Sélection JAZZ NEWS

Avec son concept de Black Radio et les deux albums qui ont suivi, Robert Glasper a livré d’impressionnantes orgies de groove où s’entrechoquent jazz, R&B, rap, soul, funk et pop. Enregistré live aux mythiques studios Capitol, Covered en livre de nombreux titres phares en version entièrement acoustique. Epaulé par ses fidèles complices, le bassiste Vicente Archer et le batteur Damion Reid déjà présents sur ses albums Blue Note Canvas ( 2005) et In My Element (2007), le pianiste texan passe évidemment par d’autres chemins. Celui des standards ( Stella By Starlight) mais aussi celui de la reprise inattendue (Reckoner de Radiohead ou Barangrill de Joni Mitchell). A l’arrivée, un disque « retour aux sources ». Révélation du piano soul de ces dix dernières années, Glasper n’a pas épaulé Mos Def, Erykah Badu, J Dilla, Meshell, Kanye West, Common ou Q-Tip pour rien… Avec lui, la nu soul trouve l’ambassadeur smooth à souhait, clavier de velours et mélodiste suprême. Mais pas un simple tapoteur doué. Non, un pianiste, un vrai de vrai ! Qui connaît son McCoy Tyner sur le bout des ongles. Qui croise le fer avec Christian McBride, Terence Blanchard et Roy Hargrove… Surtout, Robert Glasper mène ses aventures plurielles, jazz ou hip hop, avec une insolente facilité. Mélodiste et instrumentiste hors pair, son toucher aérien en fait l'une des personnalités les plus recherchées. Son atout ? Avoir assimilé tout le spectre moderne du jazz, de son idole Herbie Hancock à Roy Hargrove, pour le mixer à ses influences contemporaines. © MZ/Qobuz

Installé à New York depuis 2012, James Brandon Lewis publie avec Days Of Freeman son troisième album. Un disque charnière pour le saxophoniste américain puisqu’il délaisse ici ses habituels complices – le bassiste Luke Stewart et le batteur Dominic Fragman – pour s’entourer du grand bassiste assez atypique Jamaaladeen Tacuma, mais aussi du batteur Rudy Royston, du chanteur et narrateur Pearl Lewis, du rappeur Supernatural et du DJ HPrizm d’Antipop Consortium. Tout en gardant son style, son son, son identité musicale, celui qui fut l’élève de Charlie Haden, Wadada Leo Smith, Dave Douglas, Joshua Redman et Matthew Shipp construit avec ce troisième album une œuvre tendant des ponts entre jazz et sémantique rap. Nourri par tous les sons qui ont bercé son enfance à Buffalo dans l’Etat de New York, Days Of Freeman reste bel et bien un disque de jazz et non de hip hop mais la structure de ses compositions est on ne peut plus urbaine et revendicatrice. On le déguste ainsi comme on déambulerait dans les rues d’un New York coloré où tout peut arriver. © CM/Qobuz

Melody Gardot entre dans sa 30e année avec l’album qui, sans doute, lui ressemble le plus. Non pas que les brillants essais passés de l’Américaine n’étaient guère en phase avec sa personnalité musicale mais elle affirme qu’avec ce Currency Of Man, elle a enfin écrit, enregistré et travaillé avec l’esprit de Philadelphie, la ville où elle a grandi, là où le groove n’est pas le même qu’ailleurs… C’est une Melody Gardot très soul’n’blues qui s’offre ici. Les cuivres sont de sortie et les influences sont moins monolithiques que sur le sublime mais très rétro My One And Only Thrill ou sur le tout aussi séduisant The Absence et ses influences bossa, tango et fado. La palette de tannins de cette cuvée 2015 surprend de prime abord. Puis le charme agit pour, à l’arrivée, rafler la mise. Comme à son habitude sans jamais trancher entre jazz, soul, blues et pop, la Gardot se faufile entre les styles et chante toujours aussi divinement bien. A noter que cette Deluxe Edition baptisée The Artist’s Cut propose cinq superbes thèmes supplémentaires, notamment un court et bel interlude de piano solo intitulé After The Rain. © MD/Qobuz

