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Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

1036 albums triés par Meilleures ventes et filtrés par 20,00 € à 50,00 €
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Jazz - Paru le 22 novembre 2019 | Craft Recordings

Hi-Res
En 1954, Chet Baker est élu trompettiste de l'année par la presse jazz américaine. Dans son autobiographie, Miles Davis écrira : « Je crois qu'il savait qu'il ne le méritait pas plus que Dizzy ou beaucoup d'autres… Mais il savait aussi bien que moi qu'il m'avait beaucoup copié. » Quoi que Miles ait pu dire ou écrire, le nom de Chet Baker est bien sur toutes les lèvres au milieu de cette décennie 50. Installé à Los Angeles, le musicien à la gueule d’ange a imposé son style aux côtés des plus grands, jouant notamment avec Charlie Parker, Gerry Mulligan et Russ Freeman. En 1958, il signe un contrat de quatre albums avec Riverside, label new-yorkais fasciné par ce son cool de la côte ouest dont il est alors l’un des artisans. Le coffret The Legendary Riverside Albums, paru à l’automne 2019, zoome sur ces sessions essentielles, montrant un musicien plus versatile qu’il n’y paraît, magnifiant le style cool de Californie mais capable aussi de croiser le fer avec les maîtres du hard bop de la côte est. En plus de ces quatre albums remastérisés en Hi-Res 24-Bit, il réunit sur un cinquième disque de nombreuses prises alternatives de ces sessions.Premier de ces quatre albums, publié en octobre 1958, (Chet Baker Sings) It Could Happen to You souligne l’originalité de sa démarche qui dépoussière à sa manière des standards comme How Long Has This Been Going On ? ou Old Devil Moon. Contrairement à son associé Bill Grauer, le producteur Orrin Keepnews fut d’abord réticent à accueillir Chet Baker sur son label, et ne produira donc pas ce premier disque. Encadré par Kenny Drew au piano, George Morrow et Sam Jones à la contrebasse et Philly Joe Jones et Dannie Richmond à la batterie, le chant de Chet épatera pourtant Keepnews. Comme le prolongement de son instrument, Chet Baker innove face aux canons vocaux de l’époque. Un style bien à lui qui confirme sa singularité et confirme son statut…Un mois plus tard, il retourne en studio pour préparer Chet Baker in New York, qui paraîtra en 1959 avec Johnny Griffin au saxophone, Al Haig au piano et Paul Chambers à la contrebasse. Le niveau monte d’un cran et chaque sideman s’applique à dérouler des solos sobres et d’une rare justesse sur des ballades langoureuses comme Polka Dots and Moonbeams ou des thèmes nettement plus uptempo comme le pétillant Hotel 49. Sans doute le plus impressionnant du lot, l’album Chet, enregistré le 30 décembre 1958 et le 19 janvier 1959, réunit cette fois le pianiste Bill Evans, le guitariste Kenny Burrell, le flûtiste Herbie Mann et le saxophoniste Pepper Adams. Le son de Chet atteint un zénith de langueur et son jeu incorpore comme jamais l’espace, donnant une sensation impressionniste inédite. Les phrases merveilleuses d’Evans font corps avec celles de Chet. Dès les premières secondes d’Alone Together, qui ouvre ce chef-d’œuvre à la pochette sublime (Chet avec la mannequin Rosemary "Wally" Coover, photographié par Melvin Sokolsky), ce décor aussi sensuel qu’épuré impose sa modernité. Enregistré en juillet de cette même année 1959, Chet Baker Plays the Best of Lerner & Loewe boucle cette parenthèse Riverside avec des reprises tubes concoctés pour Broadway par le parolier Alan Jay Lerner et le compositeur Frederick Loewe pour des comédies musicales comme My Fair Lady, Gigi, Brigadoon et Paint Your Wagon. Bill Evans, Pepper Adams et Herbie Mann sont à nouveau là, rejoints par le saxophoniste Zoot Sims. Là encore, avec un répertoire très typé, Chet Baker réalise un tour de passe-passe esthétique d’une classe folle, des relectures filtrées par la mélancolie de son phrasé. © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Paru le 26 septembre 1969 | UMC (Universal Music Catalogue)

