Violoncelle

Il se sera bien fait attendre, le premier album solo de Gaspar Claus ! Depuis quinze ans, le violoncelliste a multiplié les voyages, les rencontres, les collaborations avec les plus grands artistes issus de tous horizons : de son père Pedro Soler à Barbara Carlotti, en passant par Rone ou Bryce Dessner. Fort de toutes ces influences, le musicien a trouvé chez le label InFiné le meilleur foyer pour présenter aujourd'hui Tancade, un album éminemment personnel puisqu'il s'y retrouve pour la première fois seul maître à bord. Saluons au passage les remarquables contributions de Francesco Donadello et David Chalmin au mastering et au mixage, qui ont su donner à cet enregistrement un son unique et riche en contrastes.Le matériau est minimal : un violoncelle pour seul bagage, Claus subjugue par la variété de ses compositions, exploitant à l'infini les innombrables possibilités sonores de son instrument. Pizzicatis, jeu d'archet tour à tour souple ou grinçant, résonance des graves auxquels répondent des aigus aériens… En véritable architecte du son, l'interprète parvient à faire de chacun des titres qui composent cet opus un monde à part entière convoquant des sensations uniques. On pourra ainsi se laisser entraîner dans la transe quasi tribale et hypnotisante des pizz percussifs d'Une Foule, avant de retrouver l'ambiance plus méditative du crépusculaire 1999. On ne peut qu'admirer le génie de Claus à sculpter autant de matière avec si peu d'outils, l'apport de l'électronique se limitant à de discrets effets de réverbe ou de distorsion – le strict minimum, en somme.La grande force de Tancade est de ne jamais sombrer dans la pure démonstration de technicité. L'album n'a rien d'un catalogue de tout ce qu'un violoncelliste peut produire avec son instrument. On voit ici que pour chaque titre, seule l'atmosphère recherchée préside aux processus de composition et d'exécution. Gaspar Claus signe un album magnifique, criant d'inventivité et de poésie, qui fait renouer l'auditeur avec une pléiade d'émotions millénaires. On ne pense pas trop s'aventurer en déclarant dès à présent que Tancade deviendra un classique incontournable du violoncelle contemporain. © Pierre LAMY / Qobuz

"Spezl" : camaraderie en bavarois. L'étroite amitié musicale des musiciens de ce duo fait écho à celle des compositeurs dont ils jouent ici les œuvres. Richard Strauss et Ludwig Thuille sont restés des amis proches tout au long de leur vie, étudiant ensemble et partageant leurs idées musicales. Alors que Strauss a acquis une reconnaissance mondiale en tant que compositeur, on se souvient surtout de Thuille comme professeur de théorie musicale et de composition. Jelger Blanken au piano répond avec effusion et sensibilité au violon farouche et tendre de Floris Mijnders. Leur amitié les amène à remettre sans cesse en question les choix musicaux de l'autre, suscitant ici un dialogue pétillant, allant et inspiré. Laissez-vous séduire par l'univers sonore intime de ce duo irrésistible ! © 7 Mountain Records

Dutch cellist Lidy Blijdorp has long been in love with the music of Ravel, the magical sound world, the colours and imagery he conjures. Ravel wrote very little for the cello, so Blijdorp made her own arrangements for cello and piano of Lever du jour from Daphnis et Chloé and two movements from Rapsodie espagnole. Award winning pianist Julien Brocal is her partner in these skilful arrangements. The delightful Sonata for Cello and Volin and Kodaly’s great solo Cello Sonata round off a programme that spans music from France, French music with Spanish dance as its inspiration, and then ending the journey in Hungary with the folk infused masterwork that is Kodaly’s Op. 8. © Rubicon Classics

Après un double disque consacré à Boccherini salué par la critique, Ophélie Gaillard et le Pulcinella Orchestra nous entraînent à la découverte de l’incroyable palette sonore de Vivaldi, le plus génial des compositeurs vénitiens. Puisant dans les trésors du répertoire dédié à son instrument, la violoncelliste a conçu un florilège qui fait la part belle au concerto, qu’il soit solo, à deux ou à quatre, et comprenant une reconstruction inédite du Concerto RV 788. Les interventions chantées de Lucile Richardot et Delphine Galou, dans des airs d’opéra, irisent ce programme comme des rayons de soleil à travers les nuages. L’album alterne des mouvements de grande émotion, parfois douloureuse comme dans le Largo du Concerto RV 416, avec des envolées frénétiques et virtuoses (dans les mouvements haletants des Concertos RV 419 ou 409) qui ne sont pas sans rappeler L’Été des Quatre Saisons. Les mystères de cette musique s’y épanouissent tout en jeux d’ombres et de lumières, dans un carnaval de couleurs qui donne son titre à cet enregistrement réjouissant. © Aparté

