Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

119 albums triés par Date : du plus récent au moins récent et filtrés par Classique et Ondine
14,99 €
9,99 €

Classique - Paru le 8 mars 2019 | Ondine

Hi-Res Livret
14,99 €
9,99 €

Classique - Paru le 8 mars 2019 | Ondine

Hi-Res Livret
14,99 €
9,99 €

Classique - Paru le 8 février 2019 | Ondine

Hi-Res Livret
À la différence notable des suites d’opéras habituelles, celle de Die Soldaten de Zimmermann (qu’il a intitulée Vokal-Sinfonie) a été conçue avant l’opéra, une sorte de « carte de visite » avec laquelle il souhaitait prouver que l’ouvrage était jouable. Car la partition définitive de l’opéra est rien moins qu’un défi pour les chanteurs, pour l’orchestre, pour les théâtres et pour le public ! Seize rôles chantés, une dizaine de rôles parlés, un orchestre d’une bonne centaine de musiciens, un instrumentarium de percussions délirant, des projecteurs de cinéma, une partie pour bande magnétique, des effets sonores extra-musicaux, il y a de quoi faire frémir n’importe quelle direction d’opéra soucieuse des finances de sa maison ; quant au public, il est soumis au strict régime dodécaphonique, sans même parler de la superposition temporelle de certaines scènes… Et encore, à l’origine, Zimmermann aurait voulu que l’œuvre soit présentée sur douze scènes différentes entourant le public, qui serait assis sur des chaises tournantes afin de s’orienter selon le déroulement – l’idée fut rejetée par le théâtre où devait avoir lieu la création, et le compositeur finit par abandonner l’idée et remodela son ouvrage pour le rendre à peu près jouable. C’est ici la Vokal-Sinfonie de 1963 que l’on entendra, un intense moment post-Berg dont la parenté expressionniste, avec Wozzeck notamment, est évidente, y compris dans l’âpre et bouleversant lyrisme du matériau vocal. La Sinfonie est précédée de Photoptosis pour grand orchestre de 1968, l’un des derniers ouvrages du compositeur qui devait se donner la mort deux ans plus tard, miné par la dépression – cela s'entend ô combien ! Une partition sombre et rutilante à la fois, dans laquelle il fait preuve d’un invraisemblable génie de l’orchestration. L’album s’ouvre avec le Concerto pour violon de 1950, dont la forme apparemment classique (Sonata-Fantasia-Rondo) est un leurre : Zimmermann y explore tout le modernisme possible et imaginable, là encore dans un intense lyrisme noir d’une intense beauté. © SM/Qobuz
14,99 €
9,99 €

Classique - Paru le 8 février 2019 | Ondine

Hi-Res Livret
29,99 €
19,99 €

Classique - Paru le 11 janvier 2019 | Ondine

Hi-Res Livret
14,99 €
9,99 €

Classique - Paru le 9 novembre 2018 | Ondine

Hi-Res Livret
Quelle curieuse et attachante œuvre que cette Première Symphonie de Witold Lutosławski ! Écrite en 1947, elle emprunte encore à Stravinski, Bartók, Prokofiev et clairement Roussel, tout en déclinant déjà les idées personnelles du compositeur et son art abouti de l’orchestration. Mais il n’avait pas encore adopté – puis transformé selon sa propre fantaisie – le langage dodécaphonique, ni les principes aléatoires, que l’on retrouve précisément dans Jeux vénitiens, de 1961. Aléatoire, en l’occurrence, cela signifie que les musiciens ou différents groupes disposent d’une certaine liberté pour énoncer leurs différentes sections quand ils en ressentent l’envie, ou que le chef leur donne le départ. Mais bien sûr le cadre formel reste tout à fait circonscrit ; disons que chaque interprétation nouvelle donnera un éclairage différent, mais toujours sur la même œuvre. L’album se finit avec la Quatrième Symphonie, dernière du compositeur, écrite entre 1988 et 1991, créée en 1993 sous la direction de Lutosławski lui-même qui devait s’éteindre quelques mois plus tard. Il revient clairement ici à des idées harmoniques, mélodiques, presque mahlériennes ou bartókiennes par moments, même si le discours est d’une grande modernité. Le contraste entre la Première Symphonie, Jeux vénitiens et la Quatrième Symphonie est des plus spectaculaire, et donne une excellente idée de l’évolution d’un musicien de génie qui ne refusa pas les diverses influences, les incorporant dans son propre langage. © SM/Qobuz
14,99 €
9,99 €