Hi-Res
Le testament. Le chapitre final. Abbey Road, qui paraît en septembre 1969, est bien le dernier véritable épisode discographique de la saga Beatles – Let It Be, qui sortira en mai 1970 ayant été enregistré antérieurement. Un adieu qui magnifie l'art de la composition, la maîtrise mélodique et les équilibres harmoniques malgré les dissensions entre John, Paul, George et Ringo. Une fois encore la palette est large, qu’il s’agisse de ballades bouleversantes ou de titres nettement plus percussifs (Come Together). Abbey Road rappelle aussi que derrière le tutélaire tandem Lennon/McCartney, George Harrison (Here Comes the Sun et Something) et Ringo Starr (Octopus's Garden) ne sont pas là pour faire de la figuration…Pour ses 50 ans, Abbey Road bénéficie du traitement Super Deluxe Edition. Une version 2019 portée par un nouveau mix signé Giles Martin (le fils du producteur George Martin, le « cinquième » Beatles) qui, dans sa version Hi-Res 24 bits 96.0 kHz, offre une ampleur sonore inédite. Cette réédition est évidemment accompagnée d’une vingtaine de démos et de prises alternatives, idéales pour détailler le processus de création des chansons. Sur Sun King par exemple, il est fascinant de comparer l’évolution de l’instrumentation choisie pour la prise proposée dans les bonus avec celle de la version finale. Les fans hardcore du groupe apprécieront… Ce chef-d’œuvre, comme son succès (c’est l’album des Beatles le plus vendu dès sa sortie, plus de 30 millions d’exemplaires !), n’empêchera pourtant pas les Fab Four de mettre fin à leur union. Un divorce officialisé en avril 1970. Et dire que le plus influent des groupes de toute l’histoire du rock’n’roll n’aura finalement passé que sept petites années en studio… © Marc Zisman/Qobuz
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Classique - Paru le 15 novembre 2019 | Alpha

Hi-Res Distinctions Qobuzissime
Ce dernier volet d’un triptyque intelligent et équilibré mérite bien un Qobuzissime ! Voilà quelques années qu’on suit le duo noble mais décontracté formé par le violoniste Lorenzo Gatto et le pianiste Julien Libeer. Le tandem belge a clos son intégrale des sonates pour violon et piano de Beethoven. Il y a beaucoup de spontanéité dans cette intégrale, mais cette fraîcheur n’est pas synonyme de désinvolture. Au contraire, fruit d’un travail réfléchi, elle s’épanouit à la façon d’un passionnant roman en trois chapitres. Le premier volume s’ouvrait comme un lever de rideau sur le monument Beethoven avec l’emblématique sonate dite à Kreutzer, une partition musclée qui déjoue les attentes du genre. La véhémence dramatique de son premier mouvement, lent et mineur, contraste avec la douceur du deuxième et confirme que la sonate est bien une partition pour deux instruments égaux et non un faire-valoir du seul piano, ici un Steinway. Le second délimitait les bornes d’un genre en expansion. De la première à la dernière sonate, en passant par la plus populaire, surnommée Le Printemps, on assiste à l’amplification générale des moyens. De l’Opus 12 à l’Opus 96, la forme s’élargit, les difficultés techniques s’accumulent et le divertissement laisse place à une rhétorique énergique. Pour ce deuxième album, le duo a choisi la puissance brillante du piano à cordes parallèles de Chris Maene. L’instrument donne la résonance nécessaire à leur lecture tantôt franchement piquante, tantôt tendrement subtile de ces partitions. Le troisième encadre l’éclat du Steinway (Sonates 6 et 7) du plus ample piano Maene (Sonates 3 et 8) et se consacre aux œuvres nées alors que la surdité du compositeur s’installe. Paradoxalement, ce cauchemar du compositeur a fait notre bonheur. Combinaisons variées des timbres, caractères et styles constamment renouvelés, autant d’inventions que Gatto et Libeer déclinent tout au long du cycle. Notre récompense éclaire rétrospectivement les deux premiers jalons d’une aventure qui a vaillamment tenu ses promesses. Une intégrale de référence à connaître et à faire connaître ! © Elsa Siffert/Qobuz
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Classique - Paru le 15 novembre 2019 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res
Sous l'intitulé Piano Book, Lang Lang compile une sélection des plus grands tubes de la musique pour piano depuis Bach. Il débute sa rétrospective par le morceau dans lequel s'immerge tout apprenti débutant à cet instrument, le Prélude en ut majeur du Premier Livre du Clavier bien tempéré (BWV 846/1) de J. S. Bach, page en arpèges intégralement écrits qui permet de travailler sur la régularité des doigts, la précision des articulations, en même temps que l'étagement clair des harmonies. Le pianiste chinois enchaîne naturellement sur un second morceau de choix, la Lettre à Elise de Beethoven, pièce qui devient plus intéressante dès lors qu'on la replace dans le corpus entier des Bagatelles - certes pas le sujet ici. Lang Lang ira ensuite chez Mendelssohn (La Fileuse), Chopin (15e Prélude de l'Opus 28), Mozart (l'Allegro initial de la Sonate "Facile" ou les Variations "Ah, vous dirai-je Maman". Du répertoire moins couru aussi, dû à Badarzewska-Baranowska, Czerny ou Clementi. Et quelques classiques chinois, ou traditionnels de tous horizons, dans divers arrangements. Lang Lang semble prendre un plaisir particulier, énorme, dans la musique française, et plus particulièrement celle de Debussy où il profite des retards, marque les basses, et veut chanter à gorge déployée (Doctor Gradus ad Parnassum). À chacun de savoir si cela est de son goût. © Qobuz
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Rock - Paru le 22 novembre 2019 | Legacy Recordings

