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Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

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Classique - Paru le 22 septembre 2017 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
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Classique - Paru le 18 octobre 2019 | ECM New Series

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La sonorité envoûtante du saxophoniste Jan Garbarek, nimbée d’une riche réverbération, semble se mouvoir en apesanteur sous la haute voûte d’une église romane. Tandis que les voix du Hilliard Ensemble tissent un dialogue à partir des œuvres anciennes de Pérotin, Hildegarde de Bingen ou plus récentes de Nikolai Kedrov et Arvo Pärt, Jan Garbarek déroule un discours rhapsodique aux échos douloureux. Cette cinquième voix résonne, immatérielle, telle une mélodie infinie venue de temps immémoriaux. Une double dimension temporelle enveloppe l’auditeur : d’un côté l’éternité avec le continuum du saxophone, dont le langage modal « élargi » entre univers médiéval et inspiration orientale devient une langue universelle (« sa fin est son commencement », comme dirait Machaut) ; de l’autre le temps humain des voix. Les musiciens poursuivent leur exploration sonore et nous plongent dans la matière même du son, particulièrement deux de ses composantes – la mélodie et le souffle – sublimées par la synthèse unique des voix du Hillard Ensemble et du timbre poignant du saxophone. © Elsa Siffert/Qobuz
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Classique - Paru le 2 novembre 2018 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
Quand bien-même cet album s’intitule « Die Nacht » (La Nuit), reprenant ainsi celui de plusieurs Lieder et chœurs de Schubert ainsi nommés, l’ouvrage-pivot reste bien sûr la Sonate « Arpeggione », jouée ici au violoncelle et à la guitare. Oh oui, la guitare : à l’époque romantique, l’instrument était celui par excellence du Wanderer qui, comme on s’en doute, ne se promenait pas à travers les prés et les bois avec un piano sur le dos. Qui plus est, l’adaptation, réalisée ici par la violoncelliste Anja Lechner et le guitariste Pablo Márquez, est des plus fidèles au texte, ainsi qu’on se peut l’imaginer. Autour de la sonate, on pourra entendre – toujours en réécriture – quelques Lieder de Schubert ainsi que la romance de Rosamunde. Et en guise de « preuve historique », si besoin était, Lechner et Márquez nous proposent trois nocturnes (encore la nuit !) de Burgmüller, originalement conçus pour violoncelle et guitare. Friedrich Burgmüller (1806-1874), Allemand de naissance, passa presque toute sa vie d’adulte… à Paris, où il adopta aisément le style de la ville, fait d’un mélange de romantisme et de musique de salon ; il composa de nombreuses pièces à usage domestique et pédagogique, encore en usage de nos jours d’ailleurs. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 13 septembre 2019 | ECM New Series

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Quatuors - Paru le 21 septembre 2018 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Et pourquoi ce titre Prisme I, je vous prie ? Le quatuor à cordes danois s’exprime : c’est là le premier volume d’une série dans laquelle l’ensemble proposera une fugue de Bach servant de prisme à un des ultimes quatuors de Beethoven, suivi d’un quatuor plus contemporain. Dans le cas présent, la fugue est celle en mi bémol majeur du Second Livre des Préludes et Fugues de Bach, telle que transcrite pour quatuor par Mozart. Suit l’obscurité scintillante du Quinzième et dernier Quatuor de Chostakovitch, une sorte de testament construit en six mouvements – chacun marqué adagio ! C’est dire l’ampleur et la lenteur du discours qui, dans la littérature, n’a sans doute d’égal que la Troisième Symphonie de Górecki ; même s’il s’y trouve d’assez nombreuses fulgurances rapides, comme des échappées de flammes sous un volcan en dangereux sommeil. Le compositeur aurait confié qu’il convenait de le jouer de manière « à ce que les mouches tombent mortes en vol, et que les spectateurs commencent à quitter la salle, lassés d’ennui ». Certes, certes, mais la richesse hypnotisante du discours de ce Quinzième ne risque guère d’ennuyer qui que ce soit. L’album se referme avec le Quinzième Quatuor de Beethoven, Op. 132, qui n’est quinzième que de nom puisqu’il fut écrit avant le Treizième – affaire d’éditeur ; disons que c’est le deuxième des cinq derniers écrits par le génial sourd vers la fin de sa vie, après quinze ans de silence dans le genre du quatuor à cordes. On y trouve en concentré tout le langage de l’ultime compositeur, déjà enfermé dans sa tête mais dont la créativité ne se heurte plus à aucune borne, justement. © SM/Qobuz
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Duos - Paru le 27 octobre 2017 | ECM New Series

