Patricia Kopatchinskaja und Polina Leschenko veröffentlichen "Deux", eine Bartók, Poulenc und Ravel gewidmete Platte... Patricia Kopatchinskaja
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Violinist Patricia Kopatchinskaja is an unusually versatile musician, active in both mainstream repertory and the historical performance scene. She has also played contemporary music and has given at least a dozen world premieres. Kopatchinskaja was born in Chisinau, then in the Moldavian Socialist Republic of the Soviet Union, in 1977. Her mother, a violinist, and her father, a percussionist, both played in a regional state folk music ensemble. Kopatchinskaja took up the violin at six, studying with a local teacher who had been a student of David Oistrakh. When she was 17, her family moved to Vienna, Austria, and she enrolled at the University of Music and the Performing Arts, studying both violin and composition. Kopatchinskaja completed her education at the Hochschule für Musik in Bern, Switzerland, where her teacher was Igor Ozim. She has continued to live in Bern, where she has married and raised a family. Her résumé of concerto appearances with top orchestras is long and includes the Vienna, Berlin, and London Philharmonic Orchestras. Kopatchinskaja owns several violins, including a 1780s Neapolitan instrument by Ferdinando Gagliano that she uses in historical performances. She had to give up a loaner Guarneri del Gesù "ex-Carrodus" of 1741, however, because the logistics of importing it into Switzerland proved too arduous. Kopatchinskaja is equally well known in mainstream and historical-performance spheres; in the latter, she has performed with such ensembles as Il Giardino Armonico, the Orchestra of the Age of Enlightenment, and the innovative MusicAeterna in Perm, Russia. Her chamber music partners include cellist Sol Gabetta, clarinetist Reto Bieri, and pianist Markus Hinterhäuser. Her advocacy of contemporary music has been vigorous, and her world premieres include that of her own violin concerto, Hortus animae, with the Camerata Bern in 2014. Increasingly active in the U.S., Kopatchinskaja has served as an artistic partner with the St. Paul Chamber Orchestra since 2014. An inspiring musical administrator, she became the artistic director of the Camerata Bern in 2018 and assumed the same position at the Ojai Music Festival in California that same year. Kopatchinskaja's recording catalog includes albums on the Naïve, Audite, ECM, and Alpha labels; on Alpha, she released Time & Eternity with Camerata Bern in 2019.© James Manheim /TiVo
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In ihrem Projekt „Death and the Maiden“ ranken Patricia Kopatchinskaja und das St. Paul Chamber Orchestra kürzere Stücke aus verschiedenen Jahrhunderten, von Gesualdo und Dowland bis Kurtág, um die vier Sätze von Schuberts Streichquartett „Der Tod und das Mädchen“; alle umkreisen das Thema Sterben und Vergänglichkeit.
Das Resultat ist ein ebenso emotional dichtes wie vielfältiges Programm, in dem die Interpreten ein breites Spektrum an Farben und Stilen eröffnen – inspiriert von Patricia Kopatchinskaja, die als Konzertmeisterin des Kammerorchesters die Richtung vorgibt und als Solistin einige wahre Wunderdinge vollbringt. Etwa in der Bearbeitung eines byzantinischen Gesangs für Geige und Orchester. Dort rückt sie ihr Spiel ganz nahe an die Sprache; die Töne klingen mitunter nicht mehr wie auf einem Streichinstrument, sondern wie mit dem Atem erzeugt.
Diese sprachhafte Intensität prägt auch die Interpretation des Schubert-Quartetts in Kopatchinskajas eigener Streichorchesterbearbeitung: Das Pianissimo im Andante wirkt, von Kontrabässen grundiert, wie ein dunkles Flüstern und Raunen, der Kopfsatz verströmt genau jene existenzielle Dringlichkeit, die Schuberts Musik ausmacht.
Musikantische Leidenschaft und das Ringen um Ausdruck stehen hier ganz klar im Vordergrund – und wenn das Zusammenspiel oder die Intonation manchmal in der Hitze des Gefechts darunter leiden, wie bei der bewusst überstürzten Reprise im Kopfsatz, dann ist das eben so. Ungeschützte Risikofreude hat ihren Preis – aber den nimmt man liebend gern in Kauf, wenn die Musik einen so unmittelbar packt und aufrüttelt wie hier. Aufnahmen, bei denen jeder Takt genau stimmt, die aber eigentlich nichts wirklich Essenzielles zu sagen haben, gibt es schon mehr als genug.
