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Die Alben

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Handel: Messiah, HWV 56

Helen Donath

Classique - Erschienen am 1. September 1973 | Deutsche Grammophon (DG)

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Handel: Partenope, HWV 27

Christian Curnyn

Opéra - Erschienen am 1. Mai 2005 | Chandos

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Partenope

Christian Curnyn

Intégrales d'opéra - Erschienen am 9. Mai 2005 | Chandos

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Handel: Serse

Christian Curnyn

Opéra - Erschienen am 1. September 2013 | Chandos

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Handel: Orlando

Karina Gauvin

Classique - Erschienen am 3. September 2013 | ATMA Classique

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Handel: Jephtha

Ensemble il capriccio

Classique - Erschienen am 1. November 2013 | K&K Verlagsanstalt

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Handel: Tamerlano, HWV 18

Riccardo Minasi, Il Pomo d'Oro

Classique - Erschienen am 31. März 2014 | naïve classique

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Handel: Music for Queen Caroline

Les Arts Florissants

Classique - Erschienen am 1. Dezember 2014 | harmonia mundi

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Zuerst dröhnen dumpf die Trommeln, dann kommt ein Marsch, und dann stimmen die Sänger den Trauergesang zu Ehren der gestorbenen Königin Caroline an. Händel verwendet die Choralmelodie „Herr Jesu Christ, ich weiß gar wohl“. Es ist einer der schönsten Chöre Händels, könnte in seinem kunstvoll-polyphonen und zugleich erhabenen Tonfall von Bach sein. Der Chor Les Arts Florissants singt himmelsgleich: die Soprane weich und volltönend, die Tenöre eindringlich und die Bässe orgelgleich. Es ist ein Fließen und Tönen in vollkommener klanglicher Harmonie. Wenig später setzen die Lobeshymnen auf die Gestorbene ein. Das vertont Händel in einer leicht beschwingten Weise und in einer fröhlichen Melodie. Les Arts Florissants lassen die Phrasen sehnsüchtig-schön erklingen. Auf dieser CD findet sich auch noch das Krönungs-Anthem („The King Shall Rejoice“) und das Willkommens-Te-Deum für Georg und Caroline. Ersteres lässt Christie nicht im Trompetenpomp ertrinken, sondern formuliert vergleichsweise schlanke Ergebenheitsadressen. Im Te Deum singt der Countertenor Tim Mead die Verse „When Thou Tookst Upon Thee To Deliver Man“ in einem bitteren Klageton, aus dem so etwas wie Märtyrer-Schmerz tönt. Der gerade 70 Jahre alt gewordene William Christie ist ja ein Spezialist für alles Französische. Händel war aber immer seine zweite Passion. Das merkt man auch hier. © Lorber, Richard / www.fonoforum.de
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Handel: Messiah

Emma Kirkby

Classique - Erschienen am 8. April 1991 | Decca Music Group Ltd.

