Discothèque Idéale Qobuz

Comment faire mieux que Revolver ? En signant Sergent Pepper's Lonely Hearts Club Band, pour beaucoup, le plus grand disque de pop et de rock de tous les temps. Pour ne pas dire l’une des œuvres d’art les plus marquantes de la culture populaire de la seconde moitié du XXe siècle… Après avoir découvert les possibilités sans fin que leur offraient le studio d’enregistrement, John, Paul, George et Ringo poursuivent ici leurs folles expériences. Plus cinquième Beatles que jamais, le producteur George Martin déroule un tapis de trouvailles qui influenceront la pop à venir. Lorsque ce huitième opus studio parait en juin 1967, l’heure est évidemment au psychédélisme tous azimuts et cet album-concept est un vrai trip hallucinatoire (pas seulement pour Lucy In The Sky With Diamonds). A l’image du patchwork de sa mythique pochette, Sergent Pepper's brasse de la pop pure, du rock’n’roll viril, des séquences totalement planantes, des escales presque world, de la chanson rétro, des comptines pour enfants, des bruits d’animaux et même de la musique classique ! Côté composition enfin, le tandem Lennon/McCartney est au sommet de son art, livrant de nouvelles chansons toujours aussi influentes. Cette édition du 50e anniversaire propose l’album entièrement remixé par Giles Martin, le fils de, ainsi que des prises alternatives. De quoi exciter les fanatiques des Fab Four bien évidemment mais aussi de quoi laisser un brin perplexe les puristes car, il est bon de le rappeler, la vraie version originale de ce monument a été conçue et pensée par les Beatles et George Martin non pas en stéréo mais en mono… © MZ/Qobuz

En janvier 1969, le King alors en perte de vitesse rejoint l'American Sound Studios du producteur Chips Moman pour y enregistrer sa résurrection avec ce pur chef-d'œuvre de country-soul, véritable nirvana de sa carrière discographique sur lequel sa voix atteint des sommets. Tout l’art d’Elvis est là. Sa palette vocale est impressionnante et l’instrumentarium comme la production sont à tomber. Un 15e album studio plus qu’essentiel qui se conclut par le poignant In The Ghetto. Avec les fondatrices Sun Sessions de ses débuts en 1954/1955, cet album d’Elvis est l’autre indispensable de toute discothèque idéale digne de ce nom. Parue en 2009, cette Legacy Edition célébrant le 40e anniversaire de la sortie de l'album comprend deux CD (From Elvis In Memphis mais aussi From Memphis To Vegas/From Vegas To Memphis), quatre outtakes et dix titres parus en singles en version mono (notamment Suspicious Minds et Kentucky Rain). © MZ/Qobuz

Après la déflagration de son premier album éponyme, Led Zep ne baisse pas la cadence et retourne en studio quelques mois plus tard. Et Whole Lotta Love,tubesque chanson qui ouvre ce bal électrique, confirme que le quartet britannique poursuit son embardée sur les terres d’un blues rock revisité. Guitare au poing, Jimmy Page est un pyrotechnicien fabuleux tandis qu’au micro, Robert Plant joue les muezzins habités. La force de ce Led Zeppelin II est de faire évoluer ce rock musclé tout en conservant en permanence un pied bien ancré dans la tradition blues. Le groupe anglais conçoit ici ce qui deviendra le hard rock. Riffs entrés dans la légende (Heartbreaker), solos de batterie apocalyptiques (Moby Dick), incantations vocales impressionnantes (Whole Lotta Love), cet opus est l’orgie de tous les excès, le passage du rock’n’roll du Super 8 au Cinémascope en quelque sorte… © MZ/Qobuz

