Musique Contemporaine

On pouvait difficilement trouver guide plus indiqué que Kent Nagano pour cet enregistrement consacré aux œuvres les plus ambitieuses d’Olivier Messiaen. Nagano a en effet compté parmi les amis intimes du compositeur dont il a assuré en 1972 la première américaine de La Transfiguration de notre Seigneur Jésus-Christ, au programme des deux premiers volets de ce triple album. Les Poèmes pour Mi, exigeante partition pour soprano et orchestre, et Chronochromie pour grand orchestre viennent compléter le triptyque. Inspirées de divers textes latins issus de la Bible, du Missel Romain ou des écrits de Saint-Thomas d’Aquin, La Transfiguration de notre Seigneur Jésus-Christ offre un témoignage fort de la grande foi chrétienne du compositeur. Les Poèmes pour Mi dédiés à Claire Delbos, première épouse de Messiaen, ne sont pas sans rappeler les mélodies de Debussy. Avec Chronochromie, Messiaen conjugue sa passion pour l’ornithologie et sa sensibilité de synesthète, il y retranscrit pour chaque instrument les chants d’oiseaux venus du monde entier. Ces concerts donnés à Munich entre 2017 et 2019 par le Bayerischen Rundfunks témoignent de la lecture habile et sensible que donne Nagano de ces trois œuvres de Messiaen. Le chef dirige ici la phalange bavaroise avec une grande précision, une conscience aiguë de chaque plan sonore. Entouré de solistes rompus à cet univers, parmi lesquels le pianiste Pierre-Laurent Aimard ou la soprano Jenny Daviet, Nagano délivre une interprétation puissante à laquelle le live ajoute une réelle force expressive. © Pierre Lamy / Qobuz

Il se sera bien fait attendre, le premier album solo de Gaspar Claus ! Depuis quinze ans, le violoncelliste a multiplié les voyages, les rencontres, les collaborations avec les plus grands artistes issus de tous horizons : de son père Pedro Soler à Barbara Carlotti, en passant par Rone ou Bryce Dessner. Fort de toutes ces influences, le musicien a trouvé chez le label InFiné le meilleur foyer pour présenter aujourd'hui Tancade, un album éminemment personnel puisqu'il s'y retrouve pour la première fois seul maître à bord. Saluons au passage les remarquables contributions de Francesco Donadello et David Chalmin au mastering et au mixage, qui ont su donner à cet enregistrement un son unique et riche en contrastes.Le matériau est minimal : un violoncelle pour seul bagage, Claus subjugue par la variété de ses compositions, exploitant à l'infini les innombrables possibilités sonores de son instrument. Pizzicatis, jeu d'archet tour à tour souple ou grinçant, résonance des graves auxquels répondent des aigus aériens… En véritable architecte du son, l'interprète parvient à faire de chacun des titres qui composent cet opus un monde à part entière convoquant des sensations uniques. On pourra ainsi se laisser entraîner dans la transe quasi tribale et hypnotisante des pizz percussifs d'Une Foule, avant de retrouver l'ambiance plus méditative du crépusculaire 1999. On ne peut qu'admirer le génie de Claus à sculpter autant de matière avec si peu d'outils, l'apport de l'électronique se limitant à de discrets effets de réverbe ou de distorsion – le strict minimum, en somme.La grande force de Tancade est de ne jamais sombrer dans la pure démonstration de technicité. L'album n'a rien d'un catalogue de tout ce qu'un violoncelliste peut produire avec son instrument. On voit ici que pour chaque titre, seule l'atmosphère recherchée préside aux processus de composition et d'exécution. Gaspar Claus signe un album magnifique, criant d'inventivité et de poésie, qui fait renouer l'auditeur avec une pléiade d'émotions millénaires. On ne pense pas trop s'aventurer en déclarant dès à présent que Tancade deviendra un classique incontournable du violoncelle contemporain. © Pierre LAMY / Qobuz