Recorded June 8 and 17, 2019 at Henry Wood Hall, London, UK

« Raphaela Gromes et Julian Riem ne font pas que nous dévoiler la version princeps (1881) de la Sonate en fa majeur, ils la confrontent magistralement à sa rédaction définitive (1883) bien connue, publiée comme opus 6. [...] Les fées se sont penchées sur le berceau de la violoncelliste munichoise de vingt-huit ans [...]. Technique exceptionnelle, vibrato subtil et expressif, sonorité chaude (quel mangifique Vuillaume !), archet incisif, tempérament de feu maîtrisé. D'autant que Gromes a pour complice un pianiste au pedigree impeccable (élève de Schäfer, Béroff, Buchbinder). À la beauté de l'interprétation s'ajoute le travail exemplaire des techniciens de la Radio bavaroise [...]. Les différences entre les deux versions — la première beaucoup plus lumineuse que la seconde — culminent dans le finale : celui de 1881, aux allures de scherzo, devrait contribuer à pousser vers les estrades de concert cette partition récemment éditée, même si sa redoutable difficulté la réserve à des interprètes aussi habiles et complices que nos deux héros. [...]» (Diapason, mai 2020 / Michel Stockhem)

« Des archives radio berlinoises brossent un portrait vibrant et fantasque du violoncelliste Paul Tortelier, où Casella, Fauré, Kodaly, Tortelier côtoient Bach, Mendelssohn, Brahms, Beethoven, Schumann et Paganini.» (Diapason, mai 2020)

20 ans et un talent insolent. Le violoncelliste afro-britannique Sheku Kanneh-Mason a trois idoles : les violoncellistes Jacqueline du Pré et Mstislav Rostropovitch et le chanteur Bob Marley, soit trois natures passionnées et extraverties. Sa jeune carrière a subitement décollé après sa prestation remarquée lors du mariage du prince Harry avec Meghan Markle en 2018. Son album Inspiration paru la même année a battu tous les records de vente au Royaume-Uni et sa ville natale, Nottingham, a même baptisé un autobus de son nom. Sous contrat chez Decca, le voici dans son nouvel enregistrement consacré au fameux Concerto pour violoncelle en mi mineur, Op. 85 d’Edward Elgar, entouré par le London Symphony Orchestra sous la direction de son nouveau chef Sir Simon Rattle. Une rencontre au sommet qui nous vaut une vision très poétique, presque chambriste, de cette fameuse partition. Rendu célèbre par les versions de Jacqueline du Pré (avec Barbirolli puis avec son mari Daniel Barenboïm), le Concerto d’Elgar est entouré ici de petites pièces qui faisaient la joie des solistes et des mélomanes d’il y a un siècle et que la jeune génération remet au goût du jour. On trouvera donc sur cet album des arrangements de musiques traditionnelles et des œuvres de Bloch, Elgar, Bridge, Fauré et Klengel. De l’infiniment grand à l’infiniment petit avec la maîtrise confondante de ce jeune et brillant instrumentiste. © François Hudry/Qobuz

C’est en toute amitié que Jean-Guihen Queyras et Alexandre Tharaud se sont retrouvés, le temps d’un album conçu tel un recueil de nouvelles, autour de chefs-d’œuvre connus ou méconnus du répertoire. Si l’art de transcrire est la marque des grands interprètes, reconnaissons qu’à ce jeu les deux complices excellent ! Tout au long de ce programme lyrique et virtuose, le mélomane découvrira qu’il n’est pas au bout de ses surprises... © harmonia mundi

« [...] Les deux violoncellistes se connaissent depuis trente ans, et ont en commun une sonorité sans gras et un trait fin, souvent dessiné d'un archet vif dans les mouvements extrêmes. [...] Les complices se renvoient la balle avec entrain dans les rondeaux conclusifs des Opus 53 n° 1 et n° 3, ils savent aussi ménager des instants de pure grâce, comme dans le cantabile de l'Opus 51 n° 2, qui s'apparente à une double confidence amoureuse et s'éteint sur un murmure. Dans l'Opus 52 n° 3 qui referme l'album, on succombe à l'élégance souveraine du chant. Deux Tempo di Marcia (on pense bien sûr au Concerto militaire contemporain...) encadrent un Adagio auquel Phillips et Gastinel instillent une mélancolie pleine de douceur : cet Offenbach la larme à l'œil est un délice — et le sommet de l'album.» (Diapason, novembre 2019 / François Laurent)