Melody Gardot entre dans sa 30e année avec l’album qui, sans doute, lui ressemble le plus. Non pas que les brillants essais passés de l’Américaine n’étaient guère en phase avec sa personnalité musicale mais elle affirme qu’avec ce Currency Of Man, elle a enfin écrit, enregistré et travaillé avec l’esprit de Philadelphie, la ville où elle a grandi, là où le groove n’est pas le même qu’ailleurs… C’est une Melody Gardot très soul’n’blues qui s’offre ici. Les cuivres sont de sortie et les influences sont moins monolithiques que sur le sublime mais très rétro My One And Only Thrill ou sur le tout aussi séduisant The Absence et ses influences bossa, tango et fado. La palette de tannins de cette cuvée 2015 surprend de prime abord. Puis le charme agit pour, à l’arrivée, rafler la mise. Comme à son habitude sans jamais trancher entre jazz, soul, blues et pop, la Gardot se faufile entre les styles et chante toujours aussi divinement bien. © MD/Qobuz

Emmené par le très inspiré et malheureusement trop peu médiatisé Bruno Angelini, ce quartet signe ici un disque d’une rare beauté. Un trip s’adossant notamment contre trois relectures de pièces signées Paul Motian, Steve Swallow et Wayne Shorter et que le pianiste marseillais et ses trois complices – le contrebassiste Claude Tchamitchian, le violoniste Régis Huby et le batteur Edward Perraud – revisitent avec un certain raffinement dans l’improvisation. Ces Instant Sharings portent non seulement bien leur nom mais éblouissent surtout dans cette puissante complicité qui unit les quatre musiciens. Chaque thème est une invitation au voyage, une errance sur des terres musicales sans étiquettes. Le lyrisme du violon d’Huby fait qu’on ne sait jamais si tout ceci est du jazz mais peu importe, la beauté et l’inspiration n’ont besoin d’aucun passeport pour exister… Un superbe disque de jazz chambriste qui devient de plus en plus essentiel au fil des écoutes. © MD/Qobuz

En 2011, le trio Bad Plus avait invité le saxophoniste Joshua Redman pour une semaine de concerts au Blue Note de New York. L’affaire fut artistiquement si fructueuse et bluffante que les quatre hommes s’enfermèrent en studio pour accoucher de ce The Bad Plus Joshua Redman qui parait chez Nonesuch. D’un côté, un trio soudé comme jamais, composé du pianiste Ethan Iverson, du contrebassiste Reid Anderson et du batteur David King, œuvrant depuis près de deux décennies sur le ring d’un jazz à l’uppercut. De l’autre, un souffleur virtuose ayant croisé le fer avec des épées telles que Brian Blade, Christian McBride, Brad Mehldau et Pat Metheny. A l’arrivée, l’association de ce beau monde est tout sauf un coup marketing et les quatre musiciens développent ici un langage commun époustouflant. L’album est également passionnant dans son écriture, tant le niveau des neuf compositions réunies impressionne. © MD/Qobuz

Sous le nom de l’Orkès Péï se cache un projet de l’immense harmoniciste Olivier Ker Ourio : ce dernier rassemble sous son aile la jeune et talentueuse génération du jazz réunionnais et revisite en mode big band les classiques populaires de La Réunion, l’île où il a passé son enfance. Cet album contient la superbe performance de la formation lors du Paris Jazz Festival de 2014. Le jazz créole dans toute sa splendeur, exécuté par des musiciens dont la maitrise du style ne fait pas l’ombre d’un doute. Bien qu’émigré depuis longtemps, Ker Ourio n’oublie jamais de rendre à son île les hommages qui conviennent, et il le fait toujours de bien belle manière. © LG/Qobuz

Pour son premier album comme leader, Rémi Vignolo s’est solidement entouré. Christophe Panzani, Pierre Perchaud, Tony Paeleman, Julien Herné, Olivier Temime et Magic Malik sont là pour accompagner le batteur/bassiste qui avait jusqu’ici brillé sur les albums des autres, de Claude Nougaro à Biréli Lagrene, en passant par Jacky Terrasson, Richard Galliano, Aldo Romano, Charles Aznavour, Michel Legrand, Baptiste Trotignon, Enrico Pierranunzi, Bojan Z et bien d’autres. Avec Death Of An Angry Man, Vignolo impose vraiment son nom puisqu’il signe six des sept compositions, s’amusant pour la dernière à reprendre Air Balloon de Lili Allen ! Dans les oreilles, la fiesta est totale. Ce jazz à l’énergie rock alterne entre fusion électrique et furieuse et séquences nettement plus boisées. C’est cette balance parfaite entre ballades habitées et embardées infernales qui impressionnent. Dans tous les contextes, Vignolo et ses complices insufflent beaucoup de créativité. Dans les mélodies comme dans les improvisations, tout ce beau monde ne cesse de créer de la musique totale. Un vrai régal de jazz contemporain. © CM/Qobuz