© Stäbler, Marcus / www.fonoforum.de
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Das Spiel der moldawischen Geigerin Patricia Kopatchinskaja lässt einen, um es milde auszudrücken, nicht gleichgültig, so sehr unterscheidet es sich von der viel glatteren und unverfänglicheren Spielweise zahlloser ihrer Kollegen. Es genügt einmal ihre explosive Interpretation von Ravels Tzigane anzuhören, wo sie einfach alles wagt: ein außergewöhnliches Ergebnis, wobei ihr Spiel der Partitur, die von vielen Geigern zu „ordentlich“ gespielt wird, in der Tat absolut entspricht: nach diesem Hörerlebnis werden Sie das Stück niemals mehr anders hören wollen. Kopatchinskaja säuselt, wütet, träumt, verblasst, enthüllt, bricht aus, explodiert, zerkratzt, wallt, flötet, peitscht, und das alles in den zehn kurzen Minuten, die das witzige und provokative Bravourstück dauert. Sicher wusste der nur wenig zum Scherzen aufgelegte Bartók die pseudo-ungarischen Anspielungen Ravels nicht zu schätzen – er hatte nicht verstanden, dass der französische Komponist damit nur ein wenig Sprengstoff in die pseudo-ungarische Zigeunermusik aus Wien legen wollte –, nach seiner zweiten Sonate für Violine und Klavier zu urteilen, dogmatisch-magyarisch und typisch Bartók zugleich, man muss schon sagen ein ziemlich herbes Stück. Die wunderbare Sonate von Poulenc, 1943 geschrieben, ist deutlich weniger herb, mit einem manchmal tragischen Ton – auch wenn der zu Späßen aufgelegte Poulenc seine ganz persönliche Resistance zum Ausdruck bringen wollte, indem er in allen Sätzen ein verstecktes Zitat aus Tea for Two einfügte, das während der deutschen Besetzung Frankreichs verboten war. Als kleine Atempause (für die Geigerin) bietet uns die Pianistin Polina Leschenko den kurzen aber intensiven Walzer nach Coppelia von Dohnanyi, ein kleines französisch-ungarisches Augenzwinkern im Vorfeld der Tzigane, einem deutlicheren französisch-ungarischen Augenzwinkern und absolutem Höhepunkt des Albums. © SM/Qobuz
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Nach fast anderthalb Jahren setzt das Label audite seinen Schumann-Zyklus mit einer Doppelfolge fort. Aufgrund der Besetzung und der Werke fraglos ein Kraftakt für alle Beteiligten – doch mit einer anhaltenden Poesie verbunden, die einem Schumann, seine vielfach als problematisch eingeredete Instrumentation und sein Spätwerk näher als zuvor erscheinen lassen. War dies schon bei den Sinfonien und dem Cellokonzert zu erfahren, die Heinz Holliger ohne die seit über einem Jahrhundert gepflegten aufführungspraktischen Retuschen mühelos zu verblüffender Lebendigkeit erweckt hat, so stellen er und das WDR-Sinfonieorchester sich nun in den Dienst der übrigen konzertanten Werke.
Wie so oft erweist sich alles nur als eine Frage der Interpretation – von der Verständigkeit gegenüber dem Notentext über das aufmerksame Zusammenwirken bis hin zur passgenauen Artikulation und das rechte Tempo. In diesem Sinne gelingt es Holliger und seinen Solisten mit den Konzertstücken für Klavier op. 92 und op. 134 (Alexander Lonquich) sowie der Violin-Fantasie op. 131 tatsächlich zu überzeugen: Man hört einen Komponisten, dem das virtuose Element eigentümlich fremd und doch so nah war, dem am Ende aber der poetische Gedanke mehr zählte als jede leere Phrase. Hier begegnen sich über mehr als 150 Jahre hinweg die Komponisten Schumann und Holliger auf ästhetischer Ebene – der Dirigent Holliger aber weiß, wie auch der rechte Tonfall in einer klanglich agilen, in nahezu jedem Moment die Aufmerksamkeit bannenden Aufnahme festzuhalten ist. Umso mehr muss der stark aufgeraute, bisweilen kantige Zugriff von Patricia Kopatchinskaja im Violinkonzert verstören, der nicht gerade vor wohliger Wärme sprüht; das kühle Solo des langsamen Satzes lehrt einen gar das Frösteln. Daneben vermag Dénes Várjon im delikat angegangenen Klavierkonzert mit seinem eher vorsichtigen, keineswegs griffigen Forte nicht vollständig zu überzeugen.
