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Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

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Rock - Paru le 25 octobre 2019 | Sanctuary Records

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Avec The Kinks Are the Village Green Preservation Society paru en novembre 1968, les frères Davies signent un album hors du temps, hors des modes. Un chef-d’œuvre pop encageant l’Angleterre éternelle. Pour certains, un disque quasi rétrograde, considéré aujourd’hui comme l’un des plus influents de son temps. Preuve qu’il n’y avait pas que Lennon/McCartney et Jagger/Richards dans la vie… Leurs fans se demandent surtout à quoi va ressembler l’après Village Green. Il naîtra non pas dans leur cerveau en ébullition mais dans celui de producteurs de la chaîne de télé Granada qui leur commanderont… un opéra rock ! Héros de cette aventure, Arthur, petit employé de bureau britannique dont la carrière s’étale de l’ère victorienne aux 60's, et dont le fils part s’exiler en Australie. Un exil qui le fait cogiter sur sa propre existence. A l’origine de cette histoire, la sœur aînée des frères Davies, Rose, partie au pays des kangourous en 1964 avec son mari Arthur. Une déchirure pour Ray qui écrira d’ailleurs l’explicite Rosie Won't You Please Come Home en 1966 sur l'album Face to Face. Assez de matière en tout cas pour que le songwriter anglais accouche à nouveau de chansons démentielles et délicieusement caustiques aux mélodies imparables. D'autant plus que le film ne sera jamais tourné, cet Arthur devenant un disque à part entière qui sortira en octobre 1969, sans aucun support visuel.Presque aussi génial et nostalgique que Village Green, sa richesse instrumentale, sa finesse de plume et l’intelligence de ses compositions prouvent à nouveau que les Kinks sont aussi inventifs que leurs concurrents du moment, Beatles et Stones. Rien qu’avec Shangri-La, l’une de leurs plus impressionnantes compos, les frères Davies entremêlent des textures sonores pop, rock et blues insensées. A la guitare, Dave sort le grand jeu, capable de riffs maousses (Brainwashed) ou de ballade en dentelle (Young and Innocent Days). Malheureusement, le grand public goûtera peu à cette farandole baroque de chansons atypiques et osées, lui préférant le plus bodybuildé Tommy des Who. Le temps rendra heureusement justice à cet Arthur, désormais considéré par tous comme un authentique chef-d’œuvre. © Marc Zisman/Qobuz
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Metal - Paru le 25 octobre 2019 | Season of Mist

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
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Metal - Paru le 25 octobre 2019 | (RED) Southern Lord

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
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Alternatif et Indé - Paru le 16 août 2019 | Castle Face

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Cela fait plus de vingt ans que les Oh Sees (The Oh Sees, Thee Oh Sees, OCS, selon les époques) cultivent l’art de l’inattendu fait musique. C’est pourquoi la sortie du single Henchlock, un Frankenstein fusion-rock qui affiche 21 minutes au compteur, était prévisible sans vraiment l’être. Puis, en débutant l’écoute de Face Stabber, l’étonnement a refait surface : cet album provient-il réellement du groupe mené par le Rhode-Islandais John Dwyer ? Son introduction au canard en plastique, aussi hargneuse soit-elle, n’évoque pas forcément le rock prog ciselé qui commençait à pointer son nez sur Smote Reverser (2018). Heureusement que pour ce quatuor à double batterie (Paul Quattrone, Dan Rincon), subversion rime avec humour, puisque, après ce bref aparté, l’errance psychédélique reprend là où elle s’était arrêtée à peine un an plus tôt. La section rythmique est bien entendu l'une des clés de lecture les plus importantes : sur la fièvre à la Santana de The Experimenter, ou bien le jam étendu de Henchlock, un bon système stéréo sera nécessaire pour entendre les variances et les parties imbriquées qui font l’ingéniosité des morceaux. On a également droit à du garage authentique, comme dans le titre éponyme ainsi que sur Gholü ou Heartworm – deux carnages absolus à moins de deux minutes chacun. Entre ces expressions de pure adrénaline, Oh Sees explorent également la frontière entre prog et jazz à grand renfort de saxophone et d’orgues divers. Une palette de sons large qui trahit des ambitions musicales grandissantes. ©Alexis Renaudat / Qobuz
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Alternatif et Indé - Paru le 24 mai 2019 | BMG Rights Management (UK) Limited

