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Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

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Musique concertante - Paru le 20 octobre 2017 | Onyx Classics

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Musique vocale (profane et sacrée) - Paru le 22 mars 2019 | Signum Records

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
Nombreux sont les observateurs qui ont souligné combien la musique de Michael Nyman réinventait constamment le passé, et entre autres celui de Purcell. La musique du film Meurtre dans un jardin anglais, par exemple, emprunte au compositeur baroque anglais, selon une forme de « reconstruction, rénovation, re-narration, ré-arrangement, re-focalisation, revitalisation, ou même de simple réécriture », tel que le décrit Nyman lui-même. Le présent album met en parallèle les deux musiciens, ne serait-ce qu’avec Music for a While tiré de Oedipus de Purcell, suivi – avec un brin d’humour anglais – par Music after a While de Nyman où l’on retrouve certaines des tournures harmoniques et thématiques (en particulier la ligne de basse, très caractéristique) du modèle. Toutes ces pièces, qu’elles soient de l’un ou de l’autre, sont chantées par le très intrigant contre-ténor Iestyn Davies qu’accompagne le tout aussi singulier ensemble de violes Fretwork. Écrit en 2014, le cycle No Time in Eternity avec lequel s’ouvre l’album porte sans nul doute la griffe du génial minimaliste, entre instants irrésistiblement agités et larges moments planants : la voix inclassable de Davies y donne la réplique à des sonorités sorties du fond du temps ; et curieusement, ces deux sources sonores, appartenant toutes deux au monde que l’on pense baroque, se fondent parfaitement dans le modernisme du langage de Nyman. On retrouvera aussi, dans une réécriture originale pour cet album, les deux pièces que Nyman a composé pour le dessin animé japonais Le Journal d’Anne Frank ; on y découvre combien Nyman sait être tendre, sensuel et profond, y compris dans le monde assez spécial (que d’aucuns considèrent comme froid et distant) de sa musique dite minimaliste. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 3 mai 2019 | Signum Records

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
Les amateurs des fastes de la royauté britannique seront comblés avec ce double album reproduisant la « Musique pour le couronnement » des quatre souverains du XXe siècle : Edward VII en 1902, George V en 1911, George VI en 1937 et l’actuelle souveraine Elizabeth II en 1953. Peu de cérémonies atteignent aujourd’hui ce degré de magnificence. Point de rencontre entre tradition et innovation, ces fêtes du couronnement se caractérisent musicalement par l’évocation d’œuvres patrimoniales du passé auxquelles sont confrontées de nombreuses musiques commandées pour l’occasion aux meilleurs compositeurs du royaume. Pour mener à bien une telle entreprise, il faut fermer l’abbaye de Westminster pendant plusieurs mois pour qu’une armée d’ouvriers puisse ériger des galeries monumentales capables de recevoir près de huit mille invités. Il faut ensuite répéter avec d’importants effectifs choraux forts de quatre cents voix dont la moitié rassemble des voix d’enfants, un immense orchestre et le grand orgue omniprésent. Le présent enregistrement est constitué d’une sélection des meilleurs moments de toutes ces cérémonies, présentées comme une seule structure liturgique. Cette vaste reconstitution dirigée par Paul McCreesh suit en grande partie la cérémonie de 1937, en abandonnant toutefois le style propre à cette époque dans l’interprétation de Haendel. L’approche de sa musique a tellement changé qu’elle est présentée ici dans le style « baroque » propre à notre début de XXIe siècle. Il a fallu opérer des choix douloureux, notamment dans le choix du Te Deum, pièce maîtresse et point culminant de la cérémonie. Choix cornélien entre celui de Stanford (1902), Parry (1911), Vaughan Williams (1937) et William Walton (1953). C’est finalement ce dernier qui a été choisi pour son éclat et son élan théâtral. © François Hudry/Qobuz
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Musique symphonique - Paru le 8 février 2019 | Naxos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice
Certes, la figure tutélaire la plus indéboulonnable de la musique classique brésilienne restera toujours Villa-Lobos. Mais c’est sans compter avec le véritable fondateur de l’école musicale nationale du pays que fut Alberto Nepomuceno – qui fut d’ailleurs un infatigable mentor et ami de l’indéboulonnable en question ! Dès les années 1890, sous l’impulsion de Grieg, il se mit à explorer le monde infini de la musique traditionnelle et populaire de son pays, qu’il intégra ensuite dans son langage – timidement d’abord, puis de manière toujours plus hardie : Villa-Lobos, en quelque sorte, n’eut plus qu’à cueillir les fruits des arbres plantés par son illustre prédécesseur. Considérez également que rien moins que Richard Strauss avait dirigé à l’Opéra de Rio, lors de sa première tournée en Amérique du Sud, l’ouverture d’O Garatuja – présentée sur cet album –, quelques jours avant la disparition prématurée du compositeur. Sa Série Brasileira de 1897 ouvre la voie à bien des brasilianismes que l’on retrouvera par la suite, par exemple chez Milhaud, avec l’utilisation de thématiques directement reprises de la musique des rues d’alors, y compris l’instrumentarium de percussions le plus populaire qui soit. Le tout dans une écriture orchestrale tirée à quatre épingles, évident témoignage de l’excellent enseignement que reçut Nepomuceno lors de son long séjour en Europe – Allemagne où il dirigea même le Philharmonique de Berlin avec deux de ses œuvres, Autriche (une fameuse rencontre avec Mahler !), France (il était ami avec Debussy, Saint-Saëns ou d’Indy), Norvège, Suisse ou Belgique. C’est ici l’Orchestre Philharmonique de l’Etat du Minas Gerais qui officie, un tout à fait excellent orchestre basé à Belo Horizonte. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 11 mai 2018 | Naxos