Hi-Res
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Rap - Paru le 21 juin 2019 | Universal Music Division Polydor

Hi-Res
Nekfeu la joue mélancolique sur ce troisième album. Désabusé par le succès, au bord de la dépression en France (suite à des problèmes de labels et d’amour) et bloqué sur une feuille blanche, il s’est envolé pour le Japon, les Etats-Unis et la Grèce (son pays d’origine), dans le cadre du tournage de son film documentaire racontant l’histoire du nouvel album, diffusé juste avant sa sortie. A la fin du dernier morceau de son précédent disque Cyborg, on entendait une voix japonaise nous invitant à Tokyo. Elle est reprise le long de ce nouvel opus et installe un fil rouge narratif. Il invite d’ailleurs en featuring la chanteuse japonaise Cristal Kay sur le morceau Pixels et même Vanessa Paradis sur le plus pop Dans l’univers. Parmi les autres guests, on trouve un morceau aérien avec Damso sur Tricheur, ou un titre plus technique avec Alpha Wann sur Compte les hommes, à la sauce de leur ancien groupe en commun 1995. Touche originale, dans Voyage léger, il convie la star du rap français Niska, connu pour ses gimmicks délirants, non pas pour un couplet mais uniquement pour les backs, ce qui a fait son petit effet sur les réseaux sociaux. Au final, Nekfeu sort un solide 18 titres, qui se révèle assez varié entre rap dur (Étoiles vagabondes, Ciel noir) et morceaux plus chantés (Dans l’univers, Alunissons), pour un public toujours plus brassé. © Armand Dupont/Qobuz
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Rock - Paru le 8 novembre 2019 | Rhino - Elektra

Hi-Res
Ann Arbor, à deux jets de pierre de Detroit. C'est là qu'a décollé l’aventure Stooges. Une cité industrielle ne peut qu'enfanter un rock agressif comme une machinerie d'usine. La première secousse sismique de ces Stooges, qui retentit au cœur de l’été 1969, sera donc la bande originale des Temps modernes et de la révolte qu'elle ne peut que susciter. Armées de pédales wah-wah et de fuzz déglinguées, les guitares de Ron Asheton tranchent dans le gras, la rythmique préhistorique de son frère Scott et de Dave Alexander martèle et le Caruso saurien de seulement 22 ans – James Osterberg alias Iggy Pop – ne peut qu'appeler à la rébellion. Le conflit vietnamien s'enlise, la jeunesse américaine s’emmerde (No Fun à tous les étages) et l'Iguane et ses Crétins se vautrent dans un génial manifeste nihiliste, sorte de garage rock chamanique porté par les hymnes I Wanna Be Your Dog, 1969 et No Fun. Ce premier uppercut des Stooges d’Iggy est produit par John Cale, qui a quitté le Velvet Underground l’année précédente. Ce disque ose même quelques expériences chimiques comme les dix minutes de We Will Fall emmêlées dans le violon ivre de Cale, justement. Et dire que l’épisode suivant, Fun House, sera encore plus apocalyptique...Cette grandiose édition deluxe célébrant le demi-siècle de The Stooges comprend l’album studio original enfin disponible en Hi-Res 24Bit ainsi que de nombreuses prises alternatives (dont sept totalement inédites en digital) et surtout le premier mix de John Cale rejeté à l’époque par le label Elektra. Il fut en fait publié pour la première fois en 2010 mais à une vitesse plus lente que prévu. Dans cette 50th Anniversary Deluxe Edition de 2019 tout rentre dans l’ordre ! Bref, les 50 bougies de ce chef-d’œuvre électrique ne pouvaient être soufflées dans de meilleures conditions. © Marc Zisman/Qobuz
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Jazz - Paru le 25 octobre 2019 | ACT Music