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Tous les plus grands se sont amusés à l’exercice. Bowie avec Pin-Ups, Johnny Cash avec American IV: The Man Comes Around, Lennon avec Rock & Roll, Metallica avec Garage Inc, Cat Power avec The Covers Record, Meshell Ndegeocello avec Ventriloquism, Patti Smith avec Twelve, Costello avec Almost Blue et des centaines d’autres. L’album de reprises reste pourtant un exercice périlleux et rarement celui qui brille le plus dans la discographie d’un artiste. Avec California Son, Morrissey s’amuse avant tout à déterrer de l’inattendu ou des chansons majoritairement obscures voire oubliées. On connaît les marottes de l’ex-Smiths (New York Dolls, Patti Smith, Roxy Music, Bowie, Sparks, etc.) qu’il se fait un plaisir de ne pas revisiter ici. Epaulé par sept invités (LP, Ed Droste de Grizzly Bear, Ariel Engle de Broken Social Scene, Petra Haden, Sameer Gadhia de Young The Giant, Billie Joe Armstrong de Green Day et Lydia Night des Regrettes), Moz s’accapare notamment des pièces de Roy Orbison, Melanie, Laura Nyro, Buffy Sainte-Marie, Bob Dylan, les 5th Dimension mais aussi Jobriath, Phil Ochs, Tim Hardin, Joni Mitchell ou Carly Simon. Sa voix – le cœur de la centrale nucléaire – est souvent parfaite et prend le contrôle de chaque titre (étonnant Only a Pawn in Their Game de Dylan). Mais un exercice avant tout recommandé aux fans de Morrissey. © Max Dembo/Qobuz
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Alternatif et Indé - Paru le 12 avril 2019 | Partisan Records

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama - Qobuzissime
A peine remis de Songs of Praise, premier album Qobuzissime des Londoniens de Shame, l’œil du cyclone rock’n’roll se déplace cette fois plus au nord, à Dublin. Là, un gang tout aussi teigneux baptisé Fontaines D.C. serre les dents très fort pour montrer comment le revival postpunk actuel a encore quelques gifles, mandales, coups de genou et autres uppercuts à distribuer. Si le premier album de ces Fontaines D.C., Dogrel, prend racine dans un terreau connu (The Fall, Joy Division, Gang Of Four, Public Image Ltd.), l’engrais est différent. Il y a d’abord cette singularité irlandaise qui transpire de ce disque pleurant un Dublin de carte postale éradiqué par la mondialisation et la gentrification. Dogrel se termine d’ailleurs par Dublin City Sky, ballade acoustique qui fleure bon le vieux pub, la Guinness fraîchement tirée, et qu’on jurerait échappée d’un disque des Pogues, leur groupe préféré. La bande de Grian Chatten a aussi la particularité de vénérer la littérature et la poésie autant que le rock’n’roll et la folk music. D’où cette sensation permanente d’entendre un brûlot de pur postpunk revendicatif jamais bas du front. C’est la force de Dogrel. Être lettré sans la ramener. Enervé et toujours audible. Sur le tubesque Big, Chatten hurle « my childhood was small, but I'm gonna be big » (mon enfance a été petite, mais je vais devenir grand). Big, Fontaines D.C. risque de l’être très très très vite… © Marc Zisman/Qobuz
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Alternatif et Indé - Paru le 15 mars 2019 | BMG Rights Management (US) LLC

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Dans la série des duos ovnis, celui-ci a vraiment de la gueule : l’ex-chanteuse des garagistes Yeah Yeah Yeahs associée à la moitié de Gnarls Barkley (par ailleurs impliqué dans mille autres projets). Le résultat et ses cambrures de pop sophistiquée vintage est d’abord déroutant puis finalement fascinant. Drapée dans une mélancolie laid back au possible, la voix de Karen O – aussi à l’aise dans le registre sensuel que le torride – possède la force onirique de certaines chanteuses 60's. Comme les beats soyeux et les arrangements évanescents de Brian Burton, alias Danger Mouse, qui ont également des allures de pop cinématographique du siècle dernier. Les deux ont beau être de vrais mélomanes lettrés, leurs citations ne sentent jamais l’esbrouffe. Et qu’ils lâchent quelques clins d’œil à Motown (Woman), lorgnent la solennité lounge de Pulp (période This Is Hardcore) ou optent pour des sonorités planantes à la Pink Floyd, leur Lux Prima possède sa propre identité. Avec beaucoup de réverbération, des guitares barytons un peu partout, des synthés analogiques, quelques violons voluptueux mais jamais racoleurs et surtout des mélodies raffinées, Karen O et Danger Mouse signent le disque le plus élégant du moment. © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Paru le 2 novembre 2018 | Columbia - Legacy