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Giovanni Antonini und sein Ensemble Il Giardino Armonico feiern den Komponisten, der sie berühmt gemacht hat, Antonio Vivaldi. Ihre Aufnahmen der Vier Jahreszeiten und Cecilia Bartolis berühmtes erstes Vivaldi-Recital haben die Diskographie des rothaarigen Priesters dauerhaft geprägt! Ihr musikalisches Feuerwerk wird mit einem Konzertprogramm fortgesetzt, das starke Reaktionen hervorrufen wird, da es das Ergebnis der Begegnung mit einer Musikerin ist, die ebenso versiert im Verschieben von Grenzen ist, der Geigerin Patricia Kopatchinskaja. Gemeinsam haben sie ein Programm ausgearbeitet, das ultravirtuose Konzerte von Vivaldi ("Il Grosso Mogul" RV 208, "La Tempesta di Mare" RV 253, und RV 157, 191, 550 u.a.) zwischen jedem Konzert mit anderen kurzen Stücken verwebt. Diese Werke, die von neuzeitlichen Komponisten (Luca Francesconi, Simone Movio, Giacinto Scelsi, Aureliano Cattaneo und Giovanni Sollima) stammen, wurden größtenteils von Patricia Kopatchinskaja speziell für dieses Programm in Auftrag gegeben. © Alpha Classics
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„Plaisirs Illuminés“ lautet der Titel eines Gemäldes von Salvatore Dalí, das im Booklet farbig reproduziert wird: Dalí stellt akribisch-„altmeisterlich“ gemalte Bildfragmente rätselhaft-seltsam zusammen. Der spanische Komponist Francisco Coll (geb. 1985) ließ sich von diesem Bild zu einem gleichnamigen Doppelkonzert für Violine, Cello und Kammerorchester stimulieren, das hier unter seiner Leitung mit den fabelhaften Solistinnen Patricia Kopatchinskaja und Sol Gabetta sowie der Camerata Bern wirklich authentisch eingespielt wird.
Das ist ein schroffes, wildes, harsches, furioses, auch dissonant-aggressives Werk mit einer abenteuerlichen Tonfülle, das im 3. Satz, wie verfremdet auch immer, spanische Folklore anklingen lässt. Das brachte die von Patricia Kopatchinskaja angeführten Musiker dazu, ein Programm mit Komponisten zusammenzustellen, das sich im ideellen Anschluss an Bartók auf Volksmusik zurückbeziehen lässt – weniger freilich im Tonfall oder in Zitaten, als vielmehr im eminent sinnlichen, zupackenden, auch schrill-rauen, hemmungslosen Musikmachen, durch welches die Musik interpretatorisch gleichsam unter Spannung gesetzt, aber auch etwas zu gleichartig eingefärbt wird.
Das entspricht freilich dem interpretatorischen Furor von Kopatchinskaja ideal. Sie scheut sich auch nicht zu ihrem Geigenspiel, wenn es wie im dadaistischen „LalulaLied“ nach dem Gedicht von Morgenstern geboten ist, zu singen, lachen, rezitieren, kreischen, stammeln oder kichern usw. Wer sie einmal erlebt hat, weiß, dass sie ihre Auftritte geradezu in ein „Event“ verwandelt, zu dem unbedingt auch das Erlebnis ihrer eindringlichen Bühnenpräsenz zählt. Und dieses kann durchaus vermisst werden, wenn sie sich allzu weit von Spielvorschriften entfernt.
