En tête, l'Otello de Verdi dirigé par Carlos Kleiber (CHOC : voir la critique), mais aussi un Boris Godounov de légende, celui du Bolchoi 1948 avec Pirogov monumental et réunissant les deux ténors d'exception, Nelepp en Grigori, Kozlovsky en Innocent. Son variable, manque la moitié de l'acte polonais avec Rangoni (d'un an plus tard) rétablie dans la version publiée en LP. Un parfum de grandeur et de pauvreté oublié.

Opera d'Oro 3 CD OPD-1363
★★★★

Dimitri Mitropoulos dirige l’Orchestre symphonique de la Radio de Cologne dans Don Quichotte (Alwin Bauer violoncelle et Paul Schroer, alto) et Also sprach Zarathustra de Strauss. La captation est excellente. Bien que le violoncelle de Bauer ne soit pas d’une justesse idéale, que de moments extraordinaires ! Nous assistons à un véritable “opéra sans paroles” avec des scènes burlesques d’une vivacité et d’une folie belliqueuse stupéfiantes. Mieux enregistré qu’à Salzbourg avec le Concertgebouw d’Amsterdam (Q. Disc, 1958), Also sprach Zarathustra est l’un des plus hallucinés que nous ayons entendus. La conception à la fois brutale, épique, charnelle de Mitropoulos envoûte de bout en bout. À connaître absolument.
Medici Arts MM035-2 - 1959 - 75’ - ★★★★

La musique des compositeurs de l’Europe du Nord a quelque chose de commun avec les terres arctiques : un « permafrost » d’oubli et d’ignorance les recouvre littéralement. Les dernières parutions de labels méritants et courageux nous proposent de dégeler cette situation.

La pianiste Marie-Luise Hinrichs poursuit son intégrale des œuvres pour piano du Padre Antonio Soler (1729-1783) avec une force de conviction et un plaisir qui transparaissent dans le soin avec lequel elle traduit les multiples climats des 10 Sonates (S.R. 115, 118, 19, 77, 73, 71, 72, 20, 17 et 87) rassemblées sur ce disque. La précision de son jeu met en lumière les subtilités harmoniques tout autant que la simplicité mystique de l’écriture. Cette ascèse est bousculée par le panache qui innerve les sonates rapides, notamment les nos 17 et 87 dont les rythmes de danse trahissent l’influence de la musique populaire catalane. Seul regret, certaines pièces, originellement conçues pour le clavicorde, perdent leur fragilité touchante.
(CPO 7772002, 2006, 62’, note 8)

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Vraisemblablement composées à l’intention d’un virtuose employé à la Cour de Frédéric Le Grand, les 2 Sonates pour viole de gambe Wq. 136 et Wq 137 et la Sonate en Trio Wq.88 de Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) sont des partitions audacieuses par leur virtuosité et émouvantes par la beauté de leur verve mélodique, caractéristiques qui les rattachent pleinement à l’Empfindsamkeit. Dmitry Kouzov (violoncelle) et Peter Laul (clavecin et piano) nous en proposent des lectures amples et chaleureuses, accentuant leur dimension mélodique et introspective parfois au détriment de leur rythmique dansante. En cela leur témoignage est complémentaire de celui plus rugueux de Lorenzo et Vittorio Ghielmi chez Winter & Winter.
(Naxos 8570740, 2007, 65’, note 7)

Les « Partite, Sonate e Sinfonie » du compositeur praguois Frantisek Ignac Antonin Tuma (1704-1774) brillent par leur hétérogénéité stylistique. Le contrepoint, héritage de son professeur Fux s’oppose ainsi à la verve mélodique des adagios et andantes. Cette ambivalence inspire les musiciens du Concerto Italiano, placés sous la direction du claveciniste Rinaldo Alessandrini, lesquels cisèlent avec finesse la légèreté de l’écriture et la fluidité mélodique. Des œuvres charnières entre baroque finissant et classicisme naissant défendues par des interprètes inspirés.
(Naïve OP30436, 2006, 71’, note 7)

Composé durant sa première période créatrice entre 1724 et 1739, un groupe de neuf Symphonies de Giovanni Battista Sammartini (1700-1775) sont étonnamment hétérogènes, agrégeant des formules baroques, de belles trouvailles harmoniques audacieuses et des épisodes contrapuntiques denses. Roberto Gini et l’Orchestre de chambre classique de Milan restituent sans concession cet étonnant habit d’Arlequin stylistique, exaltant les tutti rutilants à grand renfort de cuivres sans oblitérer la délicate poésie des mouvements lents, servie par la précision des cordes. Dommage que la réverbération excessive entache quelque peu la lisibilité de l’ensemble.
(Dynamic CDS460, 2005, 73’, note 6)

Contemporain de Tartini, Francesco Maria Veracini (1690-1768) fut un compositeur peu disert dont les 12 Sonates pour violon et basse continue op. 1, à défaut d’originalité, dénotent une belle maîtrise d’écriture et l’influence prégnante du style de Corelli. Le violoniste Enrico Casazza et l’ensemble La Magnifica Comunità ont l’intelligence de varier l’accompagnement pour atténuer la monotonie qui nait lors d’une écoute prolongée. Ils parviennent à insuffler de l’énergie dans les mouvements de danse et à nimber les mouvements lents d’un voile de mélancolie touchant. Dommage que Casazza fasse preuve d’une retenue parfois excessive.
(Brilliant 2CD 93809, 2002-2006, 2 h 31’, note 6)