"Le Gershwin moscovite" : c'est en ces termes que le pianiste Frank Dupree qualifie Nikolai Kapustin. Pour comprendre cette analogie, il fallait peut-être cet opus exclusivement consacré aux œuvres orchestrales du compositeur russe, trop souvent laissées de côté au profit des partitions pour piano seul. On n'avait en effet pas entendu de nouvelle version du Concerto pour piano n° 4 depuis l'enregistrement en concert de Ludmil Angelov en 2010, sous la baguette de José Miguel Rodilla. L'extrême vélocité et le toucher incisif de Frank Dupree impriment ici au morceau un dynamisme bienvenu, donnant presque l'illusion d'une musique en partie improvisée. Si un fantôme gershwinien plane sur l'œuvre de Kapustin, il faut également lui reconnaître d'autres filiations, notamment avec ses compatriotes aînés. Ainsi, dans le Concerto pour violon et piano, Op. 105, on pourra déceler des harmonies similaires aux couleurs développées par Chostakovitch, en particulier dans les premier et troisième mouvements. On saluera au passage la prestation impeccable de la violoniste Rosanne Philippens, en parfaite symbiose avec le piano. Pour la Symphonie de chambre, Op. 57, Frank Dupree troque le clavier pour le pupitre de chef d'orchestre et y dirige l’Orchestre de Chambre de Heilbronn (Württembergisches Kammerorchester Heilbronn) : il révèle une partition davantage tourmentée, au discours orienté vers un langage plus atonal et une rythmique vive et saccadée. Le regain d'intérêt tardif pour Nikolaï Kapustin nous permet d'espérer d'autres productions d'aussi bonne qualité, explorant plus en avant le répertoire orchestral du maître russe, trop tôt disparu. © Pierre Lamy/Qobuz

Disparu trop tôt en juillet 2020, Nikolaï Kapustin fait figure d'ovni dans le paysage musical russe des XXe et XXIe siècles. Classique ? Jazz ? Difficile d'étiqueter sa musique sous un genre précis tant la symbiose est parfaite entre les deux styles. Le compositeur a pour sa part choisi son camp : “Je n'ai jamais été un musicien de jazz. Je n'ai jamais essayé d'être un vrai pianiste de jazz, mais j'y ai été contraint pour mes compositions. L'improvisation ne m'intéresse pas – et qu'est-ce qu'un jazzman sans l'improvisation ? Toutes mes improvisations sont écrites, bien sûr, et sont ainsi devenues bien meilleures, cela les a améliorées.”Ce sont peut-être ces mots qui résument le mieux ce que l'on peut ressentir à l'écoute des compositions de Kapustin. Des partitions d'une facture résolument classique, dont témoignent les titres Concert Etudes, Sonatine, Sonate, mais d'où s'échappent pourtant des harmonies, des rythmiques, un lexique définitivement rattachés à l'univers jazz.Assez peu enclin à défendre ses œuvres sur scène, le compositeur en a tout de même enregistré une grande partie. Ceci explique sans doute le faible nombre d'interprètes ayant osé se mesurer aux pages du maître russe, tant ses interprétations nous subjuguaient par leur virtuosité parfaitement maîtrisée. Presque un an jour pour jour après la mort de Kapustin, Yeol Eum Son nous livre ici des morceaux de choix : parmi ceux-ci, les incontournables 8 Etudes de concert, Op. 40, et la Sonate pour piano n° 2, Op. 54. La pianiste sud-coréenne, médaillée d'argent du concours Tchaïkovski 2011 et habituée aux répertoires orchestraux, donne une amplitude, une profondeur et un groove généreux à ces pièces, quand Kapustin nous avait habitués à des interprétations fulgurantes réalisées d'un seul geste. Le jeu de Yeol Eom Son montre à quel point les compositions de Kapustin s'inscrivent dans la droite lignée des plus grands maîtres, de l'époque romantique à Gerswhin, et qu'elles ont toute leur place dans le répertoire de concert. © Pierre Lamy / Qobuz 

In this installment in "an ongoing Shostakovich survey", Andris Nelsons and the Boston Symphony Orchestra bookend the composer's brilliant, often turbulent symphonic career. Nearly half a century lies between Shostakovich's triumphant debut with the First, premiered before his 20th birthday, and the Fifteenth, an inventory of influences written under the shadow of his own mortality. Penned just two years earlier, the Fourteenth is a symphonic song cycle, and the Chamber Symphony is a skillful adaptation of his tragic String Quartet No. 8. © Deutsche Grammophon

