Discothèque Idéale Qobuz

Le Buena Vista Social Club, le plus gros carton des musiques du monde, a mis la plus ancienne forme de musique afro-cubaine, le son, dans les oreilles des mélomanes de la planète. Et pourtant, il a bien failli ne jamais exister. L'enregistrement de ce disque (qui s’est vendu à plus de 8 millions d'exemplaires à travers le monde) au studio Egrem de La Havane en 1996 a été organisé au dernier moment, en remplacement d’une autre session. Initialement, il était prévu de réunir, autour de quelques micros, des musiciens cubains et des Maliens, mais ces derniers n’ont pas obtenu leurs visas. Nick Gold, fondateur du label anglais World Circuit, Ry Cooder, célèbre producteur et guitariste américain, et Juan de Marcos González, chef d’orchestre de l’Afro Cuban All Stars, qui venait de mettre en boîte leur premier album d’hommage aux big bands cubains des années 50, ont alors pris une des décisions plus judicieuses de leur carrière.Aux côtés des meilleurs instrumentistes cubains, dont le bassiste Orlando 'Cachaíto' López, le trompettiste Manuel 'Guajiro' Mirabal, ou Barbarito Torres, expert du laúd, petit luth cubain, quelques chanteurs vétérans sont tirés de leur retraite pour enregistrer quelques classiques du son cubain. Compay Segundo (89 ans), Pio Leiva (80 ans), Ibrahim Ferrer (69 ans), Omara Portuondo (66 ans) et Eliades Ochoa (50 ans) se retrouvent autour du piano de Ruben Gonzalez (78 ans), qui enregistre également un album durant ces deux semaines prolifiques.Baptisé Buena Vista Social Club, en référence à un célèbre club de La Havane où les musiciens traditionnels se réunissaient avant les années 1930, l’album sort en 1997 de façon plutôt discrète. Peu à peu, des chroniques superlatives et un bouche-à-oreille bienveillant attirent l’attention du grand public, que le Grammy Award, décroché la même année, élargit encore. L’alchimie entre les voix patinées et fruitées comme du vieux rhum, le tact virtuose des musiciens et la saveur toujours fraîche de ces vieux succès oubliés fonctionnent à merveille. L’authenticité est criante et la joie partagée de ces ancêtres pleins de malice et de talent est des plus communicatives.En 1998, la formation originale du BVSC donne trois concerts, deux à Amsterdam et un au Carnegie Hall à New York. Lors de ces prestations triomphales, le cinéaste et ami de Ry Cooder Wim Wenders est derrière la caméra. Il l’est également lors des sessions d’enregistrement à Cuba du premier album solo d’Ibrahim Ferrer, ce qui lui donne la matière principale pour le film Buena Vista Social Club. Sorti en 1999 ce documentaire accroît l’aura légendaire de ce groupe éphémère.Pour la plupart de ces artistes, c’est le point de départ de carrières internationales mais de courte durée. Compay Segundo et Ruben Gonzalez sont décédés en 2003, Ibrahim Ferrer a disparu en 2005 et Orlando 'Cachaíto' López est mort en 2009. Une partie des membres du groupe originel a continué à tourner à travers le monde sous le nom Orquesta Buena Vista Social Club. En octobre 2015, après la détente des relations entre Cuba et les Etats-Unis, ils sont les premiers musiciens cubains à être accueillis à la Maison Blanche, preuve de l'importance culturelle de ce disque devenu légendaire. © Benjamin Minimum/Qobuz