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Recordings like Christopher Hogwood's Messiah are perfect vehicles for the debate of the authentic instrument movement in music. Especially here, since a work as well known to a wide general audience as the Messiah (the recordings of which number in the thousands) will get a number of varied reactions depending upon the performance. Hogwood, although known to many as a "father" (of sorts) to the authentic movement in music, was actually the keyboardist in Neville Marriner's Academy of St. Martin-in-the-Fields before leaving to form his own Academy of Ancient Music. He has done extensive scholarly research into the performance traditions of Baroque music, much of which has permanently altered many long-standing attitudes and traditions in music performance. The question remains, though: does all of this research and application contribute to a finished product that is communicative to an audience? It seems likely, if based only on the impressive cast. Augmenting the Academy's forces are tenor Paul Elliott, contralto Carolyn Watkinson, and sopranos Judy Nelson and Emma Kirkby. The Christ Church Cathedral Choir, Oxford, is equally impressive. For this recording, as is indicated in his extensive and thorough liner notes, Hogwood utilizes the 1754 Foundling Hospital version. Although it may be a surprising change for some listeners accustomed to the more "standard" versions, the re-creation of this performance is important in a number of ways, historically and artistically. But from the opening bars of the overture, the atmosphere feels rushed. Harmonies are not given enough space or time to be heard and to blossom, and the atmosphere feels thin, grainy, cold, and dry. This seems hardly conducive to the rapture, passion, and magnificence depicted in Handel's score. Everything seems too perfect and too pure, too lifeless and too little energy. An additional annoyance is that the balance of the harpsichord seems far above the orchestra, in some cases (the "Glory of the Lord," for instance) even covering the singers when they dip into the lower registers. These complaints are now almost cliché for those who consistently complain of Hogwood's performance style; for better or worse this recording could serve well as evidence. Looking past these issues, however, one can find a number of beautiful moments throughout. It is precisely due to his approach with this music that Hogwood is able to draw some extraordinary changes of color when and where he wants to. For example, the first bars of "and He Shall Purify" are breathtaking; the organ is significantly exposed here for the first time and finally he releases the music in a way that seems to let it unravel. The vocal solos are good throughout, and Kirkby's performance is notable for its suppleness and grace. Keep in mind that this is a re-creative performance, designed to emulate the conditions of the performance at the Foundling Hospital. Unfortunately, in this case it also means that while the sound quality is certainly good, even though the playing and singing are exceptional, the performance itself may not draw you in. Years after its first release, this recording still leaves one cold, and if you desire a warm, emotional, and intimate performance you may do well to look elsewhere. For those who prefer something more austere, though, look no further. © TiVo
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Handel : Partenope

Karina Gauvin

Classique - Erschienen am 6. November 2015 | Erato - Warner Classics

Hi-Res Booklet Auszeichnungen Gramophone Record of the Month - 4 étoiles Classica
Das Libretto von „Partenope“ ist eines der besten, die Händel jemals vertonte, denn die moralische Entwicklung der fünf Protagonisten entspricht genau ihrem Charakter, und die Handlung dieser „seriösen Komödie“ vermeidet jene bisweilen an den Haaren herbeigezogenen Wendungen, mit denen manch andere Barockoper auf ihr „lieto fine“ zusteuert. Auch musikalisch ist alles vom Feinsten. Umso mehr überrascht, dass dieses Werk auf Bühne und Tonträger weit weniger Beachtung findet, als es verdient hätte: Nach Sigiswald Kuijkens verdienstvoller Ersteinspielung (1979) und einem nichtkommerziellen Mitschnitt von Nicholas McGegans Göttinger Aufführung (2001) hatte bislang nur noch Christian Curnyn dieses Werk auf CD vorgestellt (2005). Riccardo Minasis Einspielung übertrifft diese Produktionen insgesamt deutlich, und zwar nicht nur aufnahmetechnisch: Was vor allem bei Curnyn etwas routiniert wirkte, ist hier von innerer Glut und Leidenschaft durchdrungen. Die wesentlichen Kritikpunkte sind die oft zu bissige Artikulation der Streicher, das nervige Geklimpere der beiden Cembalisten und der völlig aus der Luft gegriffene Einsatz einer Viola d’amore in der Schmetterlingsarie „Qual farfalletta“. Ansonsten überzeugen die Musiker mit ihrem sehr guten Augenmaß in der Tempowahl, mit ihrer deutlichen, aber nicht übertriebenen Dramatik und vor allem mit ihrer vokalen Souveränität. Sehr erfreulich ist, dass die Sänger ihr Vibrato gut unter Kontrolle halten, was insbesondere die fast schon betörenden Timbres von Emöke Baráth (Armindo) und Theresa Iervolino (Rosmira) wunderbar zur Geltung kommen lässt. Karina Gauvin gestaltet die Titelrolle kernig und facettenreich, Philippe Jaroussky gibt einen liebenswürdigen Arsace, und auch die beiden kleinen Partien (Emilio und Ormonte) sind mit John Mark Ainsley und Luca Tittoto perfekt besetzt. Als Bonus bietet diese Produktion das alternative Finale von „Partenope“ (Dezember 1730). © Hengelbrock, Matthias / www.fonoforum.de
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Handel : Water Music

Akademie für Alte Musik Berlin

Classique - Erschienen am 5. Februar 2016 | harmonia mundi

Hi-Res Booklet Auszeichnungen 5 de Diapason - 5 Sterne Fono Forum Klassik
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Handel : Arminio

Max Emanuel Cencic

Classique - Erschienen am 12. Februar 2016 | Decca Music Group Ltd.