Classique - Paru le 9 novembre 2018 | Ondine

Hi-Res Livret
Ayant traversé deux tiers du XXe siècle, le compositeur estonien Heino Eller (1887-1970) peut être considéré comme l’un des fondateurs de l’école nationale musicale du pays. Son langage reste résolument tonal, en acceptant les influences de l’impressionnisme à la française, l’expressionnisme à l’allemande, bien sûr Edvard Grieg et Jean Sibelius, mais aussi un certain « nationalisme » dans le choix des thèmes. Et ce d’autant plus volontiers qu’au début de sa carrière, les années 20, le pays était libéré du joug de l’Empire russe (qui laissait la plupart des affaires à la noblesse foncière germanophone), avant de retomber en 1940 sous celui de l’URSS ; vingt ans au cours desquels le sentiment d’appartenance nationale culturelle estonienne a pu se développer. Son Concerto pour violon connut des débuts cahoteux : écrit en 1934, révisé trois ans plus tard, il dut attendre sa création mondiale en 1965 – sous la baguette du jeune Neeme Järvi, tandis que la prise de son radiophonique était assurée par un certain Arvo Pärt, disciple d'Eller ! – mais sous une forme tronquée. Le présent enregistrement restitue la partition originale complète. La Légende symphonique de 1923, considérablement remaniée en 1936, est une sorte de carte de visite du compositeur ; on y perçoit toutes les influences qu’il a pu incorporer, de Ravel à Debussy en passant par Sibelius et même Hollywood. Elle est ici donnée en première mondiale discographique. Enfin, la Seconde Symphonie de 1948 est restée inachevée, sans doute à la suite des pressions exercées par l’URSS et l’infâme Jdanov dont le décret força bien des artistes au silence. Il faut dire que le mouvement qui nous est parvenu, inquiet et parfois assez violent, ne décrit pas vraiment un riant réalisme socialiste, et – pire – semble évoquer une conscience nationale balte qui ne pouvait pas plaire aux sicaires de la dictature… © SM/Qobuz
14,99 €
9,99 €

Musique de chambre - Paru le 5 octobre 2018 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
14,99 €
9,99 €

Classique - Paru le 14 septembre 2018 | Ondine

Hi-Res Livret
Selon ses propres termes, le compositeur finlandais Magnus Lindberg (né en 1958) n’a pas hésité à remettre des genres sur le métier qu’il avait déjà abordés des décennies auparavant, car il ne cherchait pas particulièrement à ne faire « qu’un seul concerto » pour chacun des instruments possibles ou imaginables. De la sorte, vingt ans séparent les deux concertos pour piano, quinze ceux pour violoncelle, dix les deux pour violon. C’est pour Frank Peter Zimmermann qu’il a écrit le Second Concerto pour violon ici donné par le dédicataire lui-même ; comme tant de compositeurs ayant commencé leur parcours lors de la deuxième moitié du XXe siècle, il y a chez Lindberg un évident « retour en arrière » vers des langages plus harmoniques ou du moins harmonieux, après quelques incursions chez Boulez ou la musique concrète ou le minimalisme ou les possibilités offertes par l’électronique, caractérisées par des œuvres plutôt râpeuses et féroces. Point de telle férocité dans le très lyrique Concerto pour violon, pas plus d’ailleurs que dans Tempus fugit de 2017, un somptueux poème symphonique en cinq parties renouant en quelque sorte avec des impressions quasiment romantiques, même si le langage harmonique et orchestral (une richissime palette) est des plus contemporains. Pour quiconque pense ne pas aimer les premières œuvres de Lindberg, il convient de ne surtout pas rejeter cette sorte de renaissance du compositeur, autrement plus proche des cœurs et des oreilles – et aussi de l’esprit, pour ceux que ses modèles architecturaux des plus complexes peuvent intéresser, en dehors du discours purement musical. © SM/Qobuz
29,99 €
19,99 €