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama - Best New Reissue
Ce volume 14 des Bootleg Series de Bob Dylan est sans doute le plus attendu puisqu’il concerne l’album que beaucoup de ses fans considèrent comme son plus grand : Blood on the Tracks. Dans son autobiographie, le Zim citera Tchekhov comme inspiration majeure de ce disque publié en janvier 1975. Mais c’est évidemment la séparation d’avec sa femme Sara qui hante ce chef-d’œuvre. Sa prose touche au sublime, et chaque mot est un paysage de l’âme, juste, sans aucune faute de goût. Son folk-rock est orné d’une rythmique présente mais jamais en surpoids, d’une instrumentation de goût et de chapelets de guitares juste là pour chanter la mélodie. Toutes ses saynètes introspectives, à l’écriture pure et sobre, montre un Dylan plus humain que jamais, artistiquement revitalisé par cette période personnellement douloureuse. Bref, un Dylan magistral qui alterne entre chansons mélancoliques, coups de gueule et, comme à son habitude, pièces mystérieuses. Ce coffret de plus de 80 titres propose chronologiquement les séances new-yorkaises ainsi que celles de Minneapolis. Dylan avait réalisé une première version de son disque, décidant de tout réenregistrer sur les conseils de son frère David Zimmerman. L’album officiel mélangera des prises des deux sessions. Faux départs, tâtonnements, prises alternatives, changements de tempo ou d’instrumentation, c’est l’élaboration de A à Z de Blood on the Tracks qui traverse les oreilles tout au long de ce dantesque More Blood, More Tracks: The Bootleg Series Vol. 14 (Deluxe Edition). Indispensable. © Marc Zisman/Qobuz
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Rock - Paru le 12 octobre 2018 | Concord Records

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Dès son premier album publié en 1977, My Aim Is True, Elvis Costello affichait sa gloutonnerie musicale en mêlant déflagrations pub rock, bifurcations reggae, ballades quasi country et pop songs sculptées avec arpèges cristallins. Un éclectisme qui le fera travailler avec des gens aussi divers que le pape de la country George Jones, le maître de la pop lounge Burt Bacharach, la mezzo-soprano Anne Sofie von Otter, le guitariste de jazz Bill Frisell ou bien encore les rappeurs de The Roots, pour n’en citer que quelques-uns. Quarante ans plus tard, l’insaisissable Britannique binoclard, friand d’albums-concepts, signe Look Now avec les Imposters, composés de Steve Nieve aux claviers, Davey Faragher à la basse et Pete Thomas, déjà batteur de ses Attractions. Ce groupe avec lequel il avait enregistré Momofuku en 2008 lui permet de mettre une fois de plus en exergue sa plume, aiguisée comme jamais. Plume qu’il partage avec la grande Carole King sur Burnt Sugar Is So Bitter, coécrit un quart de siècle plus tôt, et avec Bacharach sur Photographs Can Lie et Don’t Look Now. On sent surtout un Costello visant une fois de plus la pop song parfaite. Une démarche faisant résonner une approche 60's. Mais l’intemporalité de l’exercice ancre bien le songwriter dans son temps, en 2018. Et Costello réussit à implanter dans le cerveau des mélodies et des paroles faites pour durer. Une bonne chanson, c’est bien connu, n’a pas d’âge et Elvis Costello le rappelle ici brillamment… © Marc Zisman/Qobuz
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Alternatif et Indé - Paru le 5 octobre 2018 | Domino Recording Co

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Un manche de guitare tenu par la main d’un corps contre lequel est adossé un enfant dont on ne voit que le haut de la tête. Sur la pochette de son dixième album, Cat Power dit pas mal de choses. L’Américaine agrippe à nouveau son art – même si elle ne peut s’empêcher d’immiscer une reprise, celle de Stay de Rihanna – et indique qu’elle est désormais mère. A 46 ans, Chan Marshall semble aller… mieux ? Bien ? Non pas que sa vie jalonnée de chaos intérieur, escapades, déménagements, dépressions et addictions soit désormais un long fleuve tranquille, mais Wanderer renferme certaines de ses plus belles chansons. Des compositions avançant souvent nues. Un simple piano. Quelques notes de guitares. Une batterie famélique. Le credo less is more brille de mille feux.L’envie peut-être de revenir à la source des anciens maîtres du folk et du blues. Comme le laisse à penser la chanson d’ouverture a cappella qui donne son titre au disque. Avoir mis au monde sous l’ère Trump l’a sans doute fait beaucoup cogiter… Et puis Cat Power n’avait pas chanté aussi bien depuis des lustres. Cette tonalité aux cambrures soul, reconnaissable dès la première syllabe, touche ici au sublime. Après la parenthèse un brin électronique de Sun qu’avait mixé Zdar de Cassius, elle n’étonne pas tant que ça par la forme, finalement assez classique, mais plutôt par le niveau et la teneur de ses compositions. Et lorsqu’elle invite l’une de ses grandes fans, Lana Del Rey, dans les chœurs de Woman, Cat Power conserve la sobriété qui prédomine tout au long d’un disque viscéralement honnête et beau… © Marc Zisman/Qobuz
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Metal - Paru le 8 juin 2018 | Relapse Records