Ce single présente un extrait, la Fantaisie Toccata pour piano à 4 mains jouée par Maria Perrotta & Xenia Maliarevitch, du tout premier enregistrement monographique dédié à la musique de chambre de la compositrice française Graciane Finzi à l'occasion de son anniversaire, et qui sortira en septembre/octobre — interprété par l'Ensemble Calliopée (Karine Lethiec). Cette œuvre sera présentée au Grand Prix des Lycéens de musique contemporaine. Dans le catalogue de Graciane Finzi, la musique de chambre occupe une place importante avec environ une quarantaine d’œuvres dont le programme de ce disque présente une anthologie basée sur un choix conjoint de la compositrice et de Karine Lethiec, mettant en lumière trente-cinq années de création, depuis la première œuvre de 1984 jusqu’à la toute dernière composée en 2019 pour l’Ensemble Calliopée. « Cette œuvre est construite sur la répétition inlassable d'une même note dans le grave. Des harmonies très riches s’échafaudent par ajout progressif de notes sur cette base haletante, en apnée. La pièce est marquée par de violents accents qui lui confèrent un aspect très dramatique. Toutefois, tandis qu'un des deux pianistes assure la continuité de l'ostinato rythmique, l'autre s'en évade dans des passages à l'allure improvisée et aux accents romantiques. Le deuxième pianiste s'échappe aussi de son carcan et le rejoint dans une partie centrale qui fait office d'îlot d'exaltation romantique. L'écriture suit l'idée du Free quartet, c'est-à-dire une interaction entre deux musiciens qui s'invectivent entre eux, se coupent parfois la parole jusqu'à atteindre un climax harmonique et dynamique. La pièce se clôt par une coda qui évoque les rythmes des Gnaouas, terme qui désigne à la fois des percussionnistes et un style de musique d’origine subsaharienne importée au Maroc que j’ai énormément entendu et écouté lors de mes voyages dans le sud marocain. Cette Fantaisie Toccata m’a été commandée par le Festival le Printemps des Alizés à Essaouira et créée dans cette belle ville du Maroc par Dina Bensaid et Joseph Birnbaum ». (Garciane Finzi / Éditions Klarthe)

C’est à la demande des brillants solistes Vincent Beer-Demander et Grégory Daltin que Vladimir Cosma écrit la Suite populaire pour mandoline et accordéon, composée de six danses dont la forme, l’inventivité mélodique, le rythme haletant les rapprochent des Danses roumaines de Béla Bartók. C'est aussi à la demande de Beer-Demander qu’il compose le lumineux et lyrique Concerto méditerranéo pour mandoline et orchestre à cordes, en mettant en valeur toutes les possibilités de l’instrument. Quant à la Fantaisie concertante, elle réclame autant des deux solistes, dans le registre aussi bien virtuose qu'expressif. Dans la même verve musicale suivent des adaptations d'extraits de quelques-unes des  musiques de film du compositeur — Bal des casse-pieds, Le jouet, Le Dîner de cons. Tant de bonne humeur réveille les temps maussades. (Qobuz / GG)

Recorded: [1-4]: January 2014, at Towson University Center for the Arts [5-7]: August 2016, at Grusin Music Hall, University of ColoradM Boulder [8-12]: May 2018, at Powell Methodist Churchm Ohio

Lauréat de nombreux grands prix de composition, Jacques Boisgallais est nommé en 1957 musicien-metteur en ondes à la radiodiffusion française qui deviendra plus tard la Maison de Radio France. Responsable des retransmissions de l'Orchestre national de France et de l’Orchestre philharmonique de Radio France, son activité à Radio France (enregistrement de concerts radiophoniques, retransmissions de festivals, tournées d’orchestres, élaboration de disques) sera marquée par de prestigieuses collaborations : Charles Münch, Otto Klemperer, Hermann Scherchen, Eugen Jochum, Leonard Bernstein, Lorin Maazel… Il côtoie également d’éminents compositeurs : André Jolivet, Darius Milhaud, Paul Hindemith, Olivier Messiaen, Maurice Ohana, Luigi Dallapiccola, Witold Lutosławski, Dmitri Chostakovitch et bien d’autres encore. Même durant ces longues années radiophoniques, il n'a jamais cessé de composer. En 1989, Jacques Boisgallais cesse ses activités de metteur en ondes à Radio France pour se consacrer exclusivement à la composition et à la révision de certaines œuvres de jeunesse. « Une rencontre avec un compositeur humble et généreux dont le calme et l’élégance dissimulent une expressivité d’une rare intensité... Jacques Boisgallais (1927) fait partie de la cohorte de compositeurs de grand talent qui furent mis au ban de la vie musicale contemporaine au profit de ceux qui firent table rase et repartirent sur des bases presque exclusivement viennoises... comme le préconisait avec véhémence Pierre Boulez dans les années 50 (…) [Ceux-ci] eurent un mal fou à être reconnus par les institutions et composèrent, à l’abri de toute publicité, des œuvres parfois remarquables (…), que l’on redécouvrira peu à peu avec un plaisir mêlé de colère et de tristesse dans les décennies à venir, du moins espérons-le…» a écrit Nicolas Bacri.