Classique - Paru le 8 juin 2018 | Ondine

Hi-Res Livret
On a peine à imaginer que les éditions réalisées par Frans Brüggen (1934-2014) des œuvres pour violon solo et violoncelle solo de Bach, transcrites pour flûte à bec solo, affichent déjà quelque quarante ans d’âge. C’est pourtant bien au cours des années 1970 qu’il réalisa ce remarquable travail, et l’enregistra d’ailleurs dans des éditions phonographiques. La flûtiste Bolette Roed s’est plongée dans ce monde de transcriptions – on ne le répétera jamais trop, l’art de la transcription, de la réécriture, de l’arrangement, du recyclage, de la transposition, de la redistribution, est partie intégrante du répertoire baroque, tout particulièrement à l’époque baroque elle-même ! – et nous donne l’intégrale de ce que Brüggen a transcrit pour flûte à bec : onze mouvements des Sonates et Partitas pour violon seul (car tout n’est pas raisonnablement redistribuable à la flûte à bec), et les trois première suites initialement conçues pour violoncelle. Pour les œuvres de violon, Roed a exploité tout une panoplie de flûtes différentes, afin de toujours rester dans les tonalités originales de Bach ; de la sorte, elle alterne entre diverses flûtes à bec alto, flûte « quarte » (c’est-à-dire flûte en si bémol, la quarte en question étant calculée d’après la flûte à bec de base standard de l’époque baroque, en fa), et flûte « quinte » – remarque identique. Des sonorités radicalement différentes de l’une à l’autre, bien entendu, ce qui se perçoit parfaitement dans l’enregistrement. Quant aux Suites pour violoncelle, elles sont données sur une flûte de voix, autrement dit un instrument entre le ténor et l’alto, dotée de quelques notes fort graves. Cela dit, son ambitus correspond à celui de la voix de soprano… Il va sans dire que le passage du violon (ou du violoncelle) vers la flûte à bec donne l’impression d’écouter des œuvres quasiment inédites, mais bel et bien du Cantor, note pour note. © SM/Qobuz
14,99 €
9,99 €

Classique - Paru le 11 mai 2018 | Ondine

Hi-Res Livret
Difficile de ne pas penser aux Vêpres de Rachmaninov en écoutant ce chef-d’œuvre pour chœur a capella de Georgy Sviridov ; normal, diront certains, les Vêpres sont de 1915 et Sviridov naît cette année-là. Les Cantiques et prières de Sviridov ont été écrits entre les années 1990 et sa disparition en 1998, et laissés inachevés – même si l’impressionnante quantité de matière musicale représente sans doute la majeure partie de l’œuvre définitive envisagée. On y entend les mêmes emprunts à la liturgie orthodoxe, une harmonie riche – peut-être plus proche de l’original liturgique, toutefois, là où Rachmaninov a déroulé un extravagant tapis harmonique qui ne pouvait être qu’à lui, et assez peu religieux. Sviridov conçoit son œuvre dans la tradition chorale sacrée russe, et ses pièces pourraient sans souci s’insérer dans le cadre d’un service religieux – s’il se trouve des chœurs capables de maîtriser les difficultés extrêmes de la partition. C’est ici le chœur de la Radio lettonne qui officie, et avec grand talent. Les parties plus solistes sont confiées à des voix proches de ce que l’on a habitude d’entendre lors des offices orthodoxes, donc assez éloignés de la puissance et de l’ampleur des voix lyriques qui seraient, bien sûr, totalement hors de propos dans ce répertoire. © SM/Qobuz
14,99 €
9,99 €