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Rock - Paru le 24 avril 2018 | Reprise

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama - Pitchfork: Best New Reissue
Tonight’s the Night fait partie des grands disques anthracites de l’histoire du rock’n’roll. En six mois, Neil Young a perdu deux proches, morts d'overdose : son guitariste Danny Whitten et son roadie Bruce Berry. Logique que l’album qu’il enregistrera dans la foulée en août et septembre 1973 (mais qui ne paraîtra qu’en juin 1975, après On the Beach) soit d’une rare noirceur… Le trip introspectif de Tonight’s the Night se nourrit de ces drames personnels qu’il mêle à l’ambiance oppressante qui règne alors en Amérique. Violences urbaines, consommation croissante de drogue, guerre du Vietnam et utopie hippie chahutée alimentent sa partition sombre mais sublime et poignante. Même l’instrumentarium déballé sur Tonight’s the Night est chancelant, entre un piano vacillant et une pedal steel à l’économie. Du dépouillé pour mieux souligner la beauté des mélodies comme sur les bouleversantes ballades Tired Eyes, New Mama et Borrowed Tune… Les 20, 21 et 22 septembre 1973, Neil Young et ses musiciens, baptisés les Santa Monica Flyers (en fait, Ben Keith à la pedal steel, Nils Lofgren à la guitare et au piano, Billy Talbot à la basse et Ralph Molina à la batterie), montent sur la scène du Roxy, un tout nouveau club de Los Angeles sur West Hollywood. Dans leurs mains, ce nouveau répertoire qui sent la mort et le souffre mais dont les versions qu’ils livrent ici au public californien sont empreintes d’une force émotive, d’une réelle chaleur et parfois même d’une joie sincère et communicative logiquement absente sur les versions studio. Là réside la magie de cette archive ressuscitée et restaurée. Si les fans de Neil Young écouteront sans doute en boucle ce Roxy - Tonight’s the Night Live, les novices peuvent aussi prendre ce superbe train en marche pour découvrir et appréhender l’univers d’un musicien unique alors au sommet de son art et de son écriture. © Marc Zisman/Qobuz
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Alternatif et Indé - Paru le 2 mars 2018 | 4AD

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Les querelles intestines et l'héroïne au creux du bras de sa jumelle n'auront pas ébranlé la plus détendue des rockeuses : Kim Deal. Nirvana à tétons et au grunge couillu, les Breeders avivaient le rock indépendant, rappelant que s'il n'y en avait pas pour les accueillir, il existait bien une scène féminine. Implosant en 1993 après le bien nommé Last Splash, le quatuor voyait Kim retourner aux Pixies quand Kelley rentrait en désintox. Deux autres albums, Title TK en 2002 et Mountain Battles en 2008, rappelaient que la bête pouvait encore bouger… Depuis un concert en 2013 nourrissant des espoirs de reformation, les deux sœurs, la bassiste Josephine Wiggs et le batteur Jim MacPherson ont repris le chemin des studios pour All Nerve. Démêlé de grunge ressuscitant des 90's destroy, cet opus éclair (33 minutes) claque un savoir-faire éprouvé. Si la recette guitare-basse-batterie sales et distorsions vocales ne provoquent pas l'effet Cannonball qui aura fait leur gloire, All Nerve porte les stigmates des décennies douloureuses qui l'ont suivi. En témoignent les ballades distordues Space Woman, Dawn: Making an Effort, Blues at the Acropolis. Sombre et nerveux. © Charlotte Saintoin/Qobuz
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Alternatif et Indé - Paru le 24 novembre 2017 | One Little Indian