Johann Friedrich Fasch (1688-1758) fut assurément un compositeur prolixe, tout particulièrement dans le domaine orchestral où l’on dénombre plus d’une centaine d’opus (Suites, Concertos et Symphonies). Emlyn Ngai et les musiciens de la formation baroque Tempesta di Mare nous entrainent dans la découverte en première mondiale et en live de quatre opus – Ouverture grosso FWV K:D8, Concertos FWV L:B3 et FWV L:D15, Andante FWV L:D15bis – qui appartiennent stylistiquement au baroque tardif. Les musiciens s’attachent à faire ressortir la finesse de l’écriture de Fasch, décelable dans le traitement subtil des vents (concertos). Ils manquent cependant d’engagement dans une Ouverture dépourvue de pittoresque. Une découverte intéressante néanmoins.
(Chandos CHAN0751, 2007, 59’, note 6)

Couplage assez habituel qui associe les célébrissimes Water Music et les Musiques pour les feux d’artifices royaux de Georg Friedrich Haendel (1685-1759). L’ensemble italien L’Arte dell’ Arco dirigé par Federico Guglielmo nous en propose des interprétations enlevées et précises, sans faille ni surprise, dépourvues de la théâtralité d’un Harnoncourt ou de l’énergie dansante d’un Gardiner.
(CPO SACD 7773122, 2008, 66’, note 6)

Comme dans les deux précédents volumes consacrés aux Ouvertures de Georg Philipp Telemann (1681-1767), Patrick Peire et le Collegium Instrumentale Brugense rassemblent des partitions contrastées pour de multiples instruments (trompettes, flûtes à bec, hautbois, basson, cors …). Cette alternance permet d’atténuer l’ennui que dégagent ces lectures qui se déploient sans faute de goût mais sans la truculence qui faisait le suc des témoignages d’Harnoncourt, de Pinnock ou du Tafelmusik. Saluons cependant la belle prestation des solistes.
(Brilliant 2 CD 93704, 2007-2008, 2 h 11’, note 6)

À la tête des orchestres de La Stagione Frankfurt et de la Camerata Köln, Michael Schneider poursuit son exploration des Concertos pour vents de Telemann. Le volume 2 rassemble les Concertos pour flûte à bec TWV 51:C1, pour 2 hautbois TWV 53:d1, pour flûte traversière TWV 51:G1, pour 2 cors TWV 52:D1, pour hautbois TWV 51:f1 ; le volume 3 les Concertos pour piccolo TWV 51:D4, pour hautbois TWV 51:c1, pour flûte à bec et cor TWV 42:F14, pour flûte TWV 51:G2, pour trompette TWV 51:D7, pour 2 flûtes traversières et basson TWV 53:G1. Les interprétations se caractérisent dans l’ensemble par une pâte sonore impersonnelle et une direction assez sèche et mécanique. Cette rigidité se transmet malheureusement aux solistes qui parviennent néanmoins à tirer leur épingle du jeu. La vélocité des tempos conjuguée à un manque de respiration et de nuances brident considérablement la richesse du contrepoint, les oppositions de timbres et la variété des couleurs de ces partitions allègres.
(CPO : Volume 2 : CPO 772672, 2005-2006, 55’, note 5. Volume 3 : CPO 7772682, 2005-2006, 54’, note 6)

Après un premier volume convaincant consacré aux trois premières suites orchestrales du Festin des Muses de Johann Sigismund Kusser (1660-1727), les musiciens de la formation Aura Musicale achèvent le cycle en nous offrant les trois dernières. La variété des nuances, des textures et des timbres des instruments d’époque met en lumière l’originalité et la théâtralité de scènes souvent hautes en couleurs, d’autant que Balazs Maté choisit une orchestration plus large. Des options intéressantes qui respectent l’esprit des œuvres et les pratiques baroques de l’époque.
(Hungaroton HCD32552, 2007, 59’, note 7)

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Quatre œuvres pour saxophone et orchestre sont rassemblées sur un disque Chandos. Le Concerto pour saxophone « Albireo Mode » du compositeur japonais Takashi Yoshimatsu (né en 1953) est une nouvelle illustration du style « fleuri », « planant » de son auteur, qui a souhaité que le calme soit ici dominant. Le Concerto du vent du japonais Toshiyuki Honda (né en 1957) propose un hommage au jazz, brillant et coloré. De Jacques Ibert (1890-1962), le Concertino da camera (1935) mêle virtuosité et émotion, évoque parfois Milhaud, et semble annoncer certaines musiques de comédies américaines des années 1950. Enfin le Concerto pour saxophone et orchestre à cordes du compositeur suédois Lars-Erik Larsson (1908-1986) complète un programme très bien construit. La belle prise de son porte le BBC Philharmonic dirigé par Yukata Sado, ainsi que le saxophoniste japonais Nobuya Sugawa, qui plane sur l’orchestre, libre et impérial tel un oiseau des mers.
(Chandos CHAN 10466, 2007, 77, note 7)