Hi-Res Livret
En mai 2018, le label ACT publiait un impressionnant double album live inédit du trio E.S.T. pour rendre hommage à Esbjörn Svensson, disparu dix ans plus tôt dans un accident de plongée à 44 ans. Également inédit, le présent Live in Gothenburg célèbre lui aussi la cohésion entre le pianiste suédois et ses complices Dan Berglund à la contrebasse et Magnus Öström à la batterie… La scène fut le terrain de prédilection de ces trois-là comme en attestaient déjà deux autres enregistrements publics, Live ‘95 sorti en 2001 et Live in Hamburg publié en 2007. Capté le 10 octobre 2001, ce show suédois offre essentiellement des compositions extraites de leurs albums d’alors, From Gagarin’s Point of View (1999) et Good Morning Susie Soho (2000). Certes déjà très populaire, la formation n’avait pas atteint sa notoriété maximale et son univers se transformait encore par petites touches. Esbjörn Svensson intègre l’espace et les silences avec une délicatesse qui lui est propre. Surtout, l’évidente filiation avec Keith Jarrett n’est jamais un frein à sa créativité. On sort de ce Live in Gothenburg juste frustré de ne pas savoir comment un trio aussi impressionnant aurait évolué au fil du temps… © Max Dembo/Qobuz
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Classique - Paru le 18 octobre 2019 | Decca (UMO) (Classics)

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Rock - Paru le 26 mai 1967 | UMC (Universal Music Catalogue)

Hi-Res Distinctions Discothèque Idéale Qobuz
Comment faire mieux que Revolver ? En signant Sergent Pepper's Lonely Hearts Club Band, pour beaucoup, le plus grand disque de pop et de rock de tous les temps. Pour ne pas dire l’une des œuvres d’art les plus marquantes de la culture populaire de la seconde moitié du XXe siècle… Après avoir découvert les possibilités sans fin que leur offraient le studio d’enregistrement, John, Paul, George et Ringo poursuivent ici leurs folles expériences. Plus cinquième Beatles que jamais, le producteur George Martin déroule un tapis de trouvailles qui influenceront la pop à venir. Lorsque ce huitième opus studio parait en juin 1967, l’heure est évidemment au psychédélisme tous azimuts et cet album-concept est un vrai trip hallucinatoire (pas seulement pour Lucy In The Sky With Diamonds). A l’image du patchwork de sa mythique pochette, Sergent Pepper's brasse de la pop pure, du rock’n’roll viril, des séquences totalement planantes, des escales presque world, de la chanson rétro, des comptines pour enfants, des bruits d’animaux et même de la musique classique ! Côté composition enfin, le tandem Lennon/McCartney est au sommet de son art, livrant de nouvelles chansons toujours aussi influentes. Cette édition du 50e anniversaire propose l’album entièrement remixé par Giles Martin, le fils de, ainsi que des prises alternatives. De quoi exciter les fanatiques des Fab Four bien évidemment mais aussi de quoi laisser un brin perplexe les puristes car, il est bon de le rappeler, la vraie version originale de ce monument a été conçue et pensée par les Beatles et George Martin non pas en stéréo mais en mono… © MZ/Qobuz
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Classique - Paru le 11 octobre 2019 | Ricercar

Hi-Res Livret
Royalement ouverte par Jordi Savall, la connaissance de la musique de Marin Marais est désormais au répertoire de tous les violistes. Avec elle, c’est toute la mélancolie du XVIIe siècle finissant qui est représentée par les très nombreuses pièces composées par Marais pour la Chambre du roi, dont il avait la charge. Le Deuxième Livre de pièces de viole présenté dans ce nouvel album, enregistré entre 2015 et 2018, date de 1701, période largement postérieure à la mort du surintendant Lully et correspondant aux tristes années de fin du règne de Louis XIV, devenu alors austère et bigot. Dans ce Deuxième Livre, Marin Marais dresse tout un catalogue de l’âme humaine et rend un émouvant hommage à ses maîtres disparus, Lully et Jean de Sainte-Colombe. Très volumineux, ce Deuxième Livre comporte pas moins de 142 pièces ordonnées par tonalité, permettant aux musiciens de constituer des suites à leur gré. L’esprit général est à la grandeur et au monumental avec des harmonies quelquefois très osées, comme si Marin Marais voulait en imposer à ses jeunes concurrents dans le petit monde parisien de la viole de gambe. François Joubert-Caillet à la viole règne sur l’ensemble belge L’Achéron, constitué d’une basse de viole et d’un riche continuo formé par une harpe, un théorbe, une guitare et un clavecin. © François Hudry/Qobuz
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Rock - Paru le 1 juin 1967 | UMC (Universal Music Catalogue)