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama - Pitchfork: Best New Music
Troublant corps à corps entre technologies de pointe et sensations organiques voire charnelles, Vulnicura ressuscitait la Björk d’Homogenic et de Vespertine. Une Björk qui s’était rarement mise autant à nu, sa rupture avec le vidéaste et plasticien Matthew Barney étant au cœur de cet album dense de 2015, tant dans ses paroles que dans les architectures musicales. Pour l’aider dans sa tâche, l’Islandaise s’était entourée de deux complices de la sphère électro : le Britannique Bobby Krlic alias The Haxan Cloa et surtout le jeune Vénézuélien Alejandro Ghersi alias Arca. Ce dernier est au cœur d’Utopia qui paraît à l’automne 2017. S’il avait rejoint Björk sur Vulnicura une fois les chansons écrites, il a cette fois travaillé avec elle dès la genèse du projet au point que Björk ne cesse de déclarer à longueur d’interviews que le disque a été entièrement conçu à deux. Comme avec les univers d’Actress ou de Oneohtrix Point Never, Arca a toujours su mêler les recoins les plus cérébraux de la musique électronique et les plus physiologiques. En somme, des arguments rêvés pour déambuler sur la planète Björk. Déambuler. C’est ainsi qu’on se laisse porter par Utopia. Pris par la main par la voix toujours aussi unique de la maîtresse de maison, on traverse ici des textures multiples, parfois épaisses et denses (Arisen My Senses) mais aussi aériennes comme jamais (Blissing Me, Utopia). C’est d’ailleurs dans ces compositions moins grandiloquentes que Björk convainc le plus. Mais Arca n’est pas le seul élément clef de ce dixième album studio. L’Islandaise a ressorti son arme de prédilection qui ne la quitte pas depuis l’âge de 5 ans : la flûte ! Elle est un fil conducteur d’une œuvre d’un onirisme fou mais qui ne s’apprivoise pas en une seule écoute. Björk Guðmundsdóttir n’est pas Taylor Alison Swift et Utopia se mérite ! © MD/Qobuz
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Metal - Paru le 27 octobre 2017 | Sanctuary Records

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Pop/Rock - Paru le 8 décembre 2017 | Nonesuch

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Lorsqu’il ne pilote pas Nickel Creek, trio d’Americana, ou les Punch Brothers, experts du bluegrass en version chambriste, Chris Thile travaille avec des confrères aussi divers que le violoncelliste Yo-Yo Ma (The Goat Rodeo Sessions en 2011) ou le pianiste de jazz Brad Mehldau (Chris Thile & Brad Mehldau en 2017). Mieux encore, le mandoliniste californien publie régulièrement des albums solos on ne peut plus éclectiques. La preuve avec Thanks For Listening dont le point de départ n’est autre que A Prairie Home Companion, émission hebdomadaire de radio dont il est l’animateur depuis octobre 2016 et pour laquelle il compose chaque semaine la song of the week. Des chansons de la semaine qui évoquent aussi bien l’actualité que l’ère du temps, les sujets de société comme tout ce qui passe par la tête de ce musicien virtuose aux oreilles toujours grandes ouvertes. Pour ce disque, Thile en a sélectionné dix qu’il a réenregistrées en studio. Entre rock chambriste et folk épuré, Americana raffinée et pop rêveuse, il déroule ses mélodies intemporelles et sa prose exigeante voire caustique. Délicieux. © CM/Qobuz
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Rock - Paru le 8 septembre 2017 | Reprise

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama - Best New Reissue
Grand expert en exhumation et résurrection de ses propres pépites, Neil Young a toujours entretenu un rapport assez singulier à l’enregistrement de sa propre musique. Le Loner enchaîne les sessions à la pelle, choisissant parfois de balancer le résultat à la cave ou de le publier. C’est selon, et ses choix sont parfois déroutants. Sa discographie XXL ressemble donc à des montagnes russes, avec d’incroyables sommets mais aussi pas mal de creux… Cet Hitchhiker qui parait durant l’été 2017 réunit en fait des chansons enregistrées en acoustique lors d’une session le 11 août 1976 et qui figureront, pour la plupart, sur ses albums publiés durant les cinq années suivantes : Pocahontas (sur Rust Never Sleeps en 1979 avec des overdubs), Powderfinger (également sur Rust Never Sleeps en live avec Crazy Horse), Captain Kennedy (sur Hawks & Doves en 1980), Ride My Llama (à nouveau sur Rust Never Sleeps, en solo live), Hitchhiker (sur Le Noise en 2010, à la guitare électrique), Campaigner (sur Decade en 1977, avec une strophe en moins), Human Highway (sur Comes A Time en 1978, enregistré en groupe) et The Old Country Waltz (sur American Stars 'n Bars en 1977, avec Crazy Horse). Il propose aussi deux inédits : Hawaii et Give Me Strength… Si tout cela pourrait sentir le réchauffé ou le for fans only, la beauté des versions présentes sur cette vraie-fausse compilation rend le résultat indispensable. Ces compositions sont certes d’un sacré calibre mais ces versions sont comme habitées. Une pure merveille. © MZ/Qobuz
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Alternatif et Indé - Paru le 19 mai 2017 | 4AD