Mr. Tambourine Man, du compositeur américain John Corigliano (né en 1938) est un cycle de 7 mélodies pour soprano (Hila Plitmann) et orchestre sur des textes de Bob Dylan. Ne portant pas nécessairement la marque de Corigliano, assez anglais dans ses passages calmes, humoristique parfois, ce vaste ensemble oscille entre la musique de chambre et l’opéra. Les Three Hallucinations déploient un éventail de farces et attrapes orchestrales et langagières, que le Buffalo Philharmonic Orchestra dirigé par Joann Falletta manie avec habileté ; mais on ne s’est pas laissé prendre.
(Naxos 8559331, 2007/08, 52’, note 6)

Le Violon Rouge, Chaconne pour violon et orchestre (1997) de Corigliano était à l’origine une musique de film, « un essai passionné et romantique ». Afin d’en faire un concerto, le compositeur y a adjoint trois autres mouvements, souvent étincelants. La Sonate pour violon et piano, déjà enregistrée, est une brillante œuvre de jeunesse (1962-1963). Corigliano en parle très bien : « Elle est pour l’essentiel une œuvre tonale, bien qu’elle comprenne des sections non tonales et polytonales (…). Rythmiquement, l’œuvre est extrêmement variée (…) ; la virtuosité joue un rôle important en apportant couleur et énergie à l’œuvre, qui est fondamentalement optimiste ». Le Baltimore Symphony Orchestra, dirigé par Marin Alsop, le pianiste Jeremy Denk, et le violoniste Joshua Bell sont rayonnants.
(Sony 82876880602, 2006-2007, 62’, note 7)

Christopher Rouse est (né en 1949) l’un des plus célèbres compositeurs américains d’aujourd’hui, qu’on nommerait peut-être « indépendant », avec John Corigliano ou Michael Daugerthy. Trois de ses pièces pour orchestre sont au programme d’un disque du Royal Stockholm Philharmonic Orchestra (dir. Alan Gilbert). Iscariot (1989), pour orchestre de chambre, « se réfère à Judas Iscariote du Nouveau Testament », dans son aspect tragique. C’est manifeste dans l’introduction, puissante et tonale, ainsi que dans la conclusion, puissante et polytonale. L’atmosphère de folie qui préside à Iscariot se projette dans le Concerto pour clarinette (2001, soliste Martin Fröst), tempérée toutefois par un certain ludisme, que le compositeur est allé puiser dans certains jeux télévisés des années 1950. Pièce la plus développée ici, la Première Symphonie (1980) traduirait le désir d’une musique sombre certes, mais introspective. Rouse exprime, au-delà d’antagonismes évidents, une unité stylistique affirmée ; mais son goût du drame confine souvent au gigantisme. Restent quelques belles plages de désolation.
(Bis CD1386, 2005-2006, 62’, note 5)

C’est dans la collection « American Classics » de Naxos que paraît ce disque du compositeur américain Paul Moravec (né en 1957) ; une collection qui ne contient pas que des œuvres inoubliables, mais très attractive par son exploration joyeuse hors des sentiers battus. Ce disque en reflète idéalement l’esprit. Il s’ouvre avec la Chamber Symphony (2003) (pour quatuor à cordes, flûte, piano, clarinette, cor et percussions). Paul Moravec se dépense sans compter, comme un sportif en quête d’un exploit. Si l’on ne peut classer Paul Moravec parmi ceux que l’on nomme les répétitifs, il est toutefois probable qu’il a subi leur influence. Ecoutez ensuite les mélismes saccadés de la flûte dans le premier mouvement de Cool Fire (2001) (pour quatuor à cordes, flûte et piano), mêlés à une rutilante richesse harmonique : le Techno-parade de Connesson n’est pas loin ! Cependant, comme le compositeur français, Moravec sait aussi faire preuve d’un sens consommé de la mélodie élégiaque. Enfin, si vous n’aimez pas les prouesses quelque peu acrobatiques de ce pétillant compositeur, consolez-vous avec une triste et belle Automn Song (2000) (pour flûte et piano) ; c’est un terrain foulé sans doute plus fréquemment, mais qu’on peut aimer tout autant…
(Naxos 8559393, 2007, 45’, note 6)

Trois œuvres écrites dans les années 1970 par Harrison Birtwistle, compositeur anglais né en 1934, rééditées aujourd’hui en CD par Lyrita, forment un programme bien décevant. Verses for Ensembles (pour vents, bois, et percussions) présente une masse sonore agressive, rébarbative, qui s’inscrit dans une modernité que l’on peut qualifier, avec un peu de recul, d’académique. The Death of Orpheus (pour soprano clarinettes basses, clarinette, piano, piano préparé et crotales) vise au dépouillement, voire à l’abstraction. À côté, Gérard Pesson passerait presque pour un compositeur bavard. Un certain renouveau apparaît avec The Fields of Sorrow (pour 2 sopranos, chœur et ensemble instrumental). C’est très certainement le morceau le plus original de ce disque. Le compositeur trouve enfin les moyens d’une certaine séduction, par un statisme, une horizontalité des événements, qui englobent l’effectif au complet. La direction de David Atherton à la tête du London Sinfonietta sait nous conduire dans ce faisceau de lumière trouble, aux allures de rite de passage.
(Lyrita SRCD306, 1973, 56’, note 5)