Chega de Saudade (1959) est le premier album de l’instrumentiste bahianais João Gilberto, dont la réputation de génie grandissait déjà grâce à son travail en studio avec d'autres artistes. L'album a inauguré non seulement la carrière solo de João Gilberto mais aussi la bossa-nova, genre qui a tout changé dans l’histoire de la musique brésilienne. Les voix douces, inspirées du jazz américain, alliées à un autre type de rythme de guitare, que l'on a appelé plus tard "le rythme bossa", ont été les éléments essentiels qui ont fait de cette œuvre le point de départ du mouvement.Cette nouvelle façon de jouer de l'instrument est devenue à la mode parmi les jeunes et les étudiants de l'époque et a inspiré de futures vedettes brésiliennes comme Gilberto Gil, Caetano Veloso, Jorge Ben, Chico Buarque et Milton Nascimento. Dans le même temps, João Gilberto a réussi à conquérir l'ancienne génération avec Chega de Saudade : bien que révolutionnaire pour l'époque, l'album n'a pas laissé de côté les racines de la musique brésilienne. Son répertoire comprend des compositions de grands noms tels qu’Ary Barroso, Geraldo Pereira et Dorival Caymmi, mais avec un nouveau biais.Un an avant ses débuts en solo, João Gilberto a participé au disque Canção de Amor Demais d'Elizeth Cardoso, où il joue de la guitare sur la chanson Chega de Saudade, composée par Vinicius de Moraes et Tom Jobim. Sur ce disque, il est déjà possible de percevoir "le rythme bossa". Cependant, ce n'est qu'avec la sortie du LP Chega de Saudade et la version de João Gilberto de la chanson que la bossa-nova a été consolidée. L'album est produit par Aloysio de Oliveira et comporte des arrangements et la direction de l'orchestre de Tom Jobim, faisant de l'album un succès critique et commercial immédiat, portés par de futurs classiques tels que Desafinado, Chega de Saudade et Bim Bom. © Nathália Padua/Bananas

Publié en 1996, Omega est non seulement un album primordial dans la discographie du cantaor Enrique Morente, mais il a aussi été décisif pour le flamenco contemporain. Au départ, il s’agissait pour le chanteur de Grenade d’adapter au flamenco quelques chansons de Leonard Cohen, à l’occasion des 60 ans du poète canadien. Cohen, qui a d’ailleurs adapté le poème Pequeño Vals Vienes en Take This Waltz, ici repris, attribuait sa vocation d’écrivain à Federico García Lorca. L’apprentissage de la guitare auprès d’un musicien flamenco égaré à Montréal fut décisif pour Leonard Cohen et l’influence de García Lorca fut déterminante pour l’évolution du flamenco. Morente a finalement décidé de mêler des œuvres des deux hommes. A côté de ses reprises d’Hallelujah (Aleluya), Priest (Sacerdotes) ou First We Take Manhattan (Manhattan), il a travaillé de nouvelles compositions basées sur des poèmes extraits du recueil Poeta en Nueva York, écrit par Lorca lors d’un exil new-yorkais, à la charnière des années 20 et 30 et publié de façon posthume.Pour célébrer le rapprochement des deux légendes éprises de flamenco, Morente n’a rien laissé au hasard et retrace sa vision de l’histoire de cet art. Avec Omega, titre de l’album et premier morceau du disque, Morente ouvre une nouvelle voie. La dernière lettre de l’alphabet grec peut précéder une nouvelle histoire. Pour cette adaptation du Poema para los Muertos, il invoque, via des samples, les esprits des grands pionniers que furent Antonio Chacón, Manuel Torre, Manolo Caracol, Manuel Vallejo ou La Niña de los Peines. Une fois l’hommage rendu, Morente va de l’avant, entraînant avec lui sa famille, sa fille Estrella, sa femme Aurora et les frères de cette dernière, le guitariste Montoyita et le chanteur Antonio, membres de la dynastie flamenca madrilène Carbonell. On retrouve aussi Tomatito, le dernier guitariste de son ancien confrère, ami et rival, Camaron de la Isla. Aux figures du passé récent, s’ajoutent des musiciens plus contemporains : les guitaristes et compositeurs Vicente Amigo, Juan Antonio Salazar ou Isidro Muñoz et surtout le groupe, Lagartija Nick, dont le rock abrasif apporte l’ambiance générale à ce disque et aux concerts qui suivront. Aux morceaux purement flamencos, alternent des créations lors desquelles l’art andalou est assailli par des déluges de guitares, des voix fantomatiques et des martellements rythmiques appuyés. La douceur répond à la violence, le folklore est terrassé, l’art libre s’exprime. Les puristes du flamenco s’offusquent, dénigrent et sortent bruyamment des salles où le projet est présenté, mais les progressistes acclament le manifeste.Vingt ans après sort une édition augmentée d’un disque d’inédits et de prises alternatives. II y a deux adaptations de Cohen, inconnus du public : Oye, Esta No Es Manera De Decir Adiós (Hey That’s No Way To Say Goodbye), Un Cantaor Debe Morir (A Singer Must Die) et aussi un enregistrement d’une rencontre publique entre Enrique Morente et le groupe bruitiste new-yorkais Sonic Youth en 2005. Cet anniversaire a aussi été l’occasion de la sortie d’un documentaire lié à la genèse de cette œuvre, devenue un jalon pour de jeunes créateurs espagnols désireux de mettre à jour les frontières de leurs racines, comme le chorégraphe Israel Galván ou les chanteurs Arcangel, Rocío Márquez ou Sílvia Pérez Cruz. © BM/Qobuz