S’il est avare d’interviews, on ne pourra jamais reprocher à Keith Jarrett de l’être en publications discographiques… Avec Creation, le pianiste d’Allentown propose une sélection personnelle de musique enregistrée tout au long de l’année 2014, lors de ses concerts improvisés au Japon, au Canada et en Europe. Si dans le passé ses témoignages solo reflétaient le processus d'improvisation évoluant au fil d'une soirée, cette fois-ci Jarrett choisit de concentrer les moments les plus révélateurs de six concerts donnés à Tokyo, Toronto, Paris et Rome. Avec cette «nouvelle» approche, il livre ici le tout dernier état de sa création musicale spontanée et prouve une fois de plus qu’il est un musicien en constante évolution. Passionnant. © CM/Qobuz " L'extrême concentration du pianiste y impose peu à peu celle, indispensable, de l'auditeur, envoûté par de longues suites d'accords où l'on pense irrésistiblement à Scriabine, par de superbes développements issus d'une cellule mélodique ou harmonique initiale dont la logique et l'inventivité fascinent. Mais ce qui réjouit le plus profondément, c'est qu'une musique aussi aventureuse et exigeante puisse naître en situation de concert, qu'il existe un public dans le monde entier pour en partager les silences et les vertiges, l'incroyable austérité et l'absence de toute plaisante concession." (Classica, mai 2015 / Jean-Pierre Jackson)

A la tête d’un quartet de choc, le pianiste Laurent Coq et le saxophoniste Walter Smith III célèbrent la fougue et l’audace du marquis de Lafayette, combattant de la liberté et symbole de l’amitié franco-américaine. Une suite pour quartet en dix mouvements, portée par un souffle épique et un engagement musical de tous les instants. Cette Lafayette Suite retrace en musique les péripéties de Lafayette et son engagement au service de ses idéaux des Lumières, du moment où il prit conscience de la lutte des insurgés américains jusqu'à la victoire décisive de la bataille de Yorktown qui permit aux États-Unis d'accéder à leur indépendance. Il fait s'enchaîner tour à tour les compositions de Coq et de Smith dans une véritable continuité d'inspiration. Le jazz actuel dans ce qu’il a de plus inventif et de plus audacieux par des musiciens intègres, virtuoses et viscéralement habités par leur art. © CM/Qobuz

Pour ce troisième album Untold Stories, l’arme fatale de Shai Maestro au service de la musique reste son fidèle trio servi par le son énorme du contrebassiste péruvien Jorge Roeder et le talent d’un surdoué de la polyrythmie, le batteur Ziv Ravitz. Un album qui signe la fin d’une trilogie de mélodies imparables saluées par la critique, fêtées par le public et reconnues par ses pairs. Implacable accoucheur de mélodies aux lignes déliées libres et faussement légères, il livre ici un univers profond et poétique. Un jazz d’urgence teinté d’une pop instantanée, d’un rock introspectif et explosé de lyrisme dont la prise de risque et l'exploration sont devenues l’antienne. Il s’agit bien là d’un trio d’une réelle et solide complicité jusqu’au-boutiste dans la fusion, intransigeant dans l’abnégation et l’offrande. Il affiche ici plus que jamais une introspection sur l’essence même d’être musicien avec When You Stop Seeing et Looking Back. Un album tout en retenue dont la star du disque est le trio lui-même avec Elusive, morceau essentiel par sa rythmique rock froide au son si particulier ou encore Maya’s Song et son enchevêtrement de mesures impaires utilisées sur solo de contrebasse splendide. Sans oublier Painting morceau fétiche, ici en live, et à l’origine en version studio sur son premier album, comme pour signer une trilogie sur quatre années de musique murie sur la route. Le pianiste israélien ne déçoit pas après le premier album éponyme Shai Maestro Trio en 2012 et The Road To Ithaca l'année suivante. © LR/Qobuz

Après Paris, le guitariste, compositeur et directeur artistique Olivier Benoit poursuit son ambitieux projet d’investigation amoureuse des grandes capitales culturelles européennes, Europa, en posant ses valises à Berlin ! Cette fois, c’est avec la curiosité de l’“étranger” qu’il a arpenté cette ville à la population jeune, créative et cosmopolite. Plus que jamais attentif à l’architecture et à ce qu’elle révèle, le compositeur a centré cette fois son travail sur l’histoire et la mémoire. Décliné en compositions denses empruntes de lyrisme, ce portrait de Berlin interroge les diverses façons qu’ont eues les Allemands de se confronter à leur histoire récente. Olivier Benoit et l’Orchestre National de Jazz créé en 1986 à l’initiative du ministre de la culture de l’époque Jack Lang, saisit l’esprit hétérogène de la cité à travers une musique contrastée qui exploite brillamment toutes les ressources de l’orchestre. Fidèle à ses singularités d’écriture associant dynamiques des timbres à un vrai sens de l’architecture en mouvement et une pulse rythmique hypnotique, le compositeur ouvre avec Europa Berlin de nouvelles perspectives tant sonores que formelles, qui puisent également dans les différents courants musicaux qui « habitent » la capitale allemande : musique minimaliste, free jazz, rock progressif et musique électronique. La bonne nouvelle étant qu’Olivier Benoit reste à la tête de l’ONJ jusqu’en 2017, ce qui promet d’autres belles découvertes musicales. © LR/Qobuz