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Piano solo - Paru le 31 août 2018 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama
Depuis que les premiers compositeurs ont donné à leurs pièces des titres tels que « nocturnes » ou « sérénades », il existe de la musique spécifiquement destinée à évoquer le crépuscule ou la nuit. Par contre, ce n’est qu’à partir de l’ère romantique que la nuit a commencé à rimer, musicalement du moins, avec inquiétude, voire terreur. Les Phantasiestücke de Schumann (1837) comportent au moins un mouvement nocturne dans lequel la nuit est présentée sous un jour (ose-t-on dire) quasiment terrorisé : In der Nacht, un des plus grands moments schumanniens, concentré en à peine quatre minutes. Soixante dix ans plus tard, Ravel poussait la terreur encore plus loin avec Le Gibet, le mouvement central de Gaspard de la nuit – encore la nuit –, un gibet où les pendus balancent doucement au son de la cloche nocturne ; tandis que Scarbo qui referme le triptyque évoque un gnome de cauchemar. Enfin, si En plein air de Bartók ne se passe pas forcément la nuit de bout en bout, le quatrième mouvement, Musiques nocturnes, reste l’un des moments les plus inquiétants de toute la littérature pianistique. Né à Budapest en 1968, Dénes Várjon a étudié auprès de György Kurtág et d’András Schiff. Lauréat des prix Liszt ainsi que des concours Géza Anda et Leo Weiner de Budapest, il se produit dorénavant aux festivals de Salzbourg, Lucerne, Davos, ou encore avec l’Orchestre de Chambre de Vienne, la Tonhalle de Zürich, l’Academy of St. Martin-in-the-Fields, la Kremerata Baltica. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 2 novembre 2018 | ECM New Series

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Classique - Paru le 10 mai 2019 | ECM New Series