Les années 70 furent, pour New York, des années de révolution permanente. Le punk rock, le disco, la musique minimaliste, le rap et la salsa s’y inventèrent en l’espace de quelques années, apportant les ingrédients de toutes les évolutions musicales de la fin du millénaire. Que ces mouvements soient le fruit de clashs entre plusieurs cultures est particulièrement vrai pour les musiques latines. Dominée par des ressortissants portoricains, la population latino new-yorkaise a pris ses quartiers à l’est d’Harlem, une zone rebaptisée El Barrio. C’est là que le terme de salsa a été inventé pour désigner l’ensemble des musiques hispanophones qui s’y sont perpétuées en se mélangeant et en incorporant l’influence des musiques afro-américaines telles qu’elles se sont définies à l’ouest de leurs parcelles. Nu Yorica ! présente les grands acteurs de cet âge d’or et surprend par la variété des expressions que l’on y retrouve. La clave des tambours sacrés bata mène souvent le tempo, parfois sans autre apport, comme sur le Amigos de Stone Alliance qui transite de Cuba à Rio. Les cuivres vont toujours bon train, quand ils n’ont pas le premier rôle, comme sur La Trompeta y la Flauta de Cachao. Le jazz n’est jamais très loin et le funk a inséminé les morceaux flamboyants de Ricardo Marrero, Cortijo Y Su Maquina Del Tiempo ou Joe Bataan. Enfin, l’inventivité contenue dans les longues suites avant-gardistes Un Dia Bonita d’Eddie Palmieri et Macho de Machito And His Orchestra, qui terminent chaque section de ce double programme, restituent bien le vent de liberté, chaud et fiévreux qui soufflait alors dans les rues de Spanish Harlem. © Benjamin MiNiMuM/Qobuz

Chega de Saudade (1959) est le premier album de l’instrumentiste bahianais João Gilberto, dont la réputation de génie grandissait déjà grâce à son travail en studio avec d'autres artistes. L'album a inauguré non seulement la carrière solo de João Gilberto mais aussi la bossa-nova, genre qui a tout changé dans l’histoire de la musique brésilienne. Les voix douces, inspirées du jazz américain, alliées à un autre type de rythme de guitare, que l'on a appelé plus tard "le rythme bossa", ont été les éléments essentiels qui ont fait de cette œuvre le point de départ du mouvement.Cette nouvelle façon de jouer de l'instrument est devenue à la mode parmi les jeunes et les étudiants de l'époque et a inspiré de futures vedettes brésiliennes comme Gilberto Gil, Caetano Veloso, Jorge Ben, Chico Buarque et Milton Nascimento. Dans le même temps, João Gilberto a réussi à conquérir l'ancienne génération avec Chega de Saudade : bien que révolutionnaire pour l'époque, l'album n'a pas laissé de côté les racines de la musique brésilienne. Son répertoire comprend des compositions de grands noms tels qu’Ary Barroso, Geraldo Pereira et Dorival Caymmi, mais avec un nouveau biais.Un an avant ses débuts en solo, João Gilberto a participé au disque Canção de Amor Demais d'Elizeth Cardoso, où il joue de la guitare sur la chanson Chega de Saudade, composée par Vinicius de Moraes et Tom Jobim. Sur ce disque, il est déjà possible de percevoir "le rythme bossa". Cependant, ce n'est qu'avec la sortie du LP Chega de Saudade et la version de João Gilberto de la chanson que la bossa-nova a été consolidée. L'album est produit par Aloysio de Oliveira et comporte des arrangements et la direction de l'orchestre de Tom Jobim, faisant de l'album un succès critique et commercial immédiat, portés par de futurs classiques tels que Desafinado, Chega de Saudade et Bim Bom. © Nathália Padua/Bananas