Vainqueur du tout premier Concours Reine Elisabeth de Bruxelles consacré au violoncelle en 2017, Victor Julien-Laferrière a également remporté la Victoire de la Musique Classique en 2018 dans la catégorie "Soliste de l’année". Ses enregistrements de musique de chambre avec le pianiste Adam Laloum ont obtenu de nombreuses récompenses, dont un "Diapason d’Or de l’Année" en 2016. Victor Julien-Laferrière rejoint Alpha Classics pour plusieurs enregistrements. Le violoncelliste français qui a étudié successivement avec Roland Pidoux, Heinrich Schiff et Clemens Hagen a décidé de graver deux sommets du répertoire, les Sonates de Rachmaninov et de Chostakovitch en compagnie du pianiste Jonas Vitaud avec lequel il a une grande proximité. Ensemble, ils ont beaucoup donné ces oeuvres en concert. Une pièce rare du compositeur russe Edison Denisov complète ce programme : les Variations sur un thème de Schubert, composées en 1986. © Alpha Classics

« Un panorama des débuts de la virtuosité concertante au violoncelle [...] Peu d'archets s'y risquent [...] Réjouissante donc, l'entreprise de Constantin Macherel, formé par Ivan Monighetti et Raphael Wallfisch [...] Le sourire aux lèvres, on redécouvrira ainsi ces musiques [...] à la lueur de conditions techniques parfaites. [...] L'intonation de Macherel est absolument sans défaut, jusque dans les passages injouables qui émaillent ces pages ébouriffantes. [...] L'accompagnement malicieux de Sébastien Comberti, lui-même violoncelliste de haut vol [...], est chaleureusement attentif. Une très belle réussite.» (Diapason, novembre 2019 / Michel Stockhem)

« Ces deux concertos ont été conçus et écrits à seulement 5 années de distance. Ils sont interprétés par deux musiciens d’exception qui sont aussi mes amis. Leur format orchestral est proche, presque homologue. Les réunir au disque m’a paru une démarche non seulement naturelle mais hautement souhaitable, comme pour la découverte de territoires familiers et lointains tout à la fois ». Gilbert Amy

Le violoncelle a toujours eu la faveur des musiciens français, et ce dès son invention dans les années 1660 en Italie où il supplante peu à peu la viole de gambe. Deux Parisiens, les frères Duport, écrivent les premières sonates pour le nouvel instrument et publient un Essai sur le doigté qui jette les bases de la technique du violoncelle. C'est aujourd'hui encore un ouvrage de référence. Ainsi, l’« école française du violoncelle » a essaimé dans le monde entier avec, au XXe siècle, des personnalités comme Maurice Maréchal, Pierre Fournier, André Navarra, Paul Tortelier, Maurice Gendron, et se porte à merveille de nos jours grâce à l’éclosion de nombreux talents. Héritière de cette longue lignée, personnalité rayonnante et chaleureuse, Emmanuelle Bertrand se passionne pour toutes les musiques : elle travaille Tout un monde lointain avec le compositeur (Dutilleux), suscite et crée des œuvres nouvelles. Pour cet enregistrement, elle a choisi un violoncelle baroque, avec cordes en boyau, et le diapason à 415 Hz. C’est l’instrument qui impose la voie à suivre ici et non l’interprète. Cette dernière a en effet découvert une liberté nouvelle dans l’approche de ces pages qu’elle joue, comme tous les violoncellistes, depuis l'enfance. Mûrie pendant de longues années, son interprétation des Six Suites pour violoncelle seul s’est pleinement concrétisée avec ce bel instrument vénitien du début du XVIIIe siècle. © François Hudry/Qobuz

« [...] ce hautboïste, violoniste et claviériste vénitien, principalement actif à Würzburg dans le deuxième tiers du XVIIIe siècle, apparaît désormais comme une figure essentielle du répertoire instrumental italien. Il nous est enfin donné d'entendre les douze sonates pour violoncelle conservées dans la collection du comte de Schönborn à Wiesentheid. Quelle révélation ! [...] Elles tirent magnifiquement partie de l'instrument : lyrisme dans les mouvements lents, envergures dans les fugues, et une façon très personnelle de rebondir dans des danses pleines d'appuis inattendus. Francesco Galigioni, avec sa finesse coutumière [...] confirme sa place parmi les musiciens les plus remarquables de la scène baroque. [...] » (Diapason, octobre 2019 / Olivier Fourés)