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Comment faire mieux que Revolver ? En signant Sergent Pepper's Lonely Hearts Club Band, pour beaucoup, le plus grand disque de pop et de rock de tous les temps. Pour ne pas dire l’une des œuvres d’art les plus marquantes de la culture populaire de la seconde moitié du XXe siècle… Après avoir découvert les possibilités sans fin que leur offraient le studio d’enregistrement, John, Paul, George et Ringo poursuivent ici leurs folles expériences. Plus cinquième Beatles que jamais, le producteur George Martin déroule un tapis de trouvailles qui influenceront la pop à venir. Lorsque ce huitième opus studio parait en juin 1967, l’heure est évidemment au psychédélisme tous azimuts et cet album-concept est un vrai trip hallucinatoire (pas seulement pour Lucy In The Sky With Diamonds). A l’image du patchwork de sa mythique pochette, Sergent Pepper's brasse de la pop pure, du rock’n’roll viril, des séquences totalement planantes, des escales presque world, de la chanson rétro, des comptines pour enfants, des bruits d’animaux et même de la musique classique ! Côté composition enfin, le tandem Lennon/McCartney est au sommet de son art, livrant de nouvelles chansons toujours aussi influentes. Cette édition du 50e anniversaire propose l’album entièrement remixé par Giles Martin, le fils de, ainsi que des prises alternatives. De quoi exciter les fanatiques des Fab Four bien évidemment mais aussi de quoi laisser un brin perplexe les puristes car, il est bon de le rappeler, la vraie version originale de ce monument a été conçue et pensée par les Beatles et George Martin non pas en stéréo mais en mono… © MZ/Qobuz
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Musique vocale (profane et sacrée) - Paru le 8 novembre 2019 | harmonia mundi

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Il est difficile d’imaginer la stupeur ressentie par les mélomanes anglais en découvrant la voix d’Alfred Deller au sortir de la guerre. À cette époque, la voix de contre-ténor avait disparu depuis plus de deux siècles, engloutissant dans le même oubli tout un répertoire. Surgie soudainement du passé, cette voix magique semblait presque surnaturelle. Elle était aussi celle d'un musicien exceptionnel, d'une expressivité naturelle qui savait toucher le cœur, toujours dans le respect du texte. Un public plus large va découvrir l’art d’Alfred Deller dès la fin des années 1960 avec l’entrée du chanteur et de son ensemble dans le catalogue du label harmonia mundi. C’est à la suite d’un concert du Deller Consort en Avignon en 1967, que Bernard Coutaz, le fondateur du célèbre label français, propose une collaboration à Alfred Deller. Les deux hommes sympathisent aussitôt et leur collaboration débute peu après avec un premier récital consacré à des madrigaux et des pièces sacrées de Carlo Gesualdo. L’achat par Deller d’une vieille ferme dans le Lubéron vient renforcer cette amitié avec la fondation d’une académie de musique ancienne (une des premières en France) dans la merveilleuse abbaye de Sénanque et à Lacoste – avec le soutien d’harmonia mundi. Dans la dernière partie de sa carrière, Alfred Deller va donc pouvoir graver, dans d’excellentes conditions sonores et techniques, les œuvres majeures de Purcell qu’il chantera et dirigera. À soixante-cinq ans passés, Alfred Deller donne le meilleur de lui-même dans ses ultimes enregistrements interrompus par sa mort subite, à la suite d’une crise cardiaque survenue au cours d’une tournée, le 16 juillet 1979 à Bologne. Ce célèbre legs purcellien reparaît aujourd’hui sous la forme d’un coffret « collector » de sept CD ou dans une luxueuse version en cinq vinyles en édition limitée et en cinq CD pour la version numérique. Qobuz vous les propose dans une édition Hi-Res Audio d’une grande qualité sonore, sous le titre générique « The Voice of Purcell » — compositeur de prédilection jamais quitté — à l’occasion des quarante ans de la disparition d’Alfred Deller, après un méticuleux travail de remastérisation d’après les bandes originales qui redonne toute leur splendeur aux prises de son. Des références reprenant chacun des LP originaux existent aussi par ailleurs, également en Hi-Res. © François Hudry/Qobuz
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Rock - Paru le 22 octobre 2012 | Rhino - Elektra