Compositeur estonien né en 1958, Toivo Tulev nous propose un panorama de sa musique pour chœur et orchestre de chambre. Songs (d’après le Cantique des Cantiques), Rejoice, rejoice, rejoice ! et Jusquez au printemps (d’après Josquin Desprez), pour chœur, sont emblématiques de son mysticisme nourri de musique ancienne, d’influences de musiques contemporaines d’Europe du Nord, et de dissonances assez peu séduisantes. L’Estonian Philharmonic Chamber Choir, le Tallinn Chamber Orchestra ainsi que le contre-ténor Robin Blaze sont sous la direction tout juste honnête de Paul Hillier.
(Harmonia Mundi HMU807452, 2006, 63’, note 5)

Ça chatouille, ça gratouille, ça claque, ça Bach, ça fugue un peu, ça chante un tout petit peu, ça souffle, ça crie, ça hulule (ce n’est pas vrai !), c’est radical, c’est parfois mal enregistré, c’est dépouillé, c’est intérieur sans être un drame, c’est moins ésotérique que du Webern, mais ce n’est pas non plus du Schubert, ça va avoir du succès : non, ce n’est pas du Wolfgang Rihm, ce sont les Quatuors à cordes n° 1 à n° 5 du compositeur allemand Jörg Widmann (né en 1973), gracieusement et grinceusement interprétés par les remarquables Leipziger Streichquartett et la soprano Juliane Banse.
(MDG « Gold » 3071531-2, 2008, 76’, note 5)

Le label Naxos a commandé au compositeur anglais Peter Maxwell Davies (né en 1934) une série de 10 Quatuors à cordes. Voici le cinquième et dernier disque, qui comprend les Quatuors n° 9 et n° 10, toujours interprétés par le Maggini Quartet. Pour Maxwell Davies, néanmoins, il ne s’agit pas de ses derniers quatuors, d’autres devraient venir, prévient-il. Un premier regard sur l’intégrale de ces dix quatuors laisse à penser que le compositeur a été fidèle à lui-même du début à la fin. Il combine « une modernité exigeante à une accessibilité joyeuse », est-il écrit dans la notice. Si la continuité stylistique est la marque essentielle de cette longue série, ajoutons qu’au sein même des Naxos Quartets n° 9 et n° 10, un certain monolithisme règne, où la « modernité exigeante » prend ici le pas sur « l’accessibilité joyeuse ». Des envolées hardies alternent avec des chants plus contemplatifs, le tout illustrant une humeur quelque peu capricieuse.
(Naxos 8557400, 2008, 63’, note 5)

Né en 1960, le compositeur belge Jean-Luc Fafchamps se distingue dans Lignes (titre du disque) par un style à double facette : des blocs, des lignes aux contours anguleux, d’une part, dans les premier et dernier mouvements du Quatuor à cordes, Les désordres de Herr Zoebius, et dans Lettre Soufie : Z(1) (pour alto, piano et électronique) ; une sensibilité plus lyrique (certes tendue), d’autre part, dans le deuxième mouvement du Quatuor. Bryce (pour clarinette et quatuor à cordes), et Back to the Voice (pour piano), deux œuvres en un mouvement, confrontent habilement ces deux aspects. Le Quatuor Danel est entouré du pianiste Jean-Philippe Collard-Neven, de l’altiste Vincent Royer, et du clarinettiste Jean-Michel Charlier.
(Fuga Libera FUG 537, 2005/06, 64’, note 6)

D’Orients, du compositeur Claude Ledoux (né en 1960) résulte de voyages réels ou imaginaires en Inde, au Vietnam ou au Japon. Le musicien explore l’ornementation indienne dans Les ruptures d’Icare L. (pour quatuor à cordes), investit les traditions folkloriques de la Mongolie dans Sanaalijal (pour flûte et ensemble instrumental), réfléchit à la dialectique « tradition-modernité », dans Bell(e)…s (sorte de concerto pour piano et ensemble), mêle rêverie poétique et calculs d’ordinateur dans Torrents (pour violoncelle et ensemble). On peine malheureusement à saisir les spécificités culturelles revendiquées par l’auteur, étouffées par les tropismes de nos avant-(ou arrières ?)gardes. Les œuvres sont vigoureusement interprétées par l’Ensemble Musiques nouvelles (Sanaalijal et Bell(e)…s), Patrick Davin (Torrent), Berten D’Hollander (flûte), Nao Momitani (piano), et Jean-Paul Dessy au violoncelle.
(Cyprès CYP 4627, 1995-2007, 68’, note 5)

Compositeur espagnol, Moisès Bertran (né en 1967) nous propose un disque intitulé « Variations et fantaisies », consacré à sa musique pour piano et à sa musique de chambre. Son langage privilégie les paramètres classiques (harmonie, mélodie, rythme) et se veut tour à tout dansant ou mélancolique, comme l’illustrent par exemple le Trio pour hautbois, basson et piano et la Suite « pour Elise » pour piano et clarinette. On déplorera dans ce disque une certaine dureté harmonique alliée à un son de piano parfois métallique, comme celui d’un piano droit ; un sentiment qui s’estompe devant la poésie « populaire » du très bel Hommage à Luis A. Calvo, pour piano. Leon Giraldo (flûte), Paul-Henri Fischler (hautbois), Elisabeth Isaza (clarinette), Leonardo Guevara (basson), Bernardo Cardona (guitare) et Mac McClure (piano) accompagnent le compositeur, ici également pianiste.
(Columna Musica 1CM0172, 2003-2007, 72’, note 6)