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
Si la carrière du pianiste russo-israélien Boris Giltburg prend aujourd’hui un envol international, il se sent très proche de la Belgique depuis qu’il y a remporté le premier prix du Concours Reine Elisabeth en 2013. Après quelques enregistrements pour EMI (Warner), le voici interprétant en studio le Troisième Concerto et les Variations sur un thème de Corelli de Sergei Rachmaninov dans son dizième album pour Naxos, qui complète son approche, assez particulière, du pianiste-compositeur russe. Les Études-tableaux et le Second Concerto avaient divisé la critique, certains voyant en lui un « nouveau Glenn Gould » (sic) qui tord le cou aux habitudes, d’autres soulignant l’indifférence totale de son jeu. La technique de Boris Giltburg est telle qu’il peut laisser libre cours à son imagination et soigner les détails infinis d’un des concertos les plus difficiles du répertoire. Très intéressé par la facture instrumentale, il a en 2016 adopté le nouveau piano à cent deux touches du facteur français Stephen Paulello, un instrument passionnant que le monde musical attendait depuis longtemps et qui vient prouver que, comme au XIXe siècle, le piano peut encore évoluer vers d’autres sonorités. Pour ce Concerto n° 3, enregistré au Royal Concert Hall de Glasgow, Boris Giltburg retrouve son cher piano Fazioli et le chef mexicain Carlo Miguel Prieto dirigeant le Royal Scottish National Orchestra. © François Hudry/Qobuz
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Musique chorale (pour chœur) - Paru le 10 août 2018 | Naxos

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
Alexandre Kastalski (1856–1926) fut l’un des principaux musiciens de la sphère religieuse russe – du moins jusqu’aux alentours de la Révolution russe, ce après quoi il se tourna prudemment vers l’étude des musiques folkloriques russes. Élève de Tchaïkovski et de Taneïev, il intégra rapidement l’École moscovite de chant d’église, de 1887 à sa dissolution par les Bolshéviks en 1918. Compositeur, folkloriste, chef de chœur émérite, il sut se mouvoir librement à travers les genres et les styles, même si une grande partie de sa renommée reposait sur sa vision de la musique sacrée russe ancienne qu’il savait magiquement utiliser dans ses propres réécritures. Pour cette Mémoire éternelle des héros de 1917, on saisit qu’il embrasse à la fois l’élément sacré et la cause de la Révolution ; il s’agit là d’une réécriture de sa propre plume d’un ouvrage écrit deux ans plus tôt pour chœur et orgue, étant, donné que l’Église orthodoxe russe n’accepte pas les instruments de musique en son sein, seulement les voix. Le déroulement de l’ouvrage suit plus ou moins celui du rite orthodoxe byzantin, avec utilisation de la voix du chantre par moments. Naturellement, on ne peut pas ne pas penser aux Vêpres de Rachmaninov écrites deux ans plus tôt, en particulier dans l’utilisation des modes et thèmes de la liturgie ancienne, mais dans une réécriture polyphonique d’une intense richesse. Voilà un bien bel ouvrage, magiquement chanté par le Clarin Choir de Stephen Fox. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 9 novembre 2018 | Naxos

