pages où Chopin, fasciné par le bel canto, inventait un nouvel art de faire chanter le clavier. © harmonia mundi

Quarante ans après le début de leur première intégrale des mêmes œuvres, voilà que se retrouvent le violoncelliste Yo-Yo Ma et le pianiste Emanuel Ax devenus deux vénérables messieurs aux cheveux blancs. « Hope Amid Tears » (Espoir au milieu des larmes), clame leur nouvel album enregistré au Seiji Ozawa Hall de Lenox dans le Massachusetts. C’est vrai qu’il en fallait de l’espoir en août 2020 alors que l’épidémie de Covid-19 faisait alors des ravages dans le monde entier et particulièrement aux États-Unis, et quoi de plus propre à l’espoir que le message humaniste de Beethoven… Les cinq Sonates pour violoncelle et clavier (pour clavier avec accompagnement de violoncelle pour les deux premières en fait) appartiennent aux trois époques, ou aux trois styles, selon le découpage traditionnellement utilisé pour décrire l’évolution de Beethoven. Les deux premières sont encore ancrées dans le XVIIIe siècle et représentent les premières œuvres importantes du genre de la période classique. Avec la Sonate n° 3 en la majeur, Op. 69, l’horizon du violoncelle s’élargit. L’instrument s’émancipe en parlant véritablement à la première personne, entamant lui seul le discours avant d’être rejoint par le piano, dans un style voisin des grands œuvres contemporaines telles la Cinquième Symphonie, la Symphonie « Pastorale », l’Ouverture de Coriolan et les Quatuors « Razumovsky ». Le discours musical est syncopé, le dialogue constant comme dans une conversation dans laquelle chacun s’emporte et se passionne tour à tour. Les deux Sonates, Op. 102 datent d’une époque difficile pour le compositeur malade et de plus en plus muré dans sa surdité. Années peu productives où son énergie créatrice semble fléchir. Leur écriture fuguée plus savante et plus difficile d’accès a longtemps nuit à leur compréhension. La fidèle amitié et le long compagnonnage musical de Yo-Yo Ma et d’Emanuel Ax semblent avoir guidé ce nouvel enregistrement dans lequel ils parlent la même langue, avec les mêmes intentions et les mêmes phrasés en ajoutant à leur interprétation toute l’expérience due à la maturité. © François Hudry/Qobuz

Si la pandémie mondiale le permet, l’encore jeune baryton Andrès Schuen est attendu en Papageno (La Flûte enchantée) à l’Opéra de Vienne au printemps 2021, il sera Figaro (Les Noces de Figaro) au Festival d’Aix-en-Provence en été de la même année, puis Guglielmo (Cosi fan tutte) à celui de Salzbourg. Originaire de ce Tyrol italien si proche de l’Autriche, Andrès Schuen a de solides références, ayant eu pour maîtres Wolfgang Holzmair et Brigitte Fassbaender pour le chant, Daniel Heide pour le lied. C’est d’ailleurs ce dernier qu’il a choisi à nouveau comme partenaire pour ce nouvel album consacré à la Schöne Müllerin (La Belle meunière) de Franz Schubert après le grand succès de leur album Wanderer paru en 2018. Son beau timbre jeune et viril fait merveille tout au long de ce cycle, voyage dans la joie et l’espoir de la jeunesse, une joie bientôt ternie par les cruelles désillusions de la vie. À la manière d’un acteur, et surtout, d’un diseur, Schuen passe progressivement du rire aux larmes et à la résignation, sans aucun effet avec une probité et une simplicité qui fait du bien. Habitué des Schubertiades de Schwarzenberg où il vient régulièrement en voisin, Andrès Schuen est soutenu par le piano attentif mais un peu mat de Daniel Heide, spécialiste du lied et accompagnateur des plus grandes voix d’aujourd’hui. © François Hudry/Qobuz

Pour son nouveau récital publié sous étiquette Decca, Benjamin Grosvenor a choisi Franz Liszt dont la musique le poursuit depuis son enfance grâce à l’initiation de son grand-père. Consacré au monument pianistique qu’est la Sonate en si mineur, le programme du pianiste anglais veut témoigner des divers aspects qui sous-tendent la création du compositeur hongrois avec des compositions emblématiques (Trois Sonnets de Pétrarque), originales (Berceuse), ainsi que l’extraordinaire pouvoir de recréation que Liszt distillait dans ses paraphrases ; se trouvent ici les Réminiscences de Norma d’après Bellini et son arrangement de l’Ave Maria de Schubert. Chaque concert et chaque disque de Grosvenor sont longuement attendus et désirés, tant sa personnalité est riche et sa maîtrise pianistique extraordinaire. Son récent album consacré aux Concertos de Frédéric Chopin est venu confirmer la prééminence de ce pianiste au sein d’une confrérie pourtant bien garnie. Sa vision de la fameuse Sonate de Liszt se situe d’emblée parmi les plus inspirées. Comme un oiseau de proie, Grosvenor sait attendre le moment propice pour se jeter sur les accords avec une précision diabolique et une rage contenue, dans une tension dramatique méphistophélique. En même temps, la fluidité de son piano ouvre la porte au XXe siècle et particulièrement au monde de Ravel si tributaire de la leçon lisztienne. On sait que Brahms s’était endormi lorsque Liszt lui joua sa Sonate après un dîner probablement bien arrosé. Rien de probable ici avec cette puissante évocation de la vie et de la mort. Magistral ! © François Hudry/Qobuz

Recorded 2020 Salle Molière, Palais de Bondy, Lyon (France)

Brahms a composé relativement peu d'œuvres originales pour piano à quatre mains. Il a, en revanche, arrangé la quasi-totalité de son œuvre de musique de chambre et d'orchestre pour piano à quatre mains. L’encre n’était pas encore sèche lorsqu’il jouait ces œuvres avec Clara Schumann qui lui faisait ensuite part de son jugement. Dans ses Danses hongroises, Brahms a brillamment transformé des mélodies et rythmes hongrois originaux en un ensemble orchestral polychrome. Le piano à queue Blüthner de 1867 utilisé pour cet enregistrement illustre parfaitement comment Brahms parvient à exploiter la totalité du clavier. Les différentes positions semblent transparentes et claires par elles-mêmes. On ne sait généralement pas que Brahms était un grand admirateur et ami de Johann Strauss. Et pas seulement de Strauss, mais aussi des valses ! Les Liebeslieder-Walzer arrangés par le compositeur pour quatre-mains solo (op. 52a) en sont la preuve. Pour les Variations op. 23, Brahms utilise le dernier thème mis sur papier par Schumann. L’œuvre composée peu après la mort de Schumann se ferme sur une impressionnante marche funèbre. Enregistrer des œuvres de Brahms était un choix évident pour le duo Wyneke Jordans & Leo van Doeselaar qui conclut ainsi une série d'enregistrements d'œuvres pour piano à quatre mains de grands compositeurs allemands sur instruments historiques.