« [...] transferts impeccables : issus de radiodiffusions américaines de concerts, ces live illustrent la grande popularité de la musique d'Elgar aux Etats-Unis dès la première moitié du siècle dernier. Deux sur les trois (Variations "Enigma" et Falstaff) sont inédits en CD. Captées le 5 novembre 1949, les Variations "Enigma" par Arturo Toscanini et son orchestre de la NBC frappent par leur extrême rapidité et leur intense dramatisme. [...] L'interprétation extraordinairement chaleureuse du Concerto pour violoncelle, le 10 novembre 1940 au Carnegie Hall, est le seul enregistrement connu de Gregor Piatigorsky dans ce chef-d'œuvre. C'est le moment le plus fort du disque. Conquérant et péremptoire, l'archet du virtuose américain d'origine russe atteint une puissance d'expression très singulière, et totalement divergente de celle des meilleurs défenseurs de la partition [...] . Cet engagement, cette flamme, ce geste épique du soliste sont sublimement accompagnés par John Barbirolli, toujours très inspiré, on le sait, dans cette musique. Arthur Rodzinski n'avait en revanche dirigé (quasi) aucune note d'Elgar avant l'étonnant Falstaff du 10 octobre 1943 à Carnegie Hall. [...] l'œuvre bénéficie d'une approche impérieusement enlevée et subtilement narritive [...] le chef sait donner à chaque épisode de ce maelstrom une éloquence profonde. [...] » (Diapason, octobre 2019 / Patrick Szersnovicz)

« Un portrait du jeune Offenbach à travers des pièces écrites entre 1839 et 1851 à son propre usage, lorsqu'il faisait la conquête des salons parisiens. Leurs exigences virtuoses ont-elles découragé les interprètes ? Elles ne figurent qu'au compte-gouttes dans quelques récitals [...] Raphaela Gromes glisse le Duo n° 3, Op. 54 qu'elle partage avec Wen-Sinn Yang, son professeur à Munich. Elle y brille par la douceur du cantabile (l'Adagio initial) — péché mignon d'Offenbach, à en croire Ernst Pasqué, ami du compositeur cité dans la notice. [...] Julian Riem apporte le plus délicat des soutiens dans Les Larmes de Jacqueline — Offenbach y peint une religieuse rendant le dernier soupir dans les bras du promis qu'elle croyait jadis mort à la guerre. [...] » (Diapason, septembre 2019 / François Laurent)

La Danse du sabre est à Khatchatourian ce que la Danse du feu est à Manuel de Falla ; à la fois une vitrine de leur art pour le grand public en même temps qu’un arbre cachant la forêt de leurs compositions. Remarqué par Prokofiev dès ses œuvres de jeunesse, ce compositeur soviétique d’origine arménienne est devenu l’un des compositeurs officiellement appréciés de l’Union Soviétique qui le couvre de récompenses, il n’eut pas vraiment à souffrir d’une mise à l’index comme de nombreux collègues, même si le Concerto pour violoncelle présenté ici lui a valu d’être dénoncé pour formalisme. Auteur de ballets (Gayaneh, Spartacus), de symphonies et de concertos, Aram Khatchatourian étudia le violoncelle et le piano, deux instruments pour lesquels il écrivit souvent. Cet album présente deux œuvres concertantes écrites pour le violoncelle, en dépit de ce qu’une faute d’impression sur la pochette et surtout dans le livret peut mettre en doute. Créé en 1946, le Concerto pour violoncelle reste assez peu joué. Bien qu’écrit selon les trois mouvements classiques, c’est une partition plutôt libre et d’humeur changeante, principalement basée sur des citations de musiques folkloriques auxquelles se mêle celle du Dies Irae de l’église catholique. Cette liberté de ton est encore plus exacerbée dans la Rhapsodie pour violoncelle, écrite à l’intention de la folle virtuosité de Mstislav Rostropovitch qui la crée en 1964 à Gorki. L’œuvre est comme un condensé du style du compositeur, incluant à nouveau musique populaire, mélismes orientaux et citations du Dies Irae et de sa propre Danse du sabre. © François Hudry/Qobuz