© Schubert, Giselher / www.fonoforum.de
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Das 1912 in Berlin entstandene Werk Pierrot lunaire besteht aus 21 kleinen Melodramen für Stimme und fünf Instrumente nach Gedichten von Albert Giraud, die ins Deutsche übersetzt wurden. Der Komponist hebt hiermit den Sprechgesang aus der Taufe, eine Technik, die die Deklamation revolutionierte. Schönberg wollte, dass das Stück ironisch, zart und grotesk zugleich ist, in der Art von Kabarettliedern. Die Geigerin Patricia Kopatchinskaja, die gelegentlich auch Schauspielerin ist, träumte davon, dieses einzigartige Werk zu spielen und zu deklamieren. Es war ein schmerzender Arm, der sie zwar daran hinderte, Geige zu spielen, aber eines Tages zur Erzählerin werden ließ: "Mein ganzes Leben lang fühlte ich mich als Pierrot. Jedes Mal, wenn ich als Studentin dieses Stück auf der Geige spielte, habe ich die Worte in meinem Kopf gesprochen". Sie hat Pierrot auf vielen Bühnen der Welt gespielt, darunter in der Berliner Philharmonie, in mehreren Städte der Vereinigten Staaten, den Niederlanden, der Schweiz oder Schweden. Sie versammelte einige ihrer Musikerfreunde um sich und beschloss, Pierrot für die Nachwelt festzuhalten. Schönbergs Fantasie, Op. 47 und Sechs kleine Stücke für Klavier, Op. 19, sowie Werke von Webern (Vier Stücke für Violine und Klavier, Op. 7) und Johann Strauss (II)' Kaiser-Walzer, Op. 437, in einer Bearbeitung von Schönberg ergänzen dieses Programm. © Alpha Classics
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Man mag ihren Überdruss manchmal verstehen. Die Geigerin Patricia Kopatchinskaja fühlt sich vom herkömmlichen Konzertbetrieb nicht gerade ermuntert und beschwingt. Das Ewig-Ähnliche geht ihr schon lange gegen den Strich. Nun schlägt sie erneut Haken und Ösen und überrascht mit einem Programm, das unter dem Titel „Zeit und Ewigkeit“ Fragen stellt und nach Antworten sucht. John Zorns vorsichtiges „Kol Nidre“ steht am Beginn, bevor Karl Amadeus Hartmanns „Concerto funebre“ für eine Art Kontrapunkt sorgt.
Kopatchinskaja hat sich die Camerata Bern an ihre Seite geholt. Solistin und Orchester harmonieren prächtig, denn sie wagen das Äußerste: große Spannungsbögen und feinste Schattierungen. Das Adagio in Hartmanns Konzert klingt wie eine durchgehende Grenzerfahrung, wie ein Abtasten entlang von Abgründen. Unerbittlich darauf die rhythmischen Wiederholungen im anschließenden Allegro di molto. Das Violinkonzert von Frank Martin, „Polyptyque“ übertitelt und für Yehudi Menuhin geschrieben, behandelt das Leiden Jesu. Auf dieser CD werden die sechs Sätze nicht en bloc gespielt, sondern durch Musik von Luboš Fišer, Bach und Machaut unterbrochen. Das ist ungewöhnlich, aber auch mit allen unerwarteten und doch passenden Kontrasten berührend.
Patricia Kopatchinskaja setzt nie auf puren Wohlklang, dafür ist sie viel zu risikohungrig. Sie lässt die Geige knurren und schnarren, hell funkeln und sanft schimmern. Sie hebt sich vom Orchester ab und schwebt darüber hinweg, sie ordnet sich aber auch ein und, wenn nötig, sogar unter. Die Camerata Bern lässt sich auf all das ein und ist somit ein gleichberechtigt beredter Partner. Eine ungewöhnliche, eine lockende CD.
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Auch wenn das Violinkonzert aus dem Jahr 2016 von Michael Hersch (geb. 1971) zunächst schrecklich chaotisch erscheint, wird das Werk daraufhin rasch geradliniger und verständlicher, auch wenn seine Aussage durchweg heftig bleibt - auch in den weniger wilden Passagen, in denen die melodische Linie immer noch eine Art unmittelbare Gefahr darstellt... Das Werk wurde von der Geigerin Patricia Kopatchinskaja in Auftrag gegeben, die außergewöhnliche Repertoires für starke Nerven und große Ausdauer liebt. End stages aus dem Jahr 2017 erforscht in Anspielung auf Erfahrungen des Komponisten, der seit Jahren in enger Berührung mit Krankheit und Tod geliebter Menschen lebt, "Endstadien" des musikalischen Diskurses. Die acht Sätze sind weit davon entfernt, aufzublühen, und vermitteln vielmehr das Gefühl eines allmählichen Sich-Verschließens. Es spielt das berühmte Orpheus Chamber Orchestra, dem das Werk gewidmet ist. Das Ensemble musiziert wie gewohnt ohne Dirigent, was für eine Partitur von einer solchen Komplexität eine Meisterleistung ist. Die extreme Konzentration der Musiker, die sich gegenseitig zuhören, ist deutlich spürbar. © SM/Qobuz
Der Interpret
Patricia Kopatchinskaja im Magazin
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Zu Zweit ist das Leben schöner...
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