Pianiste et compositeur français, Alain Kremski (né en 1940) associe dans son disque « Exils » le piano à des bols tibétains « chantants », ainsi nommés parce que « l’on peut obtenir un son continu en les frottant avec un bâton dans un mouvement circulaire et régulier ». Exils : Méditation sur l’Espace, le Temps et la Mémoire et Aube : Solitude du Christ au Mont des Oliviers combinent donc richesse harmonique du piano dérivée de Messiaen et résonances pures et profondes des bols tibétains. Le piano disparaît dans Souvenir : Berceuse pour un enfant tibétain et Contemplation : Prière secrète sur le Nom très Saint de Notre Seigneur Jésus Christ : quelques mélodies éternelles carillonnent.
(Divox CDX 25244-2, date d’enregistrement non précisée, 70’, note 7)

De la compositrice espagnole Maria De Alvear (née en 1960), Asking (2001) est une vaste pièce d’environ 50 minutes pour piano en un mouvement. De structure très ouverte, elle permet à l’interprète, ici la pianiste Eve Egoyan, de prendre de nombreuses décisions. Le côté interrogateur du titre se traduit par une musique volontairement hésitante, qui cherche sans rien affirmer. Une déambulation qui ne peut que laisser sceptique.
(Mode 187, 2003, 52’, note 5)

Ecrits entre 1996 et 2004, les Quatuors n° 2 et n° 3, et une autre musique pour quatuor à cordes du compositeur allemand Nikolaus Brass (né en 1949), constituent le volume 1 d’une probable intégrale de ses Quatuors. Ce qui frappe ici, ce sont « les voix qui se fondent les unes dans les autres, et les instruments qui semblent tendus comme un arc », explique l’auteur de la notice. Ajoutons que les instruments évoluent souvent dans l’aigu, ce qui renforce le côté « criard » du propos, notamment dans le Quatuor n° 3. On a pourtant entendu mieux en matière de sons « brûlés ». (Xenakis, Johannes Fritsch). L’Auritus-Quartett est remarquable.
(Col Legno WWE 20238, 2005-2006, 70, note 5)

L’Ircam n’a pas encore fait sa révolution ! Etymo (pour soprano, électronique et ensemble), Da capo (pour 9 instruments), A fuoco, 4° studio sulla memoria (pour guitare et ensemble), et Animus (pour trombone et electronique) du compositeur italien Luca Francesconi (né en 1956) sont un modèle d’académisme cent pour cent Ircam. La complexité vaine de l’écriture, alliée à une certaine « poésie » sonore et à une énergie artificielle, caractérise ces pièces, comme la plupart de celles produites par le célèbre institut. Saluons toutefois la précision extrême de Susanna Mälkki, à la tête de l’Ensemble intercontemporain.
(Kairos 0012712KAI, 2006/07, 69’, note 4)

« Eau Vent Acier », c’est le titre du Quatuor à cordes n° 2 d’Eric Fischer, et celui d’un beau poème (le compositeur en est-il l’auteur ?) gravé dans le boîtier du disque. Une absence totale de notice n’aidera pas l’auditeur à entrer dans le monde particulièrement aride et peu musical de ce quatuor. Toujours pour quatuor à cordes, Albion, Quartetto per archi et, avec une contrebasse, In Tempus Nudiflorum et Miniatur, complètent un portrait d’un hermétisme qui ne se donne aucune envie de convaincre. Le Quatuor Boréal est d’une qualité très remarquable.
(Daphénéo A803, 2008’, 47’, note 3)

Composé de Luc Dedreuil, Gaël Seydoux, Benoît Chapeau et Jérôme Lefranc, le Quatuor Alexander est un excellent quatuor de violoncelles, qui enregistre son premier disque. De Gilbert Amy (né en 1936), Après : Ein…es praeludium propose une déconstruction puis une reconstruction du Prélude de la Suite n° 4 pour violoncelle de Bach. Robert Pascal (né en 1952) conjugue, dans Au plus profond d’un étrange rêve éveillé, sons fuyants et temps de consonances, d’où émerge un fragment de Roland de Lassus. Colin Roche (né en 1974) lorgne du coté du silence avec Réflexions II sur le carnet. Enfin, un beau Chant de Nyandarua, de Jean-Louis Florentz (1947-2004), et deux mouvements du compositeur polonais Alexandre Tansman (1897-1986) complètent un parcours aux démarches singulières, certes, mais pas toujours captivant.
(Polymnie POL430146, 2006, 53’, note 6)

Chez les van Soldt, luthériens chassés de Flandres par l’avancée espagnole, comme dans toutes les familles du temps, on joue en famille, clavecin et orgue trônent dans la pièce commune. La jeune fille de la famille, Susanne, tient en quelque sorte son journal musical, et rejoue ce qu’elle aime au virginal. À partir de ce Manuscrit Susanne van Soldt (1599), forcément elliptique et mnémotechnique, et de ses canevas muets, Les Witches effectuent un émouvant travail de reconstitution des pièces dans leur habillage sonore, timbrique, rythmique, mais aussi dans leurs pratiques d’exécution, avec diminutions restituées, variations et contre-chants improvisés. On rêve, on danse, on ferme les yeux, et ressurgissent les lumières des tableaux de Vermeer, et ce goût si particulier fait de bonheurs simples, de nostalgies, épicé des craintes du temps, et d’une spiritualité vécue au quotidien.
(Alpha Alpha526, 2008, 66’, note 8)