Hi-Res Booklet Auszeichnungen 5 de Diapason - 4 étoiles Classica
Für einen weiten Teil seiner langen Karriere in den Londoner Theatern präsentierte Händel jede Saison zwei neue bedeutende Werke. In der Saison 1736-1737 hingegen übertraf er sich selbst und  schuf drei völlig neuen Opern: Arminio, Giustino und Berenice. Während des Sommers 1736 erlitt die Opera of the Nobility schwere Rückschläge - zugunsten von Händel, der seine bisher ehrgeizigste Saison in Angriff nahm und ein Repertoire von einem Dutzend Werke, darunter acht verschiedene Opernproduktionen und vier Konzerte, in Covent Garden während der Fastenzeit (und während die Opera of the Nobility für die Öffentlichkeit geschlossen blieb) präsentierte. Armino jedoch spielte er nie und dieses Werk blieb immer eines der am seltensten präsentierten und daher wenig bekannten großen Londoner Dramen. Händel begann am 15. September 1736 mit der Komposition der Musik und schloss das Werk mit der Orchestrierung am 14. Oktober ab. Die Partitur wird hier brillant durch die beiden Kastraten Domenico Annibali in der Titelrolle und Gioacchino Conti in der Rolle seines Schwagers umgesetzt und perfekt durch die Tenöre Max Emanuel Cencic und Vince Yi ergänzt.  Aber auch die anderen Rollen glänzen mit Bravour und sollten zumindest erwähnt werden. Händels Werke holen das bestmögliche aus ihren Interpreten heraus, wovon man sich mit diesem Album ein akustisches Bild machen kann. Das Ensemle Armonia Atena, geleitet von George Petrou, bietet eine hervorragende barocke Grundlage für diese flammenden Stimmen. © SM/Qobuz
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Mitologia - Handel: Arias & Duets

Christiane Karg

Classique - Erschienen am 3. Februar 2017 | deutsche harmonia mundi

Hi-Res Booklet Auszeichnungen 5 de Diapason - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Eine gediegene Händel-Platte ist das, auf konstant hohem Niveau, ohne allerdings mitzureißen. Der Instrumentalstil des im vergangenen Jahr verstorbenen Alan Curtis kleidet Händel in vornehme Farben, behandelt das Ensemble orchestral geschlossen, ohne Ecken und Kanten. So stellt sich bei aller hohen Wertschätzung für die Ausführenden der Eindruck einer gewissen Gleichförmigkeit ein. Christiane Karg erfreut mit ihrer mädchenhaften Art, Romina Bassos schlanker Mezzosopran setzt dazu einen dezenten Gegenakzent. Man kann die Platte wieder und wieder hören, sie bleibt schön. Spannender indes wird sie nicht. © Schmitz, Johannes / www.fonoforum.de
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Handel : 9 Deutsche Arien - Brockes-Passion (Arien)

