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Grâce au travail réalisé en amont avec les studios d'enregistrement, et en collaboration avec des labels de plus en plus nombreux, indépendants et majors (Plus Loin Music, Bee Jaz, Ambronay Editions, Zig Zag Territoires, ECM, Mirare, Aeolus, Ondine, Winter & Winter, Laborie etc.), Qobuz propose de plus en plus de nouveautés et une sélection croissante de son fond de catalogue en qualité Hi-Res 24 bits. Ces albums reproduisent à l'identique le son fourni par le studio en sortie de console, et offrent un confort d'écoute inégalé, supérieur à celui des CD (généralement \"réduits\" pour le mastering en 44,1 kHz / 16 bits). Les fichiers \"Qobuz Hi-Res\" sont sans DRM et sont 100% compatibles Mac et PC. Loin de la démarche du tout-MP3 qui s'est développée ces dernières années au détriment de la qualité sonore, Qobuz renoue ainsi avec l'exigence sonore pour faire bénéficier les mélomanes tout à la fois du confort de la musique en ligne et de l'exigence audiophile.

Note Les albums vendus par Qobuz en qualité Hi-Res 24 bits nous sont fournis par les labels directement. Ils ne sont pas ré-encodés depuis des SACD et nous garantissons leur provenance directe. Nous nous interdisons, pour faire grossir plus vite cette offre, les tripatouillages suspects.

259 albums triés par Meilleures ventes et filtrés par Classique, Various Composers et 24 bits / 192 kHz - Stereo
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Classique - Paru le 6 septembre 2019 | Ricercar

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Conçu dans une passionnante perspective historique, cet album raconte en musique l’invention du violon à Crémone et son développement à Venise où on commence à l’utiliser au début de l’ère baroque, vers 1600. Petit à petit, la « viola da braccio » est modifiée et perfectionnée par des luthiers inventifs comme les Amati, puis leurs héritiers Guarneri et Stradivari. Ces nouveaux instruments sortent des ateliers de Crémone et de Brescia, en Italie du nord. Avant Corelli, dont les œuvres vont inonder toute l’Europe, Giovanni Gabrieli, Biagio Marini, Salomone Rossi, Giovanni Legrenzi ou encore Francesco Cavalli composent les premières œuvres pour violon(s). Créé en 2001 en Belgique par la violoniste Stéphanie de Failly, l’ensemble Clematis (du nom d’une fleur agréablement odorante qui symbolise idéalisme et créativité) se consacre principalement à la découverte des répertoires méconnus du XVIIe siècle : italien, allemand et français. L’ensemble se consacre en particulier au développement italien du répertoire pour violon, comme l’illustrent les enregistrements dédiés à Carlo Farina d'une part et à Giovanni Battista et Tomaso Antonio Vitali d'autre part. Stéphanie de Failly a notamment enregistré la célèbre Ciaconna de Vitali d'après le manuscrit original, rendant à cette partition toute son originalité baroque. © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 3 août 1988 | Deutsche Grammophon (DG)

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C’est un des enregistrements légendaires du Concerto en si mineur d’Antonín Dvořák. Pierre Fournier y fait montre d’une grande autorité musicale. Sa technique d’archet fait ici merveille, sa large sonorité traduit avec bonheur le lyrisme à fleur de peau d’une partition qui faisait l’admiration de Brahms. Heureusement que les micros de Deutsche Grammophon étaient là pour rétablir un équilibre difficilement conciliable en concert entre le frêle son du violoncelle et l’énormité de l’orchestration. En maître absolu de l’orchestre, en l’occurrence la Philharmonie de Berlin à son meilleur, George Szell donne une dimension symphonique au chef-d’œuvre du compositeur tchèque. Le Concerto de Sir Edward Elgar avait lui aussi les faveurs de Pierre Fournier qui en donne ici une interprétation vraiment chaleureuse, trop souvent éclipsée par celle, géniale au demeurant, de Jacqueline Du Pré qui semble avoir effacé toutes les autres. Un grand disque à écouter sans modération sur votre Qobuz. © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 3 mai 2019 | Deutsche Grammophon (DG)

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Classique - Paru le 1 janvier 1968 | Deutsche Grammophon Classics

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Musique de chambre - Paru le 27 octobre 2017 | Alpha