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Ne pas confondre Hieronymus Praetorius (1560-1629) avec son grand homonyme Michael. Nous avions chroniqué il y a peu un enregistrement CPO dirigé par Manfred Cordes et consacré à ses motets. Ici, Andrew Carwood et le Cardinall’s Musick en continuent l’exploration, sans instruments cette fois-ci, et ajoutent trois des huit Magnificat du maître, dont le chef-d’œuvre « Quinti toni » mêlant à la trame polyphonique des airs populaires. Hélas, les voix sont outrées, ou carrément laides du côté des ténors, et les intonations incertaines, dans une interprétation sans grande inspiration. Un faux-pas.
(Hyperion CDA 67559, 2008, 68’, note 4)

Est-il sûr qu'il faille donner à Peter Phillips (1561-1628) des habits aussi méditerranéens ? Leonardo García Alarcón et sa Capella Mediterranea ont fait un pari : celui de lire au détail près une peinture de Brueghel, L'Ouïe, dans laquelle figurent sur les pupitres des madrigaux à six voix de Phillips. Anticipant sur l'évolution historique qui conduira au « concertato », on utilise donc les instruments figurant sur le tableau. Mais l'expérience se brise ici sur plusieurs écueils, dont le premier est une prise de son qui, sous le prétexte de restituer l'espace sonore du tableau, liquéfie et brouille la polyphonie. Second écueil, le fait que toutes les pièces ne se plient pas avec le même bonheur au traitement instrumental, le résultat dépendant beaucoup de la complexité initiale de la polyphonie. Dernier écueil, et non le moindre, l'opulence hédoniste des timbres, qui oublie en route la nécessaire clarté de l'architecture et l'appui du mot.
(Ambronay AMY015, 2008, 60', note 6)

Les trois vétérans de la Réforme anglaise, Tye (vers 1505-vers 1575), le méconnu, artisan obstiné de la mise en valeur des mots, Sheppard (vers 1515-1558), maître des textures harmoniques, et le grand Tallis (vers 1505-1585), inspirateur habituel des Hilliard et expérimentateur de contrepoints audacieux, sont associés et opposés dans la nouvelle production du Hilliard Ensemble (à 5 chanteurs). Enregistré en 2005, dans la magnifique acoustique du monastère de Saint-Gérold dans les Alpes autrichiennes, édité seulement aujourd’hui, hélas sans textes français, voici un programme qui, par son hédonisme vocal, séduira les adeptes de l’ensemble et qui, s’il n’apporte rien de nouveau en termes de répertoire, vaut par la confrontation très pédagogique de trois stades différents de la transition de la musique sacrée anglaise vers une polyphonie de plus en plus complexe.
(ECM 1936, 2008, 72’, note 8)

Le premier volume de la série « Taverner & Tudor Music » (Da Capo) était consacré à la belle Messe « Western Wind ». Pour le second volume, enregistré en 2005 et 2006, c’est à la Messe « Gloria tibi Domine » de John Taverner (vers1490-1545) que se consacre l’ensemble Ars Nova Copenhagen, dirigé depuis 2002 par Paul Hillier. Comme pour le disque précédent, figurent en alternance le plain-chant du Dimanche de la Trinité, et des compositions bien choisies de Fairfax, qui le précède chronologiquement, et des White, Byrd et Tallis qui le suivent. Beau programme qui illustre l’intéressante écriture de Taverner, assise rythmique rigoureuse et richesse de sections imitatives flamboyantes sur trois octaves. Interprétation vigoureuse et fervente, que gâche un peu une acoustique très réverbérée.
(Da Capo « Ars Nova » 8226056. 2005-2006, 73’, note 8)

La Compagnia dei Musici di Roma est la corporation professionnelle des plus grands musiciens de la ville. Elle comprend évidemment à la fin du XVIe siècle Palestrina, le plus grand de tous, et produit notamment deux recueils, un de madrigaux, Le Goie, et cette Missa Cantantibus Organis enregistrée en première par l’ensemble Officium. Ecrite pour douze voix réparties en trois chœurs, c’est une messe-parodie sur le motet éponyme de Palestrina, en hommage au grand maître qui lui-même se charge du Gloria. On y perçoit quelques frémissements d’un futur changement d’ère musicale, variable selon les contributeurs, entre un Annibale Stabile encore très proche de la rigueur palestrinienne, et un Francesco Soriano, annonciateur du baroque dans un « Et ascendit » à quatre voix égales sans basse, ou encore un Andrea Dragoni faisant miroiter la fin du Gloria dans une quasi-polychoralité vénitienne. Bonne interprétation de l’ensemble allemand Officium, que son leader Wilfried Rombach ancre dans la tradition interprétative a cappella.
(Christophorus CHR77288, 2006-2007, 69’, note 6)