Le point de départ du troisième enregistrement que Barbara Hannigan réalise pour Alpha est une œuvre de Gérard Grisey (1946-1998) qui lui tient particulièrement à cœur : « J’ai conçu les Quatre Chants pour franchir le seuil, écrit le compositeur, comme une méditation musicale sur la mort en quatre volets : la mort de l’ange, la mort de la civilisation, la mort de la voix et la mort de l’humanité. (...) Les textes choisis appartiennent à quatre civilisations (chrétienne, égyptienne, grecque, mésopotamienne) et ont en commun un discours fragmentaire sur l’inéluctable de la mort ». Luigi Nono (1924-1990) est un compositeur engagé. Saisissante monodie, véritable cri déchirant pour soprano solo, Djamila Boupacha – dont Picasso a également fait un portrait au fusain – s'immerge dans l'histoire de la combattante algérienne, torturée par des parachutistes français pendant la guerre. Toujours en « chanté/dirigé » avec ses amis du Ludwig Orchestra, Barbara Hannigan complète ce dyptique du XXe siècle avec une symphonie classique du maître du genre, Joseph Haydn, qui lui aussi traite du thème de la Passion et dont elle donne une interprétation très intense et très personnelle. © Alpha Classics« Le cycle vocal du compositeur français n’a jamais été si bien servi. [...] Dans cet enregistrement dédié au chef et compositeur Reinbert de Leeuw (19382020), avec qui Barbara Hannigan avait enregistré le programme "Vienna, fin de siècle" (Alpha, 2017), la chanteuse et cheffe canadienne et les musiciens du Ludwig Orchestra surclassent la seule version jusqu’à présent disponible de Catherine Dubosc et Sylvain Cambreling avec Klangforum Wien (Kairos, 2000) : investie, telle la sibylle de Cumes, de pouvoirs étranges, l’artiste obtient une interaction extraordinaire de la voix et des instruments, dont les micros rendent bien audible la disposition dûment prescrite par la partition, notamment lors du fascinant "déluge" (crescendo aux percussions). Barbara Hanningan nous hypnotise par son énergie spectrale. » (Classica, mai 2020 / Jérémie Bigorie)

Compositeur estonien né en 1959, Erkki-Sven Tüür écrit une musique qui se caractérise par une intense transformation énergétique. L’approche intuitive et rationnelle est synthétisée dans un système organique complet. Il est l’auteur de neuf symphonies, de dix concertos, de nombreuses œuvres de musique de chambre et d’un opéra. Dédiée à son compatriote Paavo Järvi et composée à l’occasion du 100e anniversaire de la République estonienne en 2018, la Neuvième Symphonie de Tüür dite "Mythos" est associée, selon le compositeur, à ces mythes qui naissent des nations et de la manière dont elles ont acquis leur indépendance. Il traite également de la longue histoire des peuples finno-ougriens... Paavo Järvi et son Estonian Festival Orchestra la publient en première mondiale discographique accompagnée de The Incantation of Tempest (2004), dédiée au compositeur estonien Veljo Tormis et Sow the Wind, composée en 2015, inspirée des "rafales" et des "tourbillons" climatiques... © Alpha Classics« Avec ces deux fresques tumultueuses, l'Estonien Erkki-Sven Tüür confirme sa place parmi les grands symphonistes nordiques. [...] Paavo Järvi et son orchestre estonien, précis et engagés, mettent en valeur les innombrables facettes de l'ample symphonie à la fois narrative et abstraite. [...] » (Diapason, avril 2020 / Patrick Szersnovicz)

Œuvre majeure de Luciano Berio, Coro a brillamment réussi son ambition encyclopédique dans sa réunion unique d’un folklore mondial réunissant des textes et des mélodies empruntés aux traditions italienne, croate, juive, perse, gabonaise, polynésienne, chilienne, péruvienne, navajo, sioux et centrés autour du poème Residencia en la Tierra de Pablo Neruda. Composé en 1976 pour quarante chanteurs et quarante-quatre instrumentistes couplés et assis ensemble, tantôt solistes, tantôt faisant partie d’un tout, Coro est un manifeste à la fois politique et musical. Décrite par son auteur comme une œuvre « néobaromanticosymbodialectostructuraliste », Coro est une grandiose accumulation de textes et de sons visant à abolir les frontières en convoquant un gigantesque catalogue musical et d’affects recomposés par Berio en un grand échange culturel durant plus d’une heure. L’œuvre devient ainsi le plan d’une « cité de l’esprit qui se réalise à divers niveaux, qui produit, rassemble et unifie choses et personnes diverses, et fait ressortir leurs caractères individuels et collectifs, leurs distances, leurs parentés et leurs conflits, entre des confins réels et virtuels à la fois » (Berio). Sous la direction de son directeur artistique Grete Pedersen, le Norwegian Soloists’ Choir a réalisé des enregistrements très remarqués allant des chansons folkloriques norvégiennes à Xenakis, en passant par Hildegard von Bingen, Bach et Brahms. Rejoint par l’Orchestre de la Radio norvégienne, il défend donc ici l'une des œuvres chorales majeures de ces cinquante dernières années. Cet enregistrement se conclut avec Cries of London pour huit voix, composé à la même époque que Coro, à destination des King’s Singers. © François Hudry/Qobuz