Hi-Res Distinctions Hi-Res Audio
Un orgue ovni, une basse maousse et cette voix chamanique porteuse d’une poésie inédite pour son temps : les Doors resteront comme l’un des groupes les plus à part de l’histoire du rock. Une musique sauvage et nourrie aussi bien de rock’n’roll que de blues, de rhythm’n’blues et même de jazz sur laquelle le charismatique Jim Morrison surfera tel un ange halluciné et hallucinant. Cette intégrale réunit les huit albums studio du groupe: The Doors (1967), Strange Days (1967), Waiting For The Sun (1968), The Soft Parade (1969), Morrison Hotel (1970), L.A. Woman (1971), Other Voices (1971) et Full Circle (1972). Tous les albums ont été remastérisés et sont ici présentés en Qualité Hi-Res 24-Bit. © CM/Qobuz
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Variété francophone - Paru le 1 janvier 2014 | Universal Music Division Mercury Records

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Intégrales d'opéra - Paru le 16 juin 2017 | Warner Classics

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - Discothèque Idéale Qobuz
Soutenue par la direction puissante et ardente de Carlo Maria Giulini dans la flamme de sa jeunesse (Ouverture, scène du Commandore), cette interprétation de Don Giovanni demeure l'une des plus passionnantes de la discographie. Le chant et l'intelligence d'Elisabeth Schwarzkopf sont à leur zénith, le Leporello de Taddei est un équilibre entre raffinement et bouffonnerie, le Don Giovanni de Wächter est aussi nonchalant qu'ardent. Bref, une version ... incontournable ! © Qobuz« Carlo Maria Giulini flamboie, l'orchestre sachant scintiller le giocoso, ombrer le dramma, courir vers l'abîme avec une sorte de vertige emporté, suspendre le mouvement pour soutenir l'interrogation : il est partenaire de l'action, dans le détail comme dans le geste ouvert d'un bout à l'autre, dans l'arche de l'œuvre parcourue. Et la distribution est sensationnelle, accordant à chaque personnage sa caractérisation la plus subtile, de l'Elvire calcinée d'Elisabeth Schwarzkopf, poussée au bout d'elle-même, corps et âme emportés, à l'Anna virtuose de Joan Sutherland coulée dans une fureur presque limpide, en passant par le Don Giovanni d'Eberhard Waechter, qui, avec la tranquille évidence de l'Ange dans le fameux film de Pasolini, Théorème, vient bouleverser l'Ordre sans éclat superflu, mais avec un chic admirable. Tous, ils sont tous à leur place, exactement, dans ce tableau sans cesse recolorée par Giulini, maître d'œuvre qui veille à tout, à l'intensité expressive des sentiments affrontés autant qu'à la tendresse qui passe, l'inquiétude humaine, le trouble — le tout maintenu sans répit dans cette avancée, cette progression, cette chevauchée dramatique qui, à elle seule, inscrit la vérité passionnante et passionnée de ce Don Giovanni exemplaire. » (Alain Duault, Le Guide du disque compact classique, Belfond, Le Pré aux Clercs, 1991)« Totem lyrique, version studio de référence, le Don Giovanni de Mozart enregistré en 1959 par Carlo Maria Giulini pour EMI est un plébiscite, qui valut au chef d'orchestre la rare consécration d'un Disque d'or reçu en 1992 et qui dépasse aujourd'hui les 150 000 exemplaires vendus en France (plus de 1,5 millions dans le monde). D'autres Don Giovanni ont vécu, bu, mangé et aimé, mais celui qui fut réalisé dans les studios londoniens d'Abbey Road reste insurpassable par la qualité d'une distribution somptueuse et équilibrée (Elisabeth Schwarzkopf, qui fut la grande Elvira de son temps) et par la direction incandescente et raffinée de Giulini à la tête du Philharmonia Orchestra. Aux côtés des versions de Fritz Busch (1936), Bruno Walter (1942), Wilhelm Furtwängler (1954), Josef Krips (1955), Dimitri Mitropoulos (1956) et, plus près de nous, Bernard Haitink (1984), Nikolaus Harnoncourt (1989) ou Roger Norrington (2003), la verve de Giulini, sa vitalité, sa noblesse, son sens inné du théâtre et sa frondeuse élégance font de cette version un must inégalé. » (Le Monde, 25 mars 2004, "Don Giovanni, un classique inégalé")« On ne discute pas une réalisation Legge aussi mythique que celle-ci : on l'écoute en osant à peine émettre quelques menues réserves. Giulini est au meilleur de son art, non encore statufié, pondéré mais alerte, ferme, nerveux, précis. Et puis un Italien, enfin, attentif à la pertinence du récitatif comme à la transparence orchestrale. Il faut que la magie musicale de cette direction soit enivrante pour nous faire accepter un plateau plutôt inégal. Wächter, en macho mal dégrossi, Taddei capable du meilleur comme de la charge, Alva moins mauvais qu'ailleurs, Cappuccilli maladroit et Frick exotique : il en fallait moins pour tout gâcher. Leurs conquêtes heureusement nous aguichent. Schwarzkopf encore et toujours, en Elvira, irrésistible, Sutherland seule à rendre justice à la coloratura de "Non mi dir", Scutti adorable. Et surtout l'état de grâce comme rarement dans un studio... » (Jean Cabourg, Avant-Scène Opéra N° 172, 1996)"La plus humaine, la plus émouvante, la plus complexe, la plus achevée des versions de Don Giovanni." (Diapason)
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Piano solo - Paru le 30 septembre 2016 | Warner Classics