Durant les années 60, l’amour de l’Afrique pour la musique latine fut tel que le Congo, en particulier, créera un genre à part entière sur les bases de la rumba, pris entre un chant plutôt doux, des mélodies sinueuses et des guitares dansantes assez frénétiques. Vénéré chez lui à Kinshasa, l’Orchestre Vévé emmené par son charismatique leader Verckys ajoutera même à cette recette une guitare rythmique digne de celle qu’on peut alors entendre sur les disques de James Brown. Cette superbe compilation (comme l’excellent label allemand Analog Africa a l’habitude d’en concevoir) propose de redécouvrir la beauté de ce funk congolais unique moucheté d’afrobeat et de rumba presque psychédélique conçu entre 1969 et 1978. Chaud ! © MD/Qobuz

Cet album irrésistible est l'une des pierres angulaires de la musique moderne arabo-andalouse. On s'y promène entre rumba algéroise et chaâbi, flamenco et tango, sans oublier les senteurs des marchés aux épices et les parfums de Méditerranée… Lili Boniche interprète comme nul autre ces chansons éternelles qui riment avec bonheur et restent étonnamment modernes. Il y autant de nostalgie que de passion, d’humour que de tendresse dans ce répertoire. © CM/Qobuz

Expert en rééditions de qualité, Soul Jazz Records se penche ici sur un genre souvent négligé, pour ne pas dire oublié : le calypso. Le label britannique a surtout l’intelligence d’en montrer la largeur stylistique en incluant logiquement la musique de sa terre natale (l’île de Trinidad) mais aussi celle d’autres îles des caraïbes (dont la Jamaïque et les Bahamas) sans oublier de pays plus lointains (l’Angleterre, Panama et les États-Unis). Une splendide sélection captée entre 1955 et 1969 soulignant le swing, le rythme insistant, les mélodies très expressives et les paroles souvent très drôles et d’un grand esprit. Mêlant influences des rythmes africains et des musiques européennes, le calypso sera même intégré par certains jazzmen comme Sonny Rollins. © CM/Qobuz

C’est un enregistrement original que cet album d’ Iran : musique de l'époque Qajare paru sous le label Inedit, lui- même consacré aux musiques traditionnelles menacées ou méconnues. Dans ce disque, l’ensemble Delgosha redonne vie à l'âge d'or de l’art musical persan à travers deux suites de pièces vocales et instrumentales. Soutenu par la flûte ney, la vièle Kamancheh, les luths oud et tar ainsi que le tambour tombak, le compositeur et musicien Siamak Jahangiry revisite le patrimoine classique persan qui a vu naître outre la démocratisation de la culture, un art vocal féminin d’un exceptionnel raffinement sous le règne des Qajars au XIXème siècle. Pantea Alvandipour magnifie la poétique musicale de Qamar-ol-Moluk Vaziri, la reine de la musique persane du début du siècle, qui avec ses stupéfiantes fêlures vocales pleines de passion véhémente, modulée par une délicatesse tout en souplesse, glorifiait l’expression dramatique du chant. La virtuosité rarissime de la chanteuse est une belle occasion de découvrir cet art particulièrement insolite ! ©TDB/QOBUZ