Musique chorale (pour chœur) - Paru le 11 mai 2018 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Ce n’est pas bien souvent que l’on a l’occasion d’entendre Vom Pagen und der Königstochter (« Du page et de la fille du roi ») de Schumann, une partition de 1852 sous forme de drame épique en quatre mouvements, pour solistes, chœur et orchestre. Le compositeur y déploie, en particulier une forme de récitatif accompagné préfigurant, sans nul doute, le Wagner de la grande veine dans le traitement vocal et orchestral. L’album se poursuit avec une autre rareté, la Cantate BWV 105 de Bach telle que remaniée par Schumann, sans doute en vue d’une exécution lorsqu’il fut directeur de la musique à Düsseldorf. Bon, l’ « arrangement » reste assez modeste – voire inexistant – dans le chœur d’ouverture et le premier récitatif, la première grande surprise venant pour le premier air de soprano : à la place du hautbois entrelaçant finement le chant, Schumann a préféré… la clarinette ! On aimera ou pas. Le récitatif suivant, un sublime arioso de basse, n’a lui non plus subi aucune modification ; l’aria de basse qui lui fait suite utilise un cor romantique au lieu du « corno da tirarsi » demandé par Bach, une modification plutôt modeste ; le chœur final, lui non plus, n’est pas touché, jusques et y compris dans l’extraordinaire écriture « en ralentissement » des cordes, bel et bien de Bach. La différence principale tient donc ici à ce que l’orchestre baroque de Helsinki joue sur des instruments du siècle de Schumann et selon les habitudes romantiques – ce que la partition de Bach supporte avec bonheur, car c’est là l’une des ses cantates les plus « romantiques », justement. L’album se referme, aussi incroyable que cela puisse paraître, sur une première discographique mondiale de Schumann ! Il semble en effet que l’Adventlied Op. 71 n’ait jamais été enregistré jusqu’à la parution de cet album. Cela dit… on comprend aisément que les chanteurs et orchestres ne se soient pas rués sur cette partition quelque peu désincarnée, suffisamment peu inspirée pour qu’une écoute à l’aveugle fasse dire à l’auditeur que c’est là une gentille tentative, de la part d’un compositeur oublié, de faire du sous-Schumann. Mais au moins, le mélomane pourra dire qu’il connaît un Schumann « raté » ! © SM/Qobuz
14,99 €
9,99 €