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice
La renommée mondiale de la Troisième Symphonie de Górecki, écrite en 1976 mais arrivée en fanfare sur le marché seulement en 1992, est telle qu’on en oublie totalement le reste de sa production. Et il faut dire que ses œuvres, dans la grande majorité, appartiennent à un tout autre genre, nettement plus avant-gardiste et révolutionnaire, que bien des auditeurs de la Symphonie n’abordent pas avec la même immédiateté. Le Premier Quatuor, écrit en 1988, ainsi que le Second de 1991, appartiennent à cette même mouvance moderniste ; mais le compositeur, qui a considérablement mûri au cours des ans, a sans doute aussi adouci son langage – il suffit de comparer ces deux quatuors avec Elementi Op. 19 No. 1 de 1966, également présenté sur cet album, pour mesurer le chemin parcouru : on est là dans la pure avant-garde de l’époque. Il est fort possible que les minimalistes, les « tintinnabulistes » et même Chostakovitch – voire Bartók ! – aient eu quelque incidence sur son écriture tardive. Le Tippett Quartet, autant à l’aise dans ce répertoire que dans Beethoven, officie avec fougue et maestria. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 2 septembre 2014 | Naxos

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Classique - Paru le 24 mars 2017 | Signum Records

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Award - Gramophone Editor's Choice - 4 étoiles de Classica
Les Saisons de Haydn en anglais ? Et pourquoi pas ! Si l’on considère que d’emblée, l’ouvrage fut publié en trois langues – allemand, français et anglais – et que le texte original qui servit au librettiste était un poème tout ce qu’il y a de plus anglais signé James Thomson, quand bien même dans la traduction allemande de Van Swieten, rien de plus normal que de donner cet impérial chef-d’œuvre en anglais. Cela dit, le texte anglais de l’édition originale de 1801 a toujours été considéré comme inchantable, car c’était là une sorte de retraduction de l’allemand vers l’anglais établie tant bien que mal par Van Swieten lui-même qui n’y connaissait pas trop grand’chose. Nombre de personnes se sont penchées sur le problème, tentant de revenir autant que faire se peut à l’original de Thomson, mais cela n’est pas chose facile sans s’en prendre à la musique. Pour cet enregistrement, le chef Paul McCreesh s’est donc attelé à la tâche et a concocté un texte réellement chantable et convaincant, qui respecte bien sûr la ligne chantée à la note près. Ses sources puisent auprès de divers poètes anglais en plus de Thomson, quelques chants populaires, ballades folkloriques etc. McCreesh est à la tête d’un superbe assemblage de divers ensembles, car la partition exige quand même un bel effectif : l’Orchestre baroque de Wrocław, le Chœur du National Forum of Music, le Gabrieli Consort et les Gabrieli Players, en plus des solistes vocaux. Avec son sens de l’architecture et de la sonorité, il nous offre là une lecture vivante, explosive, somptueuse de ce monument de joie et d’invention, dans laquelle les innombrables « peinture musicales » – les grenouilles, les criquets, les beuveries, la chasse (quelle scène fantastique !), les fileuses, le froid, la tempête, le gai laboureur sifflotant (sur le thème de la Symphonie « Surprise »…), les petits zoziaux – viennent souligner combien Haydn fut un extraordinaire visionnaire. © SM/Qobuz
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Musique symphonique - Paru le 20 janvier 2015 | Signum Records

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice
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Classique - Paru le 13 octobre 2017 | Naxos

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Intégrales d'opéra - Paru le 13 octobre 2017 | Signum Records

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice
« [...] Ian Page a pu décevoir dans de précédents opéras de Mozart, mais le voici à son affaire dans cette allégorie brillante. L'orchestre sonne à la fois riche et varié, très vivant, dessinant avec intelligence figures et lignes du discours. Les vents pourraient gagner en distinction, l'air aguicheur de la Fortune en volupté, mais les moments de faste sont réussis comme nulle part, et surtout cette œuvre difficile à soutenir, ni opéra ni oratorio, trouve ici l'allure, les ornements, le chœur qui siéent. Et les solistes — à une exception près. Car Stuart Jackson [...] paraît davantage illustrer la brutalité du Scipion historique [...] que les finesses de Métastase et Mozart. [...] En somme, le complément désormais nécessaire au luxe vocal de la version Hager, et la meilleure entrée actuelle dans l'œuvre.» (Diapason, janvier 2018 / Jean-Philippe Grosperrin)
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Mélodies (France) - Paru le 5 mai 2017 | Signum Records

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Classique - Paru le 30 septembre 2016 | Signum Records