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Une voix, un luth, un soupir. Rien de plus simple et de plus immémorial. Cette expression du sentiment et des émotions, des intermittences du coeur et des ombres de l’âme est naturellement aussi vieille que le monde. Pourtant, elle fut bien une reconquête de la Renaissance. Avec Caccini, la nouvelle musique trouve d’emblée un mélodiste miraculeux. Il compose une Euridice, jouée en 1602, deux ans après celle de Jacopo Peri et cinq ans avant l’Orfeo de Monteverdi. La Renaissance n’a pas connu l’opéra, mais elle l’a longuement secrété. C’est lui qui, flambant neuf, ouvre et clôt cet enregistrement par la voix de son premier visionnaire, Claudio Monteverdi. Dans son Lamento d’Arianna, pièce centrale d’un ouvrage perdu, douleur, regrets, révolte, sont exprimés par la musique même de la langue italienne, portée ici à l’incandescence. Cette musique nouvelle se répand dans toute l’Italie : Merula à Crémone, Falconieri à Naples, Barbara Strozzi à Venise, la plus célèbre compositrice de l’époque. Grande amoureuse de ces musiques, la soprano italienne Roberta Mameli les interprète avec un sens du verbe et du drame inouï. Luca Pianca lui offre son art et sa grande expérience. © Alpha Classics
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Classique - Paru le 14 octobre 2016 | Alpha

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
Avec l'ensemble américain Saint Paul Chamber Orchestra, la violoniste moldave Patricia Kopatchinskaja – qui vit toujours l'interprétation comme une recréation – met en scène dans ce programme sa propre méditation musicale sur la mort. Allusions pour la plupart à la danse macabre médiévale, des pièces de Dowland, Nörmiger, Gesualdo, Kurtág et Schubert servent d'interludes entre les mouvements du Quatuor schubertien entendu ici dans le propre arrangement pour orchestre de la violoniste. Malgré la diversité d'origine et de style de ces pages, les musiciens ont su en faire un tout cohérent qui n'est pas sans valeur. Quant au Quatuor "La jeune fille et la mort", en voilà une vision nouvelle où la théâtralité et les contrastes accusés pour mieux exprimer les sentiments de peur, colère, désir et désespoir prennent le pas sur l'écriture schubertienne dans les moments où celle-ci n'est que subtilité, magie et transparence. Force-t-elle le trait ? Qu'on en juge comme l'on veut, mais on ne pourra en tout cas retirer à Patricia Kopatchinskaja son engagement, son intensité et son inventivité. (Qobuz / GG)  
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Classique - Paru le 29 mai 2015 | Deutsche Grammophon (DG)

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Prise de son d'exception
Les Quatre saisons américaines de Philip Glass – soit son Second Concerto pour violon – représente un nouveau tournant dans le langage du compositeur. Beaucoup moins « minimaliste », beaucoup plus tourné vers l’élan mélodique, avec une évidente révérence à Vivaldi dans le traitement du violon solo, voilà de quoi donner du fil à retordre à quiconque imaginerait que les minimalistes ne savent pas se renouveler ou se remettre en cause. Outre les quatre mouvements – dont on ne saura pas lequel représente quelle saison, à l’auditeur de laisser errer son imagination – l’ouvrage comporte quatre interludes confiés au violon solo, en guise de cadences, si l’on veut. L’autre grand morceau ici donné par Gidon Kremer et sa Kremerata Baltica est >Ex contrario (2006) du Géorgien Guia Kantcheli qui fête cette année ses quatre-vingt printemps. Minimaliste sans doute, mais aussi et surtout hypnotique, mélodieuse et planante mais souvent d'une grande intensité dramatique, voilà comment l’on pourrait en deux mots caractériser cette musique postmoderniste à tendance mystique. On ne s’étonnera pas que parmi ses interprètes l’on compte le Philadelphia Orchestra, le Philharmonique de New York, Bashmet, Rostropovitch, ou le présent Kremer. © SM/Qobuz« [...] Loin de se complaire dans un pessimisme bon teint ou de ne retenir que le statisme d'une musique qui, sans transition, bascule de plages raréfiées à des éclats sonores bruts, ils en magnifient la puissance expressive.» (Diapason, janvier 2016 / Patrick Szersnovicz)
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Classique - Paru le 6 septembre 2019 | Challenge Classics

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Classique - Paru le 1 avril 2016 | ACOUSENCE Classics