Ina Siedlaczek

Musique vocale sacrée - Erschienen am 7. April 2017 | audite Musikproduktion

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Die seltene Möglichkeit, Originalkompositionen von Georg Friedrich Händel in deutscher Sprache zu hören, bieten die Neun Deutschen Arien auf Texte von Barthold Heinrich Brockes und die ebenfalls auf dessen Worte entstandene Passion „Der für die Sünde der Welt gemarterte und sterbende Jesus“. Hier ist nicht der auf Klangpracht zielende Händel am Werk, sondern der auf geistliche Innigkeit bedachte. Selbst das Jauchzen ist nicht exaltiert, sondern eher empfindsam konzentriert. Zu diesem Eindruck trägt natürlich sehr stark die Umsetzung durch die Lautten Compagney bei, die in solistischer Besetzung ganz kammermusikalisch musiziert, ohne dabei aber das Primat der Singstimme anzukratzen. Die Aufnahme wurde in der Jesus-Christus-Kirche in Dahlem gemacht, was schon darauf hinweist, dass sakrale Räumlichkeit offenbar nicht angestrebt war, sondern die wohltemperierende Ausgewogenheit der dortigen Akustik wirken sollte. Ebenso vermeidet das Ensemble das überakzentuierte Ausgestalten der Linien, sodass sich die Affekte eher fließend und dezent vermitteln. Auch die Sopranistin Ina Siedlaczek singt auf Linie. Ihre Stimmbehandlung ist Geschmackssache, sie engt die Tongebung etwas ein und erzielt damit einen mädchenhaft-naiven Klang. Verbunden mit einer weitgehenden Verhaftung im Vibratolosen erhält ihr Vortrag aber auch einen Touch Unnatürlichkeit. Musikalisch durchdrungen und klug differenziert gestaltet sie aber allemal. Am Blick in die Noten oder ins Textbuch kommt man jedoch nicht vorbei, um sich die Schönheit der Texte vor allem der Neun Deutschen Arien in Gänze zu erschließen, die in ihrer einfachen bildhaften Sprache eine besänftigende Weisheit vermitteln. In Summe bereitet diese CD ein sanftes Klangvergnügen, das manchmal eine saftigere Theorben-Grundierung vertragen hätte. © Schmitz, Johannes / www.fonoforum.de
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Handel: Ottone, HWV15

Max Emanuel Cencic

Classique - Erschienen am 9. Juni 2017 | Decca Music Group Ltd.

Hi-Res Booklet Auszeichnungen 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice - Preis der deutschen Schallplattenkritik
Man sollte sich nicht vorstellen, dass zu Händels Zeiten eine Oper ein endgültiges Produkt war, das in Stein geätzt wurde, und dessen Partitur eine Art Heiliger Gral war, der keine Manipulation erleiden dürfte, sei sie auch so minimal. In dieser Hinsicht ist Händels Ottone ein sehr gutes Beispiel. Der Entstehungsprozess von dieser Oper war ausgesprochen kompliziert und von umfangreichen Änderungen geprägt, die wahrscheinlich auf Händels Zusammenarbeit mit der berühmten Prima donna Francesca Cuzzoni zurückgehen, die im Dezember 1722 — knapp zwei Wochen vor der Uraufführung — in London einreiste und sofort anfing, sopranistischen Einspruch einzulegen. Sie lehnte mehrere ihrer Arien ab, sodass Händel sie durch völlig neue Musikstücke ersetzten musste. John Mainwaring erwähnt in seiner 1760 erschienenen Biografie des Komponisten, wie die Cuzzoni es abgelehnt hatte, die Arie Falsa imagine zu singen. „Oh! Madame“, hätte ihr Händel auf Französisch entgegengeschossen, „Ich weiß sehr wohl, dass Sie eine wahre Teufelin sind, doch Sie werden noch sehen, dass ich der Beelzebub — der größte Teufel von allen — bin“, und mit diesen Worten packte er sie um die Hüfte, hob sie hoch und schwor, er werde sie aus dem Fenster werfen, sollte sie noch ein Wort sagen. Da muss man trotzdem hinzufügen, dass die zahllosen Änderungen, die der Komponist bei der Ausarbeitung der Oper vornahm, sich keinesfalls auf Cuzzonis Rolle beschränkten. Er vollendete insgesamt elf Arien und ein Duett, die er aber vor der ersten Aufführung verwarf und durch andere Musik ersetzten musste. Zudem überarbeitete er andere Arien in beträchtlichem Ausmaß. Niemand weiß, welche Änderungen er selbst aus künstlerischen Gründen vornahm und welche davon Kompromisse waren, um seine launischen Sänger und Sängerinnen zufriedenzustellen. Nachdem Händel schon bei der Komposition und Ausarbeitung der Oper Szenen abgeändert und umfangreiche Streichungen und Ersetzungen vorgenommen hatte, setzte er sogar weitere zum Zeitpunkt der Uraufführung um, noch während der ersten Vorstellungsreihe. Überdies ersetzte und ergänzte er mehrere Arien für die zwölfte Vorstellung, die wegen der Fastenzeit erst nach fünf Wochen Pause im März 1723 stattfinden konnte. Die Frage stellt sich also: wie genau sollte Ottone aussehen? Für die vorliegende Aufnahme wurde die vollständige Fassung der Uraufführung nachgestellt, aber es sind auch Erweiterungen zu zwei Szenen eingearbeitet, die Händel für eine Vorstellung zu Cuzzonis Gunsten umgeschrieben hatte. Als besondere Zugabe sind dieser Aufnahme drei neue Arien beigefügt, die Händel zur Wiederaufführung der Oper im Jahr 1726 komponierte: hier hat man also einen sehr vollständigen Ottone. Und all diese zusätzliche Musik erlaubt es dem Zuhörer noch mehr schön gesungene Arien zu genießen, insbesondere von dem Kontratenor Max Cencic und der Sopranistin Lauren Snouffer, die vor 240 Jahren von der Cuzzoni gesungenen Rolle übernimmt. Es spielt das Ensemble Il pomo d’oro – auf Originalinstrumenten – unter der Leitung von George Petrou. © SM/Qobuz
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The Handel Album