Le grand joueur de n’goni (considéré comme l’ancêtre du banjo) revient avec sa pédale wah wah pour livrer une world rythmée et sophistiquée. Touché par le coup d’Etat qui a eu lieu au Mali durant l’enregistrement de Ba Power, Bassekou Kouyaté clame ses idéaux à travers une guitare rock énervée et grâce à la voix sincère de son épouse Amy Sacko, qui appelle définitivement à la paix. Ce troisième album se trouve dans la continuité de Jama Ko paru en 2013, et défend à nouveau le son de cet instrument traditionnel avec lequel il vit depuis l’âge de 12 ans. © LR/Qobuz

L’incroyable chanteuse de jazz Dee Dee Bridgewater est de retour avec un album mélangeant des chansons traditionnelles de la Nouvelles Orléans et des compositions originales qu’elle a concocté pour l’occasion. Dee Dee’s Feathers est un brillant hommage à la ville iconique du jazz et marque le triste 10e anniversaire de l’ouragan Katrina qui a profondément marqué l’Etat de la Louisiane.C’est à Esplanade Studio, une vieille église de la Nouvelles Orléans transformée en studio d’enregistrement que Dee Dee a choisi d’immortaliser cet opus. Accompagnée par des talentueux musiciens tels que Dr John, Bill Summers et le New Orleans Jazz Orchestra (NOJO), la chanteuse transporte l’auditeur dans un monde de swing et de douceur qui ne laisse pas indifférent. © LG/Qobuz

Depuis plus de trois décennies, Tim Berne est de ces actifs empêcheurs de tourner en rond. De ces jazzmen (?) osant tout, chamboulant tout. Aux commandes de son groupe Snakeoil, le saxophoniste new-yorkais et ses complices signent un troisième album pour ECM. Avec You’ve Been Watching Me qui parait au printemps 2015, le groupe a embarqué avec lui un cinquième acolyte en la personne du guitariste Ryan Ferreira. Au programme de leur belle entreprise de déstabilisation, de la déstabilisation donc mais aussi de la construction, de la déconstruction, du mélodique, de l’anti-mélodique, bref un grand casse-tête savoureux louant la liberté mais s’attachant toujours à ne jamais laisser l’auditeur en plan. Du jazz contemporain pour la tête mais aussi pour le corps ! © CM/Qobuz

Depuis plus de trois décennies, Tim Berne est de ces actifs empêcheurs de tourner en rond. De ces jazzmen (?) osant tout, chamboulant tout. Aux commandes de son groupe Snakeoil, le saxophoniste new-yorkais et ses complices signent un troisième album pour ECM. Avec You’ve Been Watching Me qui parait au printemps 2015, le groupe a embarqué avec lui un cinquième acolyte en la personne du guitariste Ryan Ferreira. Au programme de leur belle entreprise de déstabilisation, de la déstabilisation donc mais aussi de la construction, de la déconstruction, du mélodique, de l’anti-mélodique, bref un grand casse-tête savoureux louant la liberté mais s’attachant toujours à ne jamais laisser l’auditeur en plan. Du jazz contemporain pour la tête mais aussi pour le corps ! © CM/Qobuz

Les 4 parties de A Love Supreme de Coltrane reprennent vie grâce au Branford Marsalis Quartet, qui s’essaye à l’exercice de l’imitation imparfaite ; il s’agit bien là de reproduire rigoureusement les notes, comme un peintre reproduirait rigoureusement la réalité, tout en apposant sa propre signature en bas du tableau, signe de son interprétation personnelle du modèle. A la manière d’une symphonie, le quartet du saxophoniste américain apporte une autre conception du jazz à travers ce décalquage, et ainsi une autre forme de reconnaissance, car quels sont les musiciens de jazz encore capables de jouer A Love Supreme de Coltrane ? © LR/Qobuz