Concertos pour violon - Paru le 13 avril 2018 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - Gramophone Award - Gramophone Record of the Month - Prise de son d'exception - 5 Sterne Fono Forum Klassik - 5 étoiles de Classica
La Finlande est aujourd’hui une des terres musicales les plus riches de la planète, produisant, grâce à la qualité exceptionnelle de son enseignement musical, de nombreux compositeurs, chefs d’orchestre et interprètes qui font carrière dans le monde entier. Le très riche catalogue du dynamique éditeur finlandais Ondine contient de nombreux enregistrements du violoniste allemand Christian Tetzlaff (Sonates et Partitas pour violon seul) de Bach, sonates de Mozart, Trios de Brahms, concertos de Mendelssohn, Schumann et Chostakovitch) et du chef d’orchestre finlandais Hannu Lintu (Sibelius, Mahler, Enescu, Berio, Messiaen, Lindberg, Melartin), mais c’est leur premier disque en commun. Les deux Concertos pour violon de Bartók ont été écrits à trente ans d’intervalle pour deux virtuoses. Si le Deuxième Concerto, en forme de thème et variations se développant d’ingénieuse manière sur trois mouvements, est connu depuis longtemps, le premier est resté longtemps inédit. Écrit comme une déclaration d’amour à la violoniste suisse d’origine hongroise Stefi Geyer dont Bartók était amoureux, il a été tenu secret par sa dédicataire ; c’est bien après la mort du compositeur que la violoniste fit connaître l’œuvre au mécène et chef d’orchestre Paul Sacher, très proche de Bartók, qui en assura la création avec Hansheinz Schneeberger, en 1958 seulement. Les deux concertos de Bartók, essentiels dans le répertoire pour violon et orchestre, trouvent bienheureusement un regain d’intérêt auprès des violonistes de la jeune génération – l’enregistrement des mêmes œuvres par Renaud Capuçon chez Warner est paru il y a quelques semaines. Cette nouvelle version, magnifiquement enregistrée, en explore avec soin toute la richesse orchestrale, en parfait dialogue avec le violon superlatif de Christian Tetzlaff. © François Hudry/Qobuz « [...] L'accompagnement de l'Orchestre de la Radio finlandaise et la prise de son ont leur part dans la nouvelle référence qui s'impose ici malgré la haute qualité d'une très riche discographie. Lintu et son orchestre ne laissent rien dans l'ombre. Plus important encore : leur phrasé se nourrit aussi intensément que celui du soliste de cette nervure rythmique à laquelle le Concerto n°2 doit son renouvellement et son style singulier. [...] Quand avons-nous entendu les passages affolants de virtuosité investis, dans leur moindre atome, par une telle force ? Nouveau triomphe pour Tetzlaff, un an après ses Bach. » (Diapason, juillet-août 2018 / Patrick Szersnovicz)
14,99 €
9,99 €

Musique de chambre - Paru le 13 avril 2018 | Ondine

Hi-Res Livret
14,99 €
9,99 €

Concertos pour clavier - Paru le 2 mars 2018 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice
Comme son compatriote et aîné Christian Zacharias, le pianiste allemand Lars Vogt, né en 1970, s’adonne avec passion à la direction d’orchestre. Cet album est la dernière pièce composant sa nouvelle intégrale des concertos de Beethoven (y compris le Triple Concerto) qu’il dirige du clavier, à la tête du Royal Nothern Sinfonia, dont il est le directeur musical depuis 2015. Cet orchestre de chambre anglais de « formation Mozart » (quarante musiciens environ), basé à Newcastle, joue avec les plus grands musiciens de la jeune génération d’aujourd’hui. L’enregistrement des six concertos de Beethoven a été réalisé au cours de trois concerts pris d’assaut par le public. On y retrouve tout l’art du pianiste allemand démultiplié par les musiciens de l’orchestre auxquels il infuse sa façon de chanter par des phrasés larges et amples, mais aussi par cette manière particulière de faire rebondir la musique de Beethoven en accentuant systématiquement les syncopes au risque de la surarticuler. L’ensemble est très vivant grâce à un parcours musical constamment inventif au cours duquel le piano et l’orchestre s’adonnent à une brillante conversation. La prise de son privilégie le piano au point de souligner une certaine dureté de l’interprète qui sait heureusement doser le rêve, la réflexion et l’action, éléments essentiel du langage beethovénien. © François Hudry/QOBUZ/fév. 2018
14,99 €
9,99 €