Philippe Jaroussky

Classique - Erschienen am 6. Oktober 2017 | Warner Classics

Hi-Res Booklet Auszeichnungen 5 de Diapason
Für dieses Rezital hat Philippe Jaroussky eine Reihe von Arien aus Opern zusammengestellt, die dem breiten Publikum weniger bekannt sind: "Siroe", "Riccardo primo", "Flavio", "Tolomeo" und viele andere, die zwischen 1715 und 1740 für die Londoner Oper komponiert wurden. Gemeinsam mit seinem Ensemble Artaserse, das nach Jaroussky in den letzten Jahren durch viele Konzerte auf der ganzen Welt eindeutig an Reife gewonnen hat, setzt sich der Kontratenor auch mit dem Repertoire der Kastraten auseinander. Denn seit es die kleine Operation nicht mehr gibt, interpretieren die Sänger, die deren Rollen übernehmen, Arien, die nicht für sie geschrieben wurden und müssen sich anpassen. Nun kam es vor, dass Händel selbst, wenn er eine Oper mit einer ganz neuen Besetzung einstudieren musste, manchmal ganze Rollen transponierte, um sie für die neuen Sänger anzupassen. Jaroussky hat sich entschlossen, es ihm gleich zu tun. Denn bestimmte Arien, die zu seiner Stimme gut passen würden, liegen in der Originalversion nicht unbedingt in der richtigen Tonart vor. Wie auch immer, die Erkundung Händel’scher Raritäten hat dieses ausgezeichnetes Ergebnis gebracht - abwechselnd virtuos und reich an Koloraturen, introvertiert und erzählerisch, lyrisch oder explosiv. Das Artaserse-Ensemble spielt ohne Dirigenten. Jaroussky gibt selbst mit dem Klang seiner Stimme den Ton an. © SM/Qobuz
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Händel

Hille Perl

Classique - Erschienen am 6. Oktober 2017 | Sony Music Classical Local

Hi-Res Booklet Auszeichnungen 5 Sterne Fono Forum Klassik
Das Zusammentreffen der stets ein wenig schüchtern wirkenden Dorothee Mields mit der Gambistin Hille Perl, die sich sehr viel extrovertierter oder wenigstens unkonventioneller gibt, verspricht interessante Hörerlebnisse. Dies umso mehr, als sich beide nun auf ein eher selten präsentiertes Repertoire aus der Feder Georg Friedrich Händels konzentrieren: die Kantate. Inbegriffen ist hier die einzige Kantate Händels auf einen spanischen Text, bei der die spanische Gitarre eingesetzt wird – eine schöne Gelegenheit für Lee Santana, dem allerdings auch andernorts durchaus signifikante Aufgaben zuwachsen. Für einen Gambisten sicherlich am interessantesten im Vokalœuvre Händels ist die einleitende Kantate „Tra le fiamme“, die von Händel originär mit einem sehr flexiblen und variablen Part für dieses Instrument bedacht wurde. Hier zeigt sich vielleicht am deutlichsten, wie gut Dorothee Mields und Hille Perl zusammenpassen. Mit nobler Geste und völlig unangestrengt gestaltet Erstere ihren Gesangspart und wird dabei teilweise vom energischen, den Text instrumental verdeutlichenden Spiel der zweiten unterstützt. Das gelingt wunderbar, ohne dass Abstriche gemacht werden müssten. Selbst die wenigen Rezitativtakte über „Si, si purtroppe è vero“ profitieren vom expressiven Spiel Hille Perls. Auch wenn es fast bedauerlich ist, dass die Sängerin bei den Instrumentalstücken außen vor bleiben muss, so setzen diese doch ebenfalls Akzente, auf die man nicht gerne verzichten würde. Die Interpretation der Gambensonate in g-Moll bleibt dabei noch im durchaus konventionellen Rahmen. In der beschließenden Chaconne in G-Dur hingegen wird der Spielfreude aller Instrumentalisten größerer gestalterischer Raum zugestanden. Mit der instrumentalen Bearbeitung einer Arie („Col partir la bella Clori“) müsste Hille Perl eigentlich auch jenseits der Klassik-Grenzen einen veritablen Hit landen. © Emans, Reinmar / www.fonoforum.de
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Händel