If your perception of Carioca's samba do morro (samba of the hills) relates to noisy, percussive grooves topped by poor melodies, this release is what you need to discover the real thing. Cartola was one of the most important samba composers of all time. His lyrical "O Mundo é um Moinho" opens the album, delivering its luxurious melodic lines. The progression of the album reveals in each new track some hidden treasures in the rustic sophistication of a poet of the people. The richness and originality of the poetic imagery contained in his lyrics, unfortunately unattainable for non-Portuguese speakers, astounds for its depth as a creation of a humble hill dweller. There are also uptempo sambas, but the forefront is delivered to voice/choir/trombone and the seven-string violão at the counterpoint, with the percussion discretely in the background. The album also contains his biggest hit, the immortal "As Rosas não Falam." A must have. © Alvaro Neder /TiVo

La ferveur mystique des soufis du Pakistan rencontre la fièvre païenne des chanteurs de flamenco andalou et le résultat est éblouissant. Cet ambitieux projet du producteur parisien d’origine iranienne Saïd Assadi, directeur du label Accords Croisés, voit le jour en 2002. Il met en présence le chanteur de qawwalî Faiz Ali Faiz et son groupe, constitué de deuxième, troisième voix et choristes, de joueurs de tabla et d’harmonium avec un trio de musiciens espagnols flamboyants : le gitan, héritier de Camaron de la Isla, Juan Rafael Cortés Santiago dit Duquende, le chanteur surdoué et payo (non gitan) Miguel Poveda ainsi que le guitariste catalan Chicuelo. Au long de ces onze morceaux, totalisant plus de deux heures vingt de musique, les traditions cohabitent le plus souvent en alternance, mais se rejoignent aussi au début, au milieu et à la fin de cette suite enivrante et puissante. Les amateurs de qawwalî comme ceux de flamenco ne seront pas déboussolés par cette réunion, inattendue, mais ô combien pertinente. © BM/Qobuz

Onze chansons pétaradantes qui subliment le blues. C’est un peu ce à quoi ressemble la rencontre entre le touareg prodige Bombino et Dan Auerbach des Black Keys. Intitulé Nomad, le dernier album du guitariste, auteur-compositeur et interprète touareg Omara Moctar alias Bombino, natif du Niger, a été conçu à Nashville, sous la houlette d’Auerbach dans son studio Easy Eye Sound. Une mise en lumière différente des précédents albums de l’idole de la jeunesse touarègue qui trouve ici une nouvelle source d’inspiration sans pour autant diluer l'essence et l’âme de sa musique.

Une anthologie de référence sur la musique centrafricaine des pygmés Aka. Plus qu'un document d'ethnologie, retraçant l'aspect rituel et fonctionnel de ces musiques aux textures polyrythmiques et polyphoniques inouïes , cette anthologie apporte surtout une preuve supplémentaire ( à ceux qui en douteraient encore), que cette musique soutient parfaitement une écoute défonctionnalisée et pour ainsi dire décontextualisée. Ou plutôt faudrait-il parler d'une écoute décentrée, et recontextualisée ; une musique ne peut faire autrement que de s'ancrer dans un contexte, ne serait-ce que celui de l'auditeur. À la différence du mythe d'un art individuel, longtemps véhiculé par le romantisme occidental et toujours largement en vigueur, les polyphonies Akas témoignent de la vivacité et de la splendeur d'un art anonyme et collectif s'inscrivant dans le patrimoine spirituel et culturel de l'humanité.© René Obe/Qobuz