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Choc de Classica - Choc Classica de l'année - Prise de Son d'Exception
« [...] Bien enregistré, dans la salle du Mozarteum de Salzbourg et sur un instrument chantant, le pianiste-compositeur est revenu à Wolfgang Amadeus dix-huit ans après lui avoir consacré son tout premier disque. Il n’avait alors pas fait l’unanimité, tant il rompait avec un Mozart propre sur lui, tiré au cordeau, lisse [...] Fazil Say ne s’est pas assagi avec les années. Tant mieux ! [...] l’artiste choisit la voie du théâtre, de la surprise, de la fantaisie en même temps que du drame, quand il surligne les modulations. Improvisateur aussi facétieux que fort en thème, Fazil Say empoigne ces sonates moins pour les réinventer que pour les projeter dans notre imaginaire. [...] Presque partout ailleurs, ce Mozart théâtral, vivant, dominé par une faconde irrésistible, d’un coup, sans prévenir, baisse le ton et plonge en une fraction de seconde au cœur même de quelque mystère. Les mouvements lents sont d’une finesse, d’une sensibilité, d’une candeur rarement entendues.» (Diapason, octobre 2016 / Alain Lompech)« Un Mozart nullement classique et inclassable. Fazil Say propose sa vision personnelle des Sonates mozartiennes avec un piano dynamique, subtil, éclatant. Une des plus grandes versions modernes. [...] L'écoute est une surprise de taille. La variété des climats, la mobilité de jeu si particulière chez Fazil Say fonctionnent ici admirablement. Il ne joue pas "à l'épate", ni n'ajoute d'effets incongrus. Son Mozart est personnel, simple et évident à la fois. [...] Le son est direct, "vertical" et plein de subtilités, mais aussi d'éclats, de contrastes saisissants dans une même ligne de chant. [...] Fazil Say voue une passion à l'opéra mozartien. De fait, il ne commet aucune erreur de goût, jouant des rôles distribués d'une main à l'autre, tout en repoussant les limites expressives du Steinway admirablement préparé et enregistré dans l'acoustique du Mozarteum de Salzbourg [...].» (Classica, octobre 2016 / Stéphane Frédérich)  
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Rock - Paru le 21 juillet 1987 | Geffen