Hille Perl

Classique - Erschienen am 6. Oktober 2017 | Sony Music Classical Local

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Das Zusammentreffen der stets ein wenig schüchtern wirkenden Dorothee Mields mit der Gambistin Hille Perl, die sich sehr viel extrovertierter oder wenigstens unkonventioneller gibt, verspricht interessante Hörerlebnisse. Dies umso mehr, als sich beide nun auf ein eher selten präsentiertes Repertoire aus der Feder Georg Friedrich Händels konzentrieren: die Kantate. Inbegriffen ist hier die einzige Kantate Händels auf einen spanischen Text, bei der die spanische Gitarre eingesetzt wird – eine schöne Gelegenheit für Lee Santana, dem allerdings auch andernorts durchaus signifikante Aufgaben zuwachsen. Für einen Gambisten sicherlich am interessantesten im Vokalœuvre Händels ist die einleitende Kantate „Tra le fiamme“, die von Händel originär mit einem sehr flexiblen und variablen Part für dieses Instrument bedacht wurde. Hier zeigt sich vielleicht am deutlichsten, wie gut Dorothee Mields und Hille Perl zusammenpassen. Mit nobler Geste und völlig unangestrengt gestaltet Erstere ihren Gesangspart und wird dabei teilweise vom energischen, den Text instrumental verdeutlichenden Spiel der zweiten unterstützt. Das gelingt wunderbar, ohne dass Abstriche gemacht werden müssten. Selbst die wenigen Rezitativtakte über „Si, si purtroppe è vero“ profitieren vom expressiven Spiel Hille Perls. Auch wenn es fast bedauerlich ist, dass die Sängerin bei den Instrumentalstücken außen vor bleiben muss, so setzen diese doch ebenfalls Akzente, auf die man nicht gerne verzichten würde. Die Interpretation der Gambensonate in g-Moll bleibt dabei noch im durchaus konventionellen Rahmen. In der beschließenden Chaconne in G-Dur hingegen wird der Spielfreude aller Instrumentalisten größerer gestalterischer Raum zugestanden. Mit der instrumentalen Bearbeitung einer Arie („Col partir la bella Clori“) müsste Hille Perl eigentlich auch jenseits der Klassik-Grenzen einen veritablen Hit landen. © Emans, Reinmar / www.fonoforum.de
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Handel : Concerti a due cori