​Formidable Lili Boniche qui a émergé du néant en 1991 pour se rappeler au bon souvenir de ses fans qui gardaient précieusement dans leurs coeurs ses chansons, comme autant de souvenirs d'une Algérie heureuse et fraternelle. Le titi de la Casbah s'était éclipsé en pleine gloire pour gérer des cinémas et se consacrer à sa famille, puis une fois « rapatrié » en France il était resté un modeste commerçant avant de devenir un retraité débonnaire. Mais c'est le jeune homme plein d'allant qui est ressorti de sa boîte comme monté sur ressorts lorsque Francis Falceto vient le solliciter pour remonter sur scène.Sa deuxième carrière lui a enfin permis de graver ses classiques pour l'éternité, de voir sa musique triturée façon dub par Bill Laswell, et de recevoir l'hommage de ses fans sur Lili Live et Il N'y A Qu'un Seul Dieu, Live à l'Olympia. Tout cela avant de s'éteindre de sa belle mort en 2008, avec pour seul regret de laisser son style judéo-arabo-andalou sans héritiers dans les nouvelles générations. Reste cette Anthologie en quinze titres pour apprécier un musicien qui vaut mieux qu'un simple folklore « pied-noir ».« Amir le gheram » résonne comme un cri au coucher de soleil sur Alger la Blanche et ses quartiers cosmopolites, « Alleche tu ne m'aimes pas » et son piano prend des airs de tango algérois, « Alger, Alger » parle de cette ville que tous aimaient comme une fascinante maîtresse. Lili Boniche livre une version séfarade de la chanson napolitaine « Bambino », popularisée ensuite par l’Égyptienne Dalida. « N'oublie jamais tes parents » fait acte de piété filiale sur fond de variété orientale.« La Bohème » devient dans la bouche de Lili Boniche « Ya Yemma » dans une version exceptionnelle où l'on comprend que la voix d'Elie Boniche ai fait chavirer les coeurs. Mais le plus grand legs de Lili Boniche reste « Il N'y A Qu'un Seul Dieu » avec son message de tolérance, de clairvoyance, d'humanisme, qu'il faut sans cesse répéter en ces temps où montent de partout les fanatismes. Lili Boniche était l'un des derniers troubadours d'une Algérie où Juifs, Chrétiens, et Musulmans vivaient en paix et en harmonie comme au temps bénis du califat de Cordoue. Ses magnifiques chansons nous le rappellent pour l'éternité et permettent de transmettre un message qui devrait être universel. ©Copyright Music Story Francois Alvarez 2021

Chega de Saudade (1959) est le premier album de l’instrumentiste bahianais João Gilberto, dont la réputation de génie grandissait déjà grâce à son travail en studio avec d'autres artistes. L'album a inauguré non seulement la carrière solo de João Gilberto mais aussi la bossa-nova, genre qui a tout changé dans l’histoire de la musique brésilienne. Les voix douces, inspirées du jazz américain, alliées à un autre type de rythme de guitare, que l'on a appelé plus tard "le rythme bossa", ont été les éléments essentiels qui ont fait de cette œuvre le point de départ du mouvement.Cette nouvelle façon de jouer de l'instrument est devenue à la mode parmi les jeunes et les étudiants de l'époque et a inspiré de futures vedettes brésiliennes comme Gilberto Gil, Caetano Veloso, Jorge Ben, Chico Buarque et Milton Nascimento. Dans le même temps, João Gilberto a réussi à conquérir l'ancienne génération avec Chega de Saudade : bien que révolutionnaire pour l'époque, l'album n'a pas laissé de côté les racines de la musique brésilienne. Son répertoire comprend des compositions de grands noms tels qu’Ary Barroso, Geraldo Pereira et Dorival Caymmi, mais avec un nouveau biais.Un an avant ses débuts en solo, João Gilberto a participé au disque Canção de Amor Demais d'Elizeth Cardoso, où il joue de la guitare sur la chanson Chega de Saudade, composée par Vinicius de Moraes et Tom Jobim. Sur ce disque, il est déjà possible de percevoir "le rythme bossa". Cependant, ce n'est qu'avec la sortie du LP Chega de Saudade et la version de João Gilberto de la chanson que la bossa-nova a été consolidée. L'album est produit par Aloysio de Oliveira et comporte des arrangements et la direction de l'orchestre de Tom Jobim, faisant de l'album un succès critique et commercial immédiat, portés par de futurs classiques tels que Desafinado, Chega de Saudade et Bim Bom. © Nathália Padua/Bananas

You Don't Know Me - Nine Out Of Ten - Triste Bahia - It's A Long Way - Mora Na Filosofia - Neolithinc Man - Nostalgia/Caetano Veloso

Fairouz, Oum Kalsoum et Asmahan, les trois grandes dames de la musique orientale chantées par une voix unique. Dorsaf chante la sophistication et la virtuosité d'Oum Kalsoum, l'incroyable tessiture et les goûts révolutionnaires de Fairouz, la profondeur sentimentale et le tropisme dramatique d'Asmahan.