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Welcome To The Jungle, It’s So Easy, Nightrain, Mr. Brownstone, Paradise City, My Michelle, Sweet Child O’ Mine, You’re Crazy… Ne cherchez pas plus loin la première explication de ce monument qui s'est écoulé à plus de trente millions d'exemplaires dans le monde c'est que, d'emblée, on croirait avoir affaire à un best of et non à un premier effort en studio. Car même Out Ta Get Me, Think About You, Anything Goes et Rocket Queen, les quatre "titres faibles" de ce chef d'œuvre auraient fait le bonheur de tous les groupes concurrents qui vomissaient sur Guns N'Roses à l'époque. Et on aurait pu aussi rajouter à l'époque les deux morceaux mis au placard, essentiellement pour des raisons de droits d'auteur, et exhumés ici, Shadow Of Your Love et Move To The City, auxquels il convient d'associer Reckless Life dans sa version studio. Sous ses airs de catastrophe ambulante, ce redoutable gang avait quelque chose que les autres n'avaient pas dans le microcosme hard rock de Los Angeles : une capacité à engendrer des classiques du rock en un temps record. Certains ne manqueront pas de trouver injuste que le trop polémique One In A Million soit une sorte de victime collatérale de la réactualisation de Lies, dont il a été écarté. Mais ce que cette réédition améliorée démontre clairement, même si ce n'était pas forcément le but, c'est que le son et la performance des musiciens sont aussi deux composantes majeures pour obtenir un chef d'œuvre. Si le choix a été fait d'inclure l'avant et l'après Appetite For Destruction, à savoir les deux E.P.s Live ?!*@ Like a Suicide (le faux live) et G N' R Lies, c'est que l'on sent bien que tous les ingrédients étaient loin d'être en place au Sound Studio où a été enregistrée la vingtaine de versions alternatives proposées en "bonus". La production experte de Mike Clink et le mixage calibré et équilibré de Steve Thompson et Michael Barbiero ont bien évidemment permis aux douze morceaux d'origine sélectionnés de trouver leur forme ultime. Et donc leur efficacité optimum. Mais ce que prouvent aussi les quelques titres live ou acoustiques glânés pour parachever cette réédition (Knockin’ On Heaven’s Door (Live), de Bob Dylan, It’s So Easy (Live), Whole Lotta Rosie (Live) d'AC/DC, November Rain (Acoustique), le très court mais prometteur The Plague, l'instrumental Ain’t Goin’ Down No More ou Jumpin’ Jack Flash (Acoustique) des Rolling Stones…), c'est que les cinq membres du groupe ont connu une période, hélas trop courte, où ils étaient comme touchés par la grâce. On en aura certainement une preuve supplémentaire si Axl Rose exhume un jour la version de l'album qu'il a tenu à réenregistrer en 1999 avec l'incarnation de Guns N'Roses sans Slash, Izzy Stradlin, Duff McKagan et Steven Adler. C'est avec cette équipe gagnante que Guns N' Roses a enregistré le record absolu de vente pour un premier album aux États-Unis. Les changements de formation multiples qui ont suivi n'ont certes pas engendré de désastres commerciaux, mais ils n'ont jamais offert au groupe l’occasion de rééditer l'exploit accompli avec Appetite For Destruction. © Jean-Pierre Sabouret/Qobuz
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Pop - Paru le 20 octobre 2017 | Sony Music CG

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Rock - Paru le 2 novembre 2018 | Rhino - Elektra

Hi-Res
Derrière ce titre prometteur se cache une nouvelle réédition des albums studios du groupe et de plusieurs live, singles et faces B. Il y manque toutefois la version remasterisée du live Hell Freezes Over, bien qu'elle soit disponible dans la version "solide" de cette nouvelle compilation. En revanche, et contrairement à The Studio Albums 1972-1979 de 2013, Legacy comprend bien le septième et dernier album studio en date, Long Road out of Eden, sorti en 2007 et enfin disponible en Hi-Res. Une bonne occasion de constater que le Eagles du nouveau millénaire était encore à son zénith, avec plus d'un morceau qui n'aurait pas dépareillé sur Hotel California. On pourrait même dire la quasi-intégralité de ce massif et miraculeux double.Mais il n'y a pas que ce trop célèbre cinquième album dans la vie du groupe californien. On rappellera que Their Greatest Hits (1971–1975) est sorti avant Hotel California et qu'il restera comme l'album le plus vendu du XXe siècle aux États-Unis. Il vient même de retrouver son titre après avoir été certifié 38 fois platine en août 2018. Devant Thriller de Michael Jackson, qui n'est que 33 fois platine, selon les chiffres officiels et pas ceux trop souvent fantasmés par les médias.Legacy opère un large tour d'horizon sur les performances scéniques du groupe, avec le premier live officiel de 1980, Eagles Live, lequel n'avait pas fait l'unanimité car trop "maquillé" en studio, mais aussi les douze morceaux du formidable Millenium Concert déjà présent en intégralité dans la compilation Selected Works (1972-1999). © Jean-Pierre Sabouret/Qobuz