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Classique - Paru le 24 mai 2019 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
« L'eau est synonyme de temps et confère à la beauté son double. »Anna Gourari, pianiste d’une autorité et d’un naturel rares, a choisi ces mots, tirés de l’essai de Joseph Brodsky sur Venise, comme épigraphe à son troisième enregistrement pour ECM. Son programme, à la fois varié et ciblé, comporte de remarquables exécutions publiques de deux mouvements lents de Bach encadrant une sélection de morceaux choisis de notre époque — long saut dans le temps qu’elle parcourt d’une œuvre à l'autre avec une aisance magique. On retrouve des réminiscences de Bach dans les notes régulièrement répétées du Journal (7 pièces pour piano) que le compositeur russe Rodion Shchedrin a dédicacé à Anna Gourari. Dans les Cinq Aphorismes d’Alfred Schnittke, il nous est donné d’entendre d’étranges et beaux accords qui semblent condenser des pans entiers de l’harmonie de Bach — cette affinité insaisissable qu'évoque le titre de l’album "Elusive affinity". Les deux mouvements lents de Bach sont issus de ses propres transcriptions pour clavier de concertos d’Antonio Vivaldi et Alessandro Marcello, qui leur confèrent une intimité étroite que Gourari transmet tout au long de cet album. Vivaldi et Marcello étant tous deux vénitiens, Venise fournit, selon cette "elusive affinity", le lieu imaginaire de l’enregistrement. Des photographies de Luca d’Agostino, reproduites dans le livret, suivent la pianiste par une arche vénitienne, à côté d’un ancien mur, au bord du lagon. L'eau circule dans la ville, enveloppant le passé et le présent, l’ancien et le nouveau. Tout en écoutant, les images de Bach d’une Venise qu’il n’a jamais visitée flottent dans notre conscience avec celles des autres compositeurs plus proches. Ces autres rappellent que Venise, l'image miroir méditérranéenne de Saint-Pétersbourg, a longtemps été importante pour les artistes russes. Les sombres pièces de Schnittke, pour autant non démunies d’esprit, ressemblent à des ombres traversant un pavé ensoleillé. Arvo Pärt, représenté à travers une œuvre de jeunesse — exemple essentiel mais largement ignoré de son style lumineux — évoque des sonneries de cloche de Venise et de la Baltique. Suivent deux miniatures obsédantes de Giya Kancheli et une série d’hommages à des amis de Wolfgang Rihm, où la gravité épouse la lumière, dans une signature également vénitienne. © ECM Records (translated from English)
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Classique - Paru le 5 septembre 2014 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions Sélection JAZZ NEWS
Orient et Occident. C’est ainsi que le duo formé par Anja Lechner et Franҫois Couturier devait initialement s’appeler. Finalement, la violoncelliste allemande et le pianiste français ont opté pour un sobriquet un brin plus poétique et moins lourd de signification : Moderato cantabile. Est-ce par goût pour cette indication musicale sur le rythme, modéré (moderato) et chantant (cantabile) ? Ou en référence au roman de Marguerite Duras ? Quoi qu’il en soit, après une décennie de travail en commun au sein du Tarkovsky Quartet et une alliance en cours dans le projet Il Pergolese, Lechner et Couturier présentent ici leurs arrangements des œuvres de trois compositeurs fascinants : George Ivanovich Gurdjieff, Komitas et Federico Mompou. À plusieurs degrés, leur musique révèle des sonorités de l’Est, en termes de relations entre folklore et musique religieuse, et en termes philosophiques. D’une certaine manière, le violoncelle prend presque le rôle d’un chanteur et les trois compositions de François Couturier fonctionnent comme des éléments contrastés mais complémentaires. Le résultat final est un disque sublime, enregistré au studio Lugano en novembre 2013 par Manfred Eicher pour son label ECM. Un album offrant une unité d’émotion totale que le dialogue et la complicité qui s’installent entre les deux musiciens ne fait qu’amplifier. © MD/Qobuz
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Classique - Paru le 7 octobre 2016 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Jazz
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Classique - Paru le 25 novembre 2016 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions Gramophone Editor's Choice - 5 Sterne Fono Forum Klassik
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Classique - Paru le 18 mars 2016 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles Classica
Pour plus de clarté : cet enregistrement propose des œuvres du compositeur Tõnu Kõrvits (* 1969), dont certaines reprennent et transforment des pièces plus anciennes de Veljo Tormis (* 1930). La couverture de l’album n’étant, il faut l’avouer, pas très claire quant à savoir qui fait quoi, du moins pour un mélomane qui n’évoluerait pas dans le monde musical balte. Il existe une véritable tradition chorale balte – estonienne dans le cas précis – qui n’a d’égal que la tradition magyare et celle des pays anglo-saxons ; Veljo Tormis en est l’un des grands tenants, lui qui a su si magistralement emprunter au richissime fonds traditionnel et folklorique de son pays pour l’intégrer dans de grandes formes chorales « classiques ». Dans le même esprit, Tõnu Kõrvits s’est saisi de bases similaires dans bon nombre de ses premières œuvres, qui l’ont propulsé à l’avant-scène de la vie musicale balte ; d’autant qu’à la différence de son illustre aîné, Kõrvits n’eut pas besoin de se battre contre les autorités de la dictature soviétique qui essayait mordicus de dé-baltiser la culture locale ! Le présent prorgamme propose des œuvres chorales, mais aussi quelques récents ouvrages pour orchestre seul, dont les intrigants Labyrinthes de 2010, un langage duquel ne sont bannis ni la tonalité ni l’atonalité : Kõrvits développe sa propre harmonie, souvent planante et éthérée, contemplative, avec quelques éléments minimalistes et tintinnabulantes – évidente révérence à Pärt – mais aussi des développements que n’aurait pas renié Britten. L’album s’achève avec l’ample cycle Sept rêves et sept oiseaux de 2012, une suite pour chœur et violoncelle solo de toute beauté. Kõrvits est sans doute LE compositeur contemporain avec lequel il faut dorénavant compter. © SM/Qobuz« [...] l’efficacité expressive d’un musicien qui est largement impliqué dans l’écriture musicale cinématographique. Körvits emprunte aux esthétiques les plus diverses, quêtant une forme d’épure harmonique séduisante. Son obsession demeure le chant et la traduction musicale du raffinement de la nature idolâtrée. Elle nous est contée par le truchement du violoncelle qui, tout au long du programme, joue le rôle du narrateur face aux chœurs et ensembles de cordes. On découvre ainsi des couleurs, des stridences, des mélopées étranges. [...] De cette musique naît une véritable dramaturgie qui, pourtant, se refuse à toute emphase. Nous découvrons une musique impalpable, hors du temps, particulièrement expressive dans le chant des marins – Le Dernier bateau – puis dans le Chant pour violoncelle et cordes. Voilà de véritables tubes ! La finesse de l’interprétation est au diapason de ces œuvres que la moindre digression ferait aussitôt s’évanouir.» (Classica, juin 2016 / Luc Nevers)
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Classique - Paru le 22 janvier 2016 | ECM New Series