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La transcription d’œuvres baroques se pratiquait déjà allègrement à l’époque baroque alors qu’elle ne se connaissait pas ce nom de « baroque » (elle se considérait alors comme moderne et contemporaine…) : Bach transcrivit nombre de ses contemporains, Haendel en fit autant – sans toujours mentionner ses sources, le petit facétieux – sans même parler de l’auto-transcription, indispensable recyclage de pièces restées antérieures inutilisées. Mais l’on restait là dans son époque ; or, dès le XIXe, lorsque l’on redécouvrit la musique du XVIIIe siècle, l’on se fit une joie de transcrire d’innombrables grands ouvrages en particulier pour le piano. Liszt fut l’un des premiers à s’en donner à cœur joie avec ses transcriptions de Bach et de Haendel, suivi par tant d’autres virtuoses-compositeurs comme d’Albert, Godowsky, Friedman et Busoni qui se saisirent d’œuvres pour clavecin, pour orgue, pour orchestre, et même de pièces vocales, pour en faire de nouvelles versions puissamment pianistiques. Généralement, ils s’interdirent trop de modifications lorsque leur source provenait du clavier ; par contre, quelques cas se singularisent, comme la transcription de Godowsky de la Deuxième Suite pour violoncelle, transférée au piano avec moult rajouts et harmonisations pianistiques postromantiques. On aime, on n’aime pas, mais l’esprit de Bach n’est pas vraiment trahi ; et sans doute n’aurait-il pas renié lui-même le principe de remise au goût du jour. Au piano pour tous ces ouvrages, Roberto Cominati (* 1969), qui remporta en son temps les Prix Casella de Naples et Busoni de Bolzano, puis le Prix du public au Concours Reine Elisabeth de Belgique. Puristes baroques, s’abstenir ; amoureux du piano et de la musique baroque dans tous ses états, se ruer. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 21 septembre 2018 | Reference Recordings

Hi-Res Livret Distinctions 5 Sterne Fono Forum Klassik
C’est le huitième enregistrement proposé par Manfred Honeck dans le cadre de la très populaire série « Pittsburgh Live », capté dans l’excellente acoustique du Heinz Hall où l’orchestre symphonique de cette ville a élu domicile. Couplage inédit avec une version à la fois chambriste, agitée et dansante de la Symphonie n° 3, « Héroïque » et du Concerto pour cor n° 1 qu’un Richard Strauss de dix-huit ans a écrit pour son père, corniste très célèbre à Munich. Né en Autriche en 1958, Manfred Honeck fait une carrière internationale après avoir étudié avec Leonard Bernstein et avoir été l’assistant de Claudio Abbado au Gustav Mahler Jugendorchester. En poste à Oslo, puis à Stockholm, il est, depuis 2007, le très estimé chef titulaire de l’Orchestre Symphonique de Pittsburgh avec lequel il a réalisé plusieurs enregistrements, dont une intégrale des symphonies de Gustav Mahler. Beethoven est la grande affaire de Manfred Honeck qui dirige les symphonies dans le monde entier, parfois par cycles entiers avec les concertos et les ouvertures. Les dix années de son activité à la tête de l’Orchestre de Pittsburgh ont été salués par la presse et par de nombreux concerts. Dix ans pendant lesquels le chef autrichien a rencontré de nombreux succès sur place et en tournée, créé de nombreuses œuvres nouvelles, réalisé de nombreux enregistrements et essuyé une grève qui faillit mettre l’orchestre en péril. Cors surpuissants à « l’américaine », cordes mordorées, précision chirurgicale et soin du détail, ce nouvel enregistrement illustre parfaitement le travail du maestro autrichien à la tête de cette formation historiquement parmi les plus importantes du territoire états-unien. © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 18 août 2017 | Reference Recordings

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Musique de chambre - Paru le 6 juillet 2018 | BIS