Duos - Paru le 9 février 2018 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 5 Sterne Fono Forum Klassik
« Sœur cadette du violoniste Christian Tetzlaff, Tanja Tetzlaff a aussi formé pendant dix-sept ans avec Gunilla Süssmann un duo violoncelle/piano d'une complicité quasi symbiotique. Cet hommage à feu Einojuhani Rautavaara, investi par le violoncelle très complet de Tanja Tetzlaff, en est le dernier beau fruit — le dernier mais pas l'ultime, espérons-le, si la pianiste n'est plus affligée de la dystonie focale dont elle a été diagnostiquée à la main droite peu après l'enregistrement. [...] Les deux Préludes et fugues (1955) [...] assument un néoclassicisme bon teint : la subtilité de jeu du duo y est très touchante [...] Trois sonates tapissent le cœur de l'album : celle pour violoncelle seul (1969) lorgne le Bach des Toccatas autant que des Suites, la première avec piano (1972/73/2001) s'inscrit dans un héritage postromantique qui, déjà, se hérisse de clusters, annonçant un modernisme plus nettement revendiqué dans la seconde (1991) [...] » (Diapason, juin 2018 / Benoît Fauchet)
14,99 €
9,99 €

Musique symphonique - Paru le 9 février 2018 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Prise de son d'exception
« Voyage », voilà une métaphore fréquemment utilisée pour décrire la musique du compositeur estonien Erkki-Sven Tüür (né en 1959), qui parle de son concerto pour alto Illuminatio comme un « pèlerinage vers la lumière éternelle », tandis que dans sa Huitième Symphonie , il souligne l’importance d’une « idée permanente d’être en route ». Voilà qui en dit long sur la dynamique, la croissance et le développement de sa musique ; et pour élargir le propos, on peut affirmer que toute la carrière de Tüür est une sorte de voyage. Au cours de sa vie professionnelle, depuis les années 1980, il a toujours réformé et révisé ses idiomes et ses principes musicaux. Son ambitieux voyage a commencé… dans le rock, même si en même temps il étudiait la flûte, la percussion et la composition au Conservatoire. Depuis 1992, il s’est établi comme compositeur « freelance ». Au début de sa carrière, il développa une approche « polystylistique » alliant deux aspects d’apparence contradictoire, voire antagoniste : minimalisme et tonalité d’une part, modernisme d’autre part, dans un langage fait de contrastes et de synthèse. Au début du nouveau siècle, il modifia ses techniques d’écriture pour aboutir à un idiome nouveau, dans lequel « toute la composition est encapsulée dans un code-source – une sorte de gène qui, au fur et à mesure qu’il évolue, relie tous les points dans un seul et même tissu qui devient l’œuvre en son intégralité. » Toutes les œuvres de cet album datent de cette nouvelle période. L’un des pivots de l’œuvre de Tüür est la musique orchestrale (dont neuf symphonies et de nombreux concertos), de la musique de chambre et des œuvres vocales. Alors que le concerto pour alto peut s’apparenter à un voyage, Whistles and Whispers from Uluru (« Sifflets et chuchotements d’Uluru) de 2007, pour flûtes à bec et orchestre de chambre, est inspiré d’un paysage – l’Australie – et d’une sonorité – celle des flûtes à bec. L’œuvre a été commandée par l’Australian Chamber Orchestra pour la virtuose Genevieve Lacey, qui joue sur ce présent enregistrement – toutes les flûtes, du sopranino à la basse, certaines sonorités étant modifiées électroniquement. Enfin, quand un compositeur écrit rien moins que neuf symphonies, on peut en juger que le genre a pour lui quelque importance. Chez Tüür, « symphonique » s’entend dans le sens le plus large, et pas comme un type formel strict : plutôt une structure unique et indépendante pour chacune de ses œuvres symphoniques. Ses neuf symphonies forment le cœur de sa production, de la première de 1984 jusqu’à la plus récente de 2017. La Huitième, de 2010, fut commandée par le Scottish Chamber Orchestra ; considérant l’effectif de l’ensemble, Tüür se limita à une orchestration du genre « sinfonietta » plutôt que grand philharmonique, d’où la texture générale de nature souvent chambriste. © SM/Qobuz
14,99 €
9,99 €