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Classique - Paru le 21 novembre 2014 | ECM New Series

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Classique - Paru le 25 août 2017 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
Que Tomás Luis de Victoria soit né en 1548, vingt-sept ans après la disparition de Josquin des Prés, ne doit pas faire juger l’auditeur que cet album présente des ouvrages « disparates » d’un compositeur du tout début de la Renaissance d’une part, d’un second compositeur de la fin de ladite Renaissance d’autre part. À cette époque, les œuvres des uns et des autres circulaient – souvent sous forme de tablature dans le cas de la musique pour luth ou vihuela – et surtout chacun les restituait selon ses propres idées (d’autant que les tablatures restent discrètes quant aux rythmes), selon les capacités de son instrument, selon qu’il jouait seul ou qu’il accompagnait un chanteur… Le présent programme offre donc une telle restitution personnelle des œuvres de Victoria et Josquin, telles qu’imaginées par les voix des chanteurs John Potter et Anna Maria Friman, ainsi que par les vihuelas d’Ariel Abramovich, Lee Santata et Jacob Heringman. Heringmann qui, pour mieux souligner la vivacité du langage de cette Renaissance, nous propose une demi-douzaine de petits « Préludes » instrumentaux parsemés à travers l’album, qu’il a improvisés lui-même dans le style de l’époque, en se servant de bribes, d’accents, de suggestions, de tournures telles que pratiquées alors. Voilà bien une excellente remise à plat de la conception même d’ « authenticité historique » puisque celle-ci reste toujours intimement liée au moment, aux instruments, aux instrumentistes, et aux mille niveaux de lecture possibles de la musique de la Renaissance. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 16 octobre 2009 | ECM New Series

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Mêlant art de l'improvisation et rigueur musicologique, Diminuito interroge la pratique de l'ornementation dans le Veneto du XVIe, via le phénomène de la "diminution" des unités rythmiques et harmoniques.
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Classique - Paru le 12 juin 2015 | ECM New Series

Hi-Res Livret Distinctions Top du mois de Jazznews
Concédons que la couverture de cet album n’est pas des plus claires : de qui sont les pièces présentées ? De ce John Potter dont le nom apparaît en premier ? Que nenni : Potter est le chanteur principal du petit groupe qui rassemble, outre lui, la soprano Anna Maria Friman (qui joue aussi du violon de Hardanger) et deux luthistes. Quant aux compositeurs, ils appartiennent non seulement à toutes les époques – de la Renaissance au XXe siècle – mais également à bien des styles différents, puisque l’on mêle des pièces résolument « classiques » anciennes, romantiques ou plus récentes, à des songs écrits spécifiquement pour luth et chant par trois grands bonshommes issus du milieu du rock : John Paul Jones du groupe Led Zeppelin, Tony Banks de Genesis et Gordon Matthew Thomas Sumner, plus connu sous le nom de Sting. Cela dit, la frontière est mince et mouvante entre les deux mondes, car les pièces de la Renaissance de Dowland ou Campion sont elles-mêmes des songs, d’interprétation et d’accompagnement fort libres. Délicieuse juxtaposition, et la preuve que bien des stars de rock sont aussi de très fins musiciens… © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 27 septembre 2013 | ECM New Series

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