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Voici un florilège d’œuvres pour luth de compositeurs élisabéthains et jacobéens, sous les doigts experts de Jakob Lindberg ; les plus célèbres, que sont Dowland, Byrd ou Holborne, les plus rares que sont John Johnson, Daniel Bacheler et Edward Collard, sans oublier le plus prolifique de tous les temps, « Anonyme“. Tel quel, ce programme ne manque déjà pas d’originalité ; mais la grande idée de Lindberg est de donner, en guise de pivot central de l’album, le Nocturnal de Benjamin Britten, écrit en 1963 pour le guitariste Julian Bream, mais au luth. Avec autorisation de la fondation Britten, bien sûr, et surtout avec exploitation des manuscrits préparatoires du compositeur ; et quand on sait que Britten aimait beaucoup le luth, on imagine volontiers qu’il aurait applaudi à cette translation de la guitare au luth. Et il est vrai que la sonorité plus veloutée, moins brillante, du luth, offre une nouvelle lecture de l’œuvre, dont le caractère à la fois moderne et délibérément archaïque en sort souligné. Excellente idée donc de juxtaposer les XVIe et XVIIe siècles avec le XXe, d’autant que Britten avait déjà jeté un pont de toute beauté. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 16 février 2018 | Deutsche Grammophon (DG)

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Classique - Paru le 1 janvier 1975 | Decca Music Group Ltd.

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Musique symphonique - Paru le 6 avril 2018 | Deutsche Grammophon (DG)

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Andris Nelsons poursuit son intégrale des symphonies de Bruckner avec le Gewandhaus de Leipzig dont il est désormais le directeur musical. À la tête de ce fabuleux orchestre aux sonorités mordorées, le chef letton renoue avec l’époque des mythiques enregistrements brucknériens de Jochum, Böhm, Haitink ou Wand. La perfection orchestrale, la plasticité des masses sonores, la cohérence dans tous les pupitres, l’incroyable réserve de puissance font de ce nouvel enregistrement un véritable évènement. Andris Nelsons a parfaitement résumé la musique de Bruckner en disant qu’elle « élève l’âme ». Sous sa baguette, la musique du grand Autrichien est une véritable expérience spirituelle qui dépasse la mystique catholique pour atteindre une métaphysique universelle, une ouverture sur un ailleurs ouvrant des perspectives infinies. Les tempi sont amples, le mystère rôde, la science des nuances subtiles, la construction savamment pensée, toute cette pâte sonore chante, gonfle, avec un art du chant par ailleurs intense, lumineux, sinueux et une beauté sonore de chaque instant propre à nous enivrer, mais sans jamais forcer le trait ni la démonstration. L’adoration que Bruckner vouait à son dieu Wagner est bien connue, mais elle prend une dimension supérieure avec l’adjonction d’une dose wagnérienne en complément de chaque symphonie. Ici, la Marche funèbre de Siegfried, extraite du Crépuscule des dieux, prend tout son sens lorsqu’on sait que Bruckner avait conçu le merveilleux Adagio de sa 7e comme un hommage à Wagner, disparu pendant qu’il composait cette symphonie. © François Hudry/Qobuz
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Musique vocale sacrée - Paru le 11 mai 2018 | Signum Records

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - Gramophone Editor's Choice
Fasciné par le culte marial dont il se plait à souligner les contradictions, Paul McCreesh propose un itinéraire purement choral, délaissant pour ce nouvel enregistrement les sortilèges des instruments et de l’orchestre. À la fois vierge et mère, symbole de chasteté et de fertilité, la figure de Marie recèle en fait un fort potentiel érotique qui n’a pas échappé à Paul McCreesh, lequel a conçu cet album en choisissant des compositeurs anglais de la Renaissance à nos jours, sans qu’une disparité de style se fasse réellement sentir, prouvant par là la force et la continuité de la musique chorale britannique. Le grand mouvement anglais de redécouverte de la polyphonie aux XXe et XXIe siècles ne se contente pas d’explorer la musique de la Renaissance, mais aussi de redécouvrir, en les réutilisant de dans de nouvelles compositions, les beaux textes médiévaux mis en musique sans modification au cours des siècles. En retournant aux sources de la musique occidentale, Paul McCreesh se demande si la soudaine popularité de la musique sacrée ne provient pas d’un désir subliminal de recréer un monde où presque tout le monde croyait au divin. Luttant contre une certaine approche éthérée et angélique de la musique sacrée chorale, MacCreesh compare la grande polyphonie à l’architecture d’une vaste cathédrale en avouant vouloir en faire ressortir le côté viscéral, tout au moins dans certaines pièces. On notera dans cet album le premier enregistrement mondial d’une nouvelle œuvre commandée par Paul McCreesh et le Gabriel Consort au jeune compositeur britannique Matthew Martin. A Rose Magnificat (qui donne d’ailleurs son nom à tout l’album) est écrit pour double chœur et propose des interpolations avec un texte médiéval. Le compositeur a composé sa pièce de manière « quasi stravinskienne » comme il l’avoue lui-même, tout en recherchant des saveurs orientales ou byzantines. © François Hudry/Qobuz
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Classique - Paru le 8 novembre 1965 | Decca Music Group Ltd.