Issu d’une grande famille vénitienne, Giovanni Priuli (vers 1580-1626), élève de Gabrieli, rejoint le Nord de l’Europe à la mort de son maître puis, son maître devenant empereur, le suit à Vienne. Si l’on a déjà entendu de rares canzone de Priuli dans des récitals, cet enregistrement propose en première mondiale des motets à double et triple chœurs issus du Sacrorum Concentuum où se côtoient la première pratique palestrinienne et le style concertato. Ce qui frappe est surtout la grande variété des combinaisons entre voix et instruments, soit colla parte, soit appariés en alternance. On regrettera pour cette restitution de l’Ensemble Ecce Grex le côté parfois brouillon de l’exécution, mais surtout l’âpreté de certaines voix (altos notamment), et leurs faiblesses techniques fréquentes.
(ORF SACD 3007, 2008, 64’, note 6)

Le prix sera le seul argument pour proposer les Madrigaux de Claudio Monteverdi (Livres V et VI) enregistrés par Le Nuove Musiche, dirigés par Krijn Koetsveld, chez Brilliant. Une prise de son peu satisfaisante qui sature les aigus, des voix sans grand charme, une recherche esthétique parfois séduisante, mais bien peu de narration, ce qui est bien regrettable chez Monteverdi, mais encore plus dans ces Cinquième et Sixième Livres que marquent l’irruption de la basse continue et du recitar cantando. Ajoutons une notice non traduite en français, pas plus que les textes des madrigaux. On reviendra vers les enregistrements de La Venexiana, et surtout du Concerto Italiano, voire vers Christie.
(Brilliant 2 CD 93799, 2008, 2 h, note 5)

Grand maître du clavecin, organiste de Saint-Pierre de Rome de 1608 à sa mort, Girolamo Frescobaldi (1583-1643) publie en 1628 des Canzoni de une à quatre voix « pour toutes sortes d’instruments » qui annoncent la sonata da chiesa par leur ambition et leur richesse d’invention. Bruno Cocset avec Les Basses réunies, puisant aussi dans l’édition postérieure de 1635, en a donné récemment chez Alpha une version privilégiant le registre grave, avec une aura supplémentaire de mystère. Roberto Loreggian et son ensemble Conserto Musico s’en tiennent à l’édition initiale, au sein de l’intégrale Frescobaldi développée par Brilliant (à un prix attractif). Ils reviennent à un instrumentarium plus conventionnel avec violon et flûte pour les dessus. Mais le son des cordes est bien vert, les cornets sont à la peine, et la prise de son compacte, mate.
(Brilliant 2 CD 93766, 2007, 2 h 12’, note 5)

« Danza » est un nouvel album de l’Ensemble Millenarium, consacré au répertoire de danses médiévales. Devant ce joyeux mélange, traductions en danses instrumentales de chansons puisées dans les Cantigas de Santa Maria, dans le Manuscrit du Roy, ou encore dans celui de Londres, on reste perplexe. À deux titres : d’abord l’affirmation selon laquelle la pratique de traduction instrumentale des chants est « incontestable », ensuite celle selon laquelle « sans aucun doute », à la fin du Moyen Âge, le souci principal des instrumentistes était de briller par leur virtuosité, au point d’en devenir esclaves. À mille lieux de tout souci d’authenticité, ce patchwork n’est pas moins valeureux que bien des albums fusion world-trad du marché, dont on se demande ce que cela vient faire dans une collection censée illustrer l’ars trobar.
(Ricercar RIC274, 2007, 68’, note 6)

Pourquoi diable distribuer un disque en France dans de telles conditions ? Eberhard Kummer chante les chansons d'Hugo Von Montfort (1357-1423) pour fêter le 650e anniversaire de sa naissance. Mais pour le pauvre francophone frustré de découverte, impossible d'en savoir plus. L'anglophone saura que Montfort a mené une belle carrière tant lyrique que politique en Styrie, et que les œuvres sont extraites d'un manuscrit conservé aujourd'hui à Heidelberg. On saura aussi que ses chansons, d'inspiration contemplative, parlent souvent d'une sentinelle qui recommande le réveil avant le Jugement dernier. Tout cela serait passionnant... si les textes étaient traduits, tant leur compréhension semble fondamentale pour suivre ces longues mélopées (très belle voix au demeurant) accompagnées à la harpe médiévale ou à la vielle à roue. Et ce n'est pas le DVD d'accompagnement, non sous-titré, qui en dira plus au non-germaniste…
(ORF 2 CD 3011, 2007, 1 h 30’ + DVD 60', note 6)

Enregistré en 2005, « Celestial Harmonies » est un programme de pure homophonie dont on saluera le respect apporté à l’esprit d’Hildegard von Bingen (1098-1179) par Jeremy Summerly et ses huit chanteurs. Alors que les productions de von Bingen sont souvent caricaturées, sur-interprétées, il est fait place ici à la simple mais pure lecture, spontanée et respectueuse de l’élégance raffinée d’une expression qui cultive mélismes et élans mélodiques. Chaque mot est soigneusement énoncé par un quatuor féminin exemplaire d’homogénéité, mais les hommes, hétérogènes, tranchent par un vibrato et une sophistication superflus, en contradiction. La prise de son est exemplaire de pureté.
(Naxos 8.557983, 2005, 74’, note 8)