Freiburger Barockorchester

Musique de chambre - Erschienen am 9. Februar 2018 | harmonia mundi

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Anlässlich der Uraufführung seines Oratoriums Joshua in Covent Garden im Jahr 1748 hat Händel das erste seiner drei Concerto a due cori HWV 332 komponiert – oder vielmehr arrangiert. „Cori“ steht hier nicht für Vokalensemble, sondern für eine Gruppe von Instrumentalisten, in diesem Fall jeweils zwei Oboen, zwei Hörner und ein Fagott, also zehn Solisten insgesamt, die sich über dem von Streichern geschaffenen Klangteppich gegenseitig antworten. Zu der damaligen Zeit war es üblich, die Aufführung großer Werke, Oratorien oder Opern, mit rein instrumentalen Werken zu bereichern. Aber Händel war ein vielbeschäftigter Mensch und ein erstklassiger Geschäftsmann; so viel Musik auf einmal zu schreiben, war nicht gerade eine leichte Aufgabe. So erklärt sich die große Anzahl instrumentaler Werke, die durch Recycling – Transkription, Transposition, Neuinstrumentierung, sogar Plagiat, alle Möglichkeiten standen offen – bestehender Stücke entstanden sind, oft seiner eigenen, manchmal auch der anderer Komponisten, die darüber nicht unbedingt informiert wurden. Im Fall des Ersten Concerto, hat Händel nur aus seinem eigenen Repertoire geschöpft, insbesondere aus seinen Opern und Oratorien. Das Zweite Concerto HWV 333, das um 1747 entstanden ist, wurde zum ersten Mal 1748 in Covent Garden zusätzlich als Uraufführung des Oratoriums Alexander Balus dargeboten. Der Komponist hat dafür drei seiner eigenen Oratorien als Quelle verwendet, darunter Esther und Der Messias, der damals noch nicht so berühmt war. In der Überarbeitung übernimmt die Bläsergruppe Partien, die ursprünglich für Sänger oder den Chor gedacht waren. Für das Dritte Concerto HWV 334 schließlich hat Händel fast nichts wiederverwertet – fast alles ist neu! – nur der erste Satz, für den er die sogenannte Fitzwilliam-Ouverture umgeschrieben hat und das Allegro-Finale, das eine Jagdarie aus seiner Oper Partenope wiederaufnimmt. Für diese Aufnahme haben sich die Musiker des beispielhaften Freiburger Barockorchesters etwas Besonderes ausgedacht: Die beiden Solistenensembles werden jeweils von einem eigenen Streichorchester begleitet, wodurch ein beeindruckender Stereoeffekt entsteht. Das eine der beiden Orchester wird von Gottfried von der Goltz an der Geige, das andere – ebenfalls nach alter Art von der ersten Geige aus – von Petra Müllejans geleitet. © SM/Qobuz
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Handel : Serse

Franco Fagioli

Classique - Erschienen am 2. November 2018 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Booklet Auszeichnungen Gramophone Editor's Choice - 5 étoiles de Classica
Nachdem „Ombra mai fu“ verklungen ist, gesungen von Franco Fagioli in einem feinen Vibrato, wie es sonst nur den besten Mezzosopranistinnen zu Gebote steht, fackelt und lodert es in dieser Oper bis zum Schluss, bis zu Serses berühmter Wutarie „Crude furie“, die Fagioli mit atemberaubender Virtuosität hinschmettert. Wer diese beiden Arien so darbieten kann, ist über jeden Zweifel erhaben, auch wenn man seine Stimme in den anderen Nummern vielleicht als etwas eng empfindet. In diesem vorwärtsdrängenden Impetus befinden sich auch die anderen Rollen, etwa Romilda, Serses Objekt der Schwärmerei, in „È gelosia“, wo sie über Eifersucht zunächst nur nachdenken wollte, statt sich, wie Inga Kalna es tut, dieser heftigen Empfindung vollständig auszuliefern. Oder Vivica Genaux als Serses Gegenspieler Arsamene: Sie verleiht ihrer Stimme in „Amor tiranno“ einen geradezu männlichen Klang, was hier nicht unpassend ist. Händels „Serse“ ist eine komische Oper, auch und vor allem durch das kokette Gebaren von Romildas Schwester Atalanta. Aber auch Francesca Aspromonte singt meist mit opernhaftem Pathos. Da freut man sich, wenn man sie in „Dirà che amor“ stattdessen in einer beiläufigen Fröhlichkeit hört. Oder wenn Delphine Galou als die von Serse verschmähte Amastre in „Cagion son io“ einmal nicht Wut und Empörung Raum gibt, sondern ihrer Melancholie in einer sanft schwingenden Melodie. Man erlebt Händels Oper hier in einer durchaus ungewöhnlichen Interpretation, mehr in Richtung Opera seria mit großer Emphase und existenziellen Konflikten, weniger mit Galanterie und Komödie. Dazu trägt der höchst versierte Cembalist Maxim Emelyanychev bei, der mit dem Ensemble Il Pomo d’oro in schönster Präzision und selbstbewusster Spielfreude jedesmal kräftige Ausdrucksakzente in den Arien setzt. © Lorber, Richard / www.fonoforum.de