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Classique - Paru le 22 septembre 2017 | Alpha

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Qu’elle chante, dirige, danse ou joue sur scène, la soprano canadienne Barbara Hannigan fascine. Alpha est fier d’entrer aujourd’hui dans son monde et de présenter en 2017 son tout premier album en tant que chanteuse et chef d’orchestre : avec Ludwig, orchestre basé à Amsterdam, dont elle est artiste associée, Barbara Hannigan a conçu un programme consacré à Lulu Suite de Berg, Girl Crazy de Gershwin dans une Suite nouvellement arrangée par Bill Elliott, compositeur américain multi-récompensé. En complément de ces deux pièces, elle a enregistré la spectaculaire Sequenza III de Berio pour voix seule. Soprano exceptionnelle, grande interprète des musiques des XXe et XXIe siècles, artiste totale qui fait sensation sur les scènes du monde entier, Barbara Hannigan enrichit depuis plusieurs années sa palette en se consacrant à la direction d’orchestre. © Alpha Classics
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Classique - Paru le 1 janvier 2004 | PentaTone

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Khatchaturian : Concerto en ré mineur - Prokofiev : Concerto No. 1 en sol mineur Op.19 - Glazounov : Concerto en la mineur Op. 82 / Julia Fischer, violon - Orchestre National de Russie - Jakov Kreizberg, direction
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Musique de chambre - Paru le 2 octobre 2015 | Alpha

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles de Classica
Vrai, la musique de la Seconde école de Vienne n’est pas nécessairement celle que l’on écoute en accompagnement d’un dîner aux chandelles. Même si… La Nuit transfigurée de Schönberg pourrait très bien s’accommoder de cette intimité sensuelle, car c’est encore là le Schönberg tonal, postromantique, lyrique en diable. Quant à Webern, dont les œuvres majeures ne dépassent pas une poignée de minutes, voire de secondes, le Quatuor Belcea nous en propose le Mouvement lent pour quatuor de 1905, un ouvrage de quasiment dix minutes de romantisme échevelé qui n’a rien à voir avec le Webern plus tardif, plus épuré (plus sec, diront d’aucuns), plus concentré. Webern plus épuré que l’on retrouve, par contre, dans les Cinq mouvements pour quatuor dont l’accord avec les mets dudit dîner aux chandelles évoquera plutôt les oursins, ou la cuisine nouvelle minimaliste – même si les aspects postromantiques n’ont pas encore entièrement disparu, l’on n’est « qu’en » 1909. Quant à la Suite lyrique de Berg, elle porte parfaitement son nom même si le lyrisme que déploie le compositeur s’étire jusque dans les extrêmes de l’acception du mot. Mais les phrases, amples et mouvantes, portent bel et bien cette caractéristique intimement mélodique et théâtrale qui différencie Berg des deux autres représentants viennois. Le présent album s’achève donc avec la très romantique Nuit transfigurée en question, dans sa version pour sextuor à cordes, avec la complicité en particulier du violoncelliste Antônio Meneses. © SM/Qobuz« [...] Les Belcea au mieux de leur forme, dans un programme exigeant et parfaitement maîtrisé. [...] Si le geste est intense et engagé, les Belcea proposent également [...] des palettes de couleurs et de nuances [...] qu'on ne leur connaissait pas. [...] Les Belcea montrent avec ce beau programme qu'ils entament un nouveau pan de leur carrière discographique.» (Classica, décembre 2015 / Antoine Mignon)« Le couplage se révèle idéal entre le chef-d'œuvre juvénile de Schönberg, Verklärte Nacht, et la Suite lyrique. [...] Les interprétations du Quatuor Belcea fascinent par leur raffinement, leur sensualité subtilement exacerbée, leurs violents contrastes dynamiques et un jeu privilégiant la variété des timbres.» (Diapason, décembre 2015 / Patrick Szersnovicz)