Cinquième et dernier album studio du mythique tandem, Bridge Over Trouble Water est un chef d’œuvre absolu. Paru en janvier 1970, l’album traverse le temps avec la même aisance que Simon et Garfunkel règnent sur les harmonies vocales. Emmené par les tubesques The Boxer, El Condor Pasa, Cecilia et l’éponyme Bridge Over Water, il s’installera au sommet des charts assez rapidement, ce qui n’empêchera pas le duo de se séparer. Ici, chaque élément touche au sublime. Effets, arrangements, choix des notes, paroles, tout est mesuré, soupesé et délicatement livré. Paul Simon ose même ici ses premières expériences world, domaine dans lequel il excellera par la suite en solo. Indispensable. © MD/Qobuz

Indéniablement l’une des deux meilleures créations de Janis Joplin (avec Cheap Thrills), Pearl, publié en 1971, est une véritable démonstration de sensibilité artistique et de musicalité de la part de la légendaire chanteuse. Sa voix rocailleuse et torturée libère toute sa passion sur des rythmes funky et bluesy et des ballades à la fois romantiques et dramatiques. L’album comprend son tube posthume Me and Bobby McGee ainsi qu’une chanson totalement instrumentale, Buried Alive in the Blues : cette dernière revêt un aspect tragique puisque Joplin est retrouvé morte avant d’avoir eu le temps d’enregistrer sa partie vocale. Difficile de passer outre ce vide laissé par le décès de cette immense artiste et de se questionner sur l’immense potentiel gâché par une disparition survenue bien trop tôt. Un disque incontournable. © LG/Qobuz

Avec Transformer, son chef d’œuvre qui parait en novembre 1972, Lou Reed propose une version new-yorkaise du glam rock de Bowie. Celui-ci produit ce second disque solo, et prête au Lou son fidèle guitariste Mick Ronson. Grandiloquent et poète sur Perfect Day, nerveux et serré pour Vicious et noctambule et vénéneux sur Walk On The Wild Side qui livre un génial tango basse et sax, félin à souhait : voilà un album en forme de bande originale idéale d’une New York androgyne, décadente et plus urbaine que jamais. © MZ/Qobuz

L’aura de Patti Smith est déjà grande lorsqu’en 1975 parait ce premier album. La pythie du rock new-yorkais ose alors le carambolage entre ses icônes de l’écrit (Rimbaud, Genet, donc) et celles du rock’n’roll (Van Morrison, les Who…), un alliage typiquement new-yorkais. Album phare du punk de la Grosse Pomme alors naissant, produit par l’ex-Velvet Underground, John Cale, Horses était porté par la furie électrique de la guitare de Lenny Kaye et de celle de deux figures majeures du rock enragé : Tom Verlaine, leader culte des tout aussi cultes Television, et Allen Lanier de Blue Öyster Cult. Un déluge furibard offrant alors à la poétesse l’écrin parfait pour tirer ses tentures de mots rageurs ou charnels. © MZ/Qobuz

Classe et classique. Comme sa pochette en somme… Avec leur premier album publié en janvier 1980, les Pretenders sont seuls sur leur île. Le punk-rock, la new wave et la synth-pop font alors la loi outre-Manche, mais la bande de Chrissie Hynde n’en a strictement rien à foutre ! Elle fait du rock’n’roll. Du vrai. Point. La voix féline et sexy de l’Américaine est pour beaucoup dans la réussite de ces débuts incisifs. Autres armes fatales, les guitares agressives de James Honeyman-Scott, sans gras ni fioriture, offrent une vaste palette d’effets, de riffs et de sons. Aussi bien influencé par les Rolling Stones que les Kinks (dont ils reprennent Stop Your Sobbing), Television, les Who, Elvis Costello ou les Beatles, l’album est produit par Chris Thomas (l’homme derrière le Never Mind the Bollocks des Sex Pistols) et enchaîne des thèmes à l’uppercut (Precious), décalés (Phone Call), espiègles et vintage (Tattooed Love Boys), sensuels (Lovers of Today) et même reggae (Private Life). Ballade joliment aguicheuse, le single Brass in Pocket portera cet impeccable opus aux sommets des charts. Indémodable. © Marc Zisman/Qobuz