Hi-Res Distinctions Gramophone Editor's Choice
Fidèle à sa quête de rareté et d’aventure musicale, la violoniste britannique Tamsin Waley-Cohen (*1986) s’est lancée dans l’enregistrement de deux concertos pour violon, non pas les sempiternelles œuvres de Beethoven, Brahms, Sibelius, Mendelssohn ou Tchaïkovski, mais ceux, bien plus inhabituels, de Roy Harris et de John Adams. Harris (1898-1979) écrivit son Concerto en 1949, dans le sillage du triomphe international de sa Troisième Symphonie de 1938, défendue avec ardeur par Koussevitzky et Bernstein. Elève de Nadia Boulanger, soutenu par Aaron Copland, il sut fonder un langage musical états-unien dans lequel étaient intégrés toutes les influences de cette terre, influence natives et influences « importées », jusques et y compris le jazz dont il emprunta parfois les tournures. Un compositeur totalement négligé en France, mais on peut gager que cette nouvelle interprétation de son Concerto pour violon soit d’un grand poids dans sa renommée de ce côté de l’Atlantique. Beaucoup plus connu, bien sûr, John Adams dont l’ultra-lyrique Concerto pour violon, de 1993, s’éloigne sérieusement de ce que l’on croit connaître du compositeur. Plus proche, à l’écoute, de Berg que de bien d’autres de ses propres ouvrages dans lesquels l’élément minimaliste prend le dessus, c’est là un ouvrage absolument splendide, ample et généreux, que l’on aimerait entendre plus souvent en concert en France. Franchement, Tamsin Waley-Cohen a eu la main heureuse dans son choix de programme. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 6 janvier 2015 | Naxos

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Concertos pour violon - Paru le 6 mai 2014 | PentaTone

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Difficile de renouveler notre plaisir dans des oeuvres tellement enregistrées. Et pourtant voilà une version généreuse et solaire de ces concertos galants qui force l'attention. Le violon de Steinbacher est charnel, les articulations réalisées avec une diction d'un rebond constant. Tout cela sonne avec une expression parfaitement assumée et une épaisseur de son presque sensuelle chez la soliste comme dans l'orchestre d'instruments modernes. Inutile de chercher de la gravité dans ces pages probablement destinés à Mozart lui-même, sauf peut-être dans l'adagio du Concerto no 3 où passe une ombre fugitive. C'est de la pure musique pour plaire et ce n'est pas interdit. FH
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Classique - Paru le 3 février 2015 | PentaTone

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Inclassable violoncelliste-star Matt Haimovitz (* 1970) : après une première décennie comme soliste sur la grande scène internationale, et comme artiste de la DGG où il entra dès l’âge de dix-sept ans, il décida de s’éloigner de ce monde trop formaté pour explorer d’autres répertoires – jazz, rock, pop, folk, crossover… – et d’autres lieux de concert : bars, cafés, clubs underground, restaurants, petites salles paumées à la campagne, pour y apporter les Suites de Bach et autres grands monuments à un public moins standardisé. Depuis 1999, son propre label discographique propose des œuvres différentes, des artistes moins marketés, et des visions inhabituelles du répertoire. C’est dans cet esprit quasiment frondeur qu’il nous offre l’intégralité des sonates et variations de Beethoven pour violoncelle et piano, ici jouées sur un pianoforte Thomas Broadwood de 1823, un modèle similaire à celui que le facteur offrit à Beethoven en 1817. Sonorités boisées de part et d’autre, pour une lecture hardie et beethovenienne, sans affectation ampoulée, de ces sublimes sonates.© SM/Qobuz
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Classique - Paru le 3 juillet 2015 | PentaTone

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice - 5 Sterne Fono Forum Klassik
En cette année du centenaire de la mort de Scriabine, quoi de plus normal que nombre de nouveaux enregistrements lui soient dédiés… et quoi de plus normal, hélas, que ce soient plus ou moins toujours les mêmes œuvres puisque, du haut de ses quarante-trois de vie, le malheureux compositeur n’a eu que le temps d’écrire pour orchestre trois symphonies, deux poèmes symphoniques et un concerto pour piano. Et encore, seuls la troisième symphonie et les deux poèmes sont-ils de la « dernière » époque scriabinienne, celle qui s’ouvre sur de nouveaux mondes jusque-là inexplorés. Ce nouvel enregistrement signé Mikhail Pletnev allie la Première symphonie de 1900, un gigantesque ouvrage en six mouvements avec chœur et solistes vocaux – une de ces œuvres avec lesquelles le compositeur semble « fermer » le siècle romantique avec éclat – et le génialissime Poème de l’extase, une véritable orgie orchestrale et un monde sonore extraordinairement nouveau. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 14 octobre 2013 | naïve classique

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice - 4 étoiles de Classica - Hi-Res Audio
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Classique - Paru le 4 novembre 2014 | Naxos

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