Classique - Paru le 10 novembre 2017 | Ondine

Hi-Res Livret
Pēteris Vasks (né en 1946) s’est désormais taillé la place du compositeur letton le plus connu sur la carte du monde musical, et sa musique est jouée sur toute la planète. À cause de ses « origines indignes de confiance » – c’est ainsi que la dictature communiste voyait le fils d’un pasteur baptiste –Vasks ne fut pas admis au Conservatoire de Riga, et dut donc faire ses études à celui de Vilnuis, dans la classe de contrebasse. Et c’est en contrebassiste pour les orchestres baltes qu’il gagna longtemps sa vie, tout en composant déjà à tour de bras. Ses œuvres instrumentales en particulier finirent par trouver grâce auprès de Gidon Kremer qui fit en sorte de les diffuser le plus largement possible ; mais Vasks a également écrit pour le chœur, un élément très présent dans la vie culturelle balte. Les œuvres ici présentées furent toutes écrites entre 2011 et 2016 ; leur écriture renvoie à la polyphonie des temps passés, de la fin du Moyen Âge jusqu’à l’époque romantique, dans un monde parfaitement tonal duquel toute violence harmonique est bannie, même si son harmonie est autrement plus complexe que ne laisse imaginer la simple écoute. L’idéal premier de Vasks est la beauté pure, un idéal que partagent le Sinfonietta de Riga et le Chœur de la radio lettonne. On notera, touchant détail, que les textes de Seigneur, ouvre nos yeux et Le Fruit du silence sont de rien moins que Anjezë Gonxhe Bojaxhiu, sans doute plus connue sous le nom de mère Teresa. © SM/Qobuz
14,99 €
9,99 €

Musique vocale (profane et sacrée) - Paru le 10 novembre 2017 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
L’intérêt majeur de cet album est de présenter, outre les quelques œuvres assez bien représentées discographiquement que sont Nänie, le Gesang der Parzen et le Schicksalslied de Brahms, les Liebeslieder Walzer dans la version orchestrale qu’en a établi le compositeur lui-même. Curieusement, si les versions pour piano à quatre mains et pour quatuor vocal sont fort souvent enregistrées, il n’en est rien des neuf valses choisies par Brahms en 1870 pour sa réécriture orchestrale ; d’ailleurs, elles ne furent éditées que dans les années 1930, sans doute oubliées à la faveur des versions plus vendables. Autre rareté relative, le Begräbnisgesang – Chant de funérailles, Op. 13 pour chœur et orchestre de vents, une instrumentation qui rendait l’ouvrage utilisable pour des célébrations en plein air. L’excellent chœur de chambre Eric Ericson, fondé en 1945 par le célèbre chef de chœur Eric Ericson, accompagné par l’Orchestre de Gävle en Suède, nous offre ces somptueuses choses dans un enregistrement de toute beauté. © SM/Qobuz
14,99 €
9,99 €

Concertos pour clavier - Paru le 13 octobre 2017 | Ondine

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
« [...] Impossible, même pour les esprits chagrins, de résister au bain de jouvence d'une pareille interprétation : timbres fruités, vibrato parcimonieux, légèreté affable donnent un coup de jeune à une œuvre qui peut devenir pachydermique sous des archets et un clavier académiques. Nos trois artistes, particulièrement dans un délicieux dernier mouvement, se passent les thèmes avec un plaisir contagieux : que ce soit l'archet effilé et merveilleusement insinuant de Christian Tetzlaff, ou le piano racé et fringant de Lars Vogt [...] Petit bémol [...] en ce qui concerne le violoncelle tendu, parfois fragile, de Tanja Tetzlaff. Le Concerto pour piano n° 3 est joué avec une même transparence dynamique, une même souplesse rayonnante. [...] On ne s'ennuie pas un seul instant dans ce Beethoven débordant de vitalité et de verve. Dirigeant l'orchestre du clavier avec beaucoup d'à-propos, Lars Vogt souffle sur les braises d'une œuvre qui nous semblait devoir mourir à petit feu à force d'exécutions interchangeables. [...] (Diapason, janvier 2018 / Bertrand Boissard)