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Lorsque John Parish, producteur de PJ Harvey, prend le temps de s’installer derrière la console pour s’occuper d’un disque, on a tendance à tendre l’oreille. Ce qui se confirme avec Party, deuxième album d’Aldous Harding qu’on rangera (trop ?) rapidement au rayon des folkeuses cérébrales, neurasthéniques mais envoûtantes. Sauf que derrière ces étiquettes réductrices, la jeune Néo-zélandaise possède un spectre musical bien plus large. A l’image de l’enchainement Living The Classics/Party : sur le premier titre, Harding se veut douce et presqu’évanescente avant de se transformer, sur le second, en chipie imprécatrice. Aucun effet, aucune bidouille instrumentale ne lui est nécessaire pour attraper l’ouïe du chaland. Car même si on sent qu’elle connait ses classiques (Kate Bush, Joan Baez, Linda Perhacs, Joni Mitchell, Vasti Bunyan…), c’est la tonalité très personnelle de sa voix comme de ses chansons qui fait de ce second album un moment d’intimité et de mise à nue assez impressionnant… © MZ/Qobuz
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Pop - Paru le 24 mars 2017 | Parlophone (France)

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Birkin et Gainsbourg. L’association de ces deux noms est une histoire évidemment sans fin. Histoire parfois malheureusement ravivée juste pour faire tourner le tiroir-caisse. Ce projet intitulé Le Symphonique n’abat heureusement pas cette carte baaaaassement mercantile. Après avoir expédié le patrimoine gainsbourien dans les effluves de l’Orient, Jane B. le baigne cette fois dans les cordes d’un orchestre symphonique. Avec l’aide de Philippe Lerichomme pour la direction artistique et Nobuyuki Nakajima pour les arrangements et les parties de piano, elle chante ces mélodies entrées dans le patrimoine en les couvrant d’un habit « classique ». Un choix judicieux quand on sait que le grand répertoire a copieusement nourri le travail de son ex qui a écrit certaines de ses plus belles chansons en s’adossant contre des thèmes signés Dvorak, Beethoven, Brahms, Chopin ou bien encore Grieg. Ici, le corps à corps entre le chant fébrile et si attachant de Birkin et les violons de l'orchestre de la radio polonaise est toujours exquis. Aucune grandiloquence déplacée, ni effets de manche vains. Même sur les plus célèbres chansons (la Javanaise, L’Anamour, Jane B, Baby Alone In Babylone, etc.), ce « traitement symphonique » vise juste. Un album vraiment émouvant. © MD/Qobuz
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Rock - Paru le 10 juin 2016 | Legacy Recordings

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Si l’on est honnête, les vrais bons albums live ne sont pas si nombreux que ça… Publié en février 1974, It's Too Late To Stop Now… de Van Morrison fait partie des rares exceptions. Un constat d’autant plus étonnant que le barde irlandais alors installé aux Etats-Unis a toujours été assez irréguliers en concert… Ce triple album qui sort 43 ans plus tard, It's Too Late To Stop Now… Vol. II, III & IV , réunit 45 titres inédits enregistrés en 1973 au Troubadour de Los Angeles le 23 mai, au Civic Auditorium de Santa Monica le 29 juin et au Rainbow à Londres les 23 et 24 juillet, concerts qui servirent à l’album original. Les versions des classiques de son ancien groupe, Them, sont mêlées à ses grandes chansons extraites notamment de ses albums Hard Nose The Highway, Moondance et, son chef d’œuvre, Astral Weeks. Et lorsqu’il revisite des classiques comme Bring It On Home To Me de Sam Cooke, I Believe to My Soul de Ray Charles ou même Help Me de Sonny Boy Williamson, Van Morrison n’a pas à rougir face aux versions originales de ses aînés. Surtout que son alliage de rock’n’roll, de jazz, de blues et de rhythm’n’blues fait ici de sacrées étincelles. Tout comme les musiciens qui l’entourent. Une réédition indispensable. © MZ/Qobuz