Sous l’égide de deux grandes figures, Sainte Claire d’Assise (1194-1253), fondatrice des Clarisses, et Kinga de Pologne (vers 1224-1292), canonisée en 1999, reine de Hongrie devenue abbesse à la fin de sa vie, l’ensemble polonais Peregrina explore avec ce « Filia Praeclara » le répertoire des nombreux couvents clarisses polonais, notamment avec des extraits du Magnus Liber de Kinga, dont le répertoire est dans la lignée de l’Ecole de Notre-Dame : motets, conduits, séquences. Découverte de pièces très intéressantes, pour la restitution desquelles Agnieska Budzinska-Bennett, qui a reconstitué une partie du matériau initial détérioré, se réfère à l’exemple de Sequentia de Thornton et Bagby : la filiation vocale le confirme. L’ensemble de sept voix féminines splendides adopte un chant direct, enjoué, très coloré et brillant, avec un soupçon de réverbération excessive toutefois. Dommage que le livret fasse l’économie de la traduction française.
(Divox « Antiqua » CDX 70603, 2007, 52’, note 8)

Bernard de Clairvaux (vers 1090-1153) s’appuie sur le Cantique des Cantiques pour produire notamment 86 sermons, mais aussi des hymnes, glorifiant l’union mystique du Christ et des hommes. Influençant notamment la pensée luthérienne, ces textes donnèrent lieu à de multiples imitations. Wilfried Rombach et son ensemble Officium reprennent ici le célèbre – et interminable – Jubilus rythmicus de nomini Jesu en 45 strophes, certaines pourvues d’une improvisation polyphonique simple en organum à la quarte ou à la quinte par les interprètes. Bernard et les cisterciens rejetaient les expérimentations polyphoniques de l’Ecole de Notre-Dame, mais furent vite contredits par la pratique dans certains centres cisterciens, comme Las Huelgas. On le comprend aisément à l’audition d’un disque vocalement parfait mais un peu monotone, même si Rombach prend soin de scinder le long ouvrage de Bernard en six sections séparées par des répons et deux motets à trois voix extraits du Codex cistercien de las Huelgas.
(Christophorus CHR 77301, 2008, 61’, note 7)

Le florentin Francesco Landini (vers 1325-1397) est l’un des compositeurs les plus prolifiques de l’Ars nova, et aussi l’un des plus valeureux. Le nouvel enregistrement de The Gothic Voices a le mérite de mettre en regard certaines de ses compositions – madrigaux, caccias, ballades polyphoniques à deux puis trois voix – avec celles de compositeurs de la même époque, à travers le voyage européen de sa pièce Questa fanciull’Alor sous forme de contrafacta divers. Intéressante aussi la confrontation avec les laudes monodiques, souvent anonymes, qui sur un autre texte reprennent les mélodies de Landini. Sobre interprétation qui s’adjoint parfois la harpe d’Andrew Lawrence-King.
(Avie AV 2151, 2006, 68’, note 7)

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Bien qu’il soit assez peu connu aujourd’hui, Georg Christoph Wagenseil (1715-1777) fut un musicien fort apprécié par ses contemporains, notamment par Haydn et Mozart. Le programme conçu par Alexander Weimann et l’ensemble baroque l’Echo du Danube est particulièrement intéressant car il associe des concertos variés – dont 3 inédits au disque – qui permettent d’appréhender les multiples facettes de son art, du baroque finissant du Concerto pour flûte au classicisme viennois du Concerto pour pianoforte et violon en passant par la légèreté gracieuse, apanage du style « rococo » du Concerto pour harpe et la virtuosité ébouriffante du Concerto pour hautbois, basson, vents cordes et basse continue, marque de fabrique de l’École de Mannheim. Capables de dominer avec aisance l’ensemble des difficultés techniques, notamment celles du virtuose Concerto pour pianoforte et violon, les instrumentistes savent renoncer à toute extraversion factice lorsqu’il s’agit de magnifier les lignes mélodiques en sélectionnant avec méticulosité chaque phrasé à l’aune de sa contribution à l’intensité expressive de l’ensemble.
(Accent ACC24186, 2007, 69’, note 8)

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Adeptes de l’exploration de partitions peu jouées, Johannes Goritzki et l’Orchestre de chambre de Stuttgart nous proposent de découvrir un florilège d’œuvres symphoniques (WV 361, 398, 374, 432, 393 et 421) de Georg Christoph Wagenseil. Des interprétations fines, colorées et pleines de contrastes qui rendent justice à ces partitions, certes peu originales mais élégantes comme en témoigne singulièrement la pétulante Symphonie en mi majeur WV 393.
(CPO 7771122, 2004, 68’, note 7)

Voilà un intéressant coffret qui regroupe un florilège de Symphonies composées entre 1760 et 1774, permettant ainsi d’appréhender les bouleversements stylistiques intervenus dans un si court laps de temps. Un panorama réjouissant grâce à l’interprétation lumineuse et vibrionnante de l’orchestre de chambre baroque Moderntimes 1800, formation autrichienne dirigée par Ilia Korol et Julia Moretti, comme en témoignent l’Ouverture de Hasse (1699-1783) ou la Sinfonia de Graun (1702-1771), toutes deux interprétées avec rutilance à grand renfort de timbales et cuivres. Le programme se poursuit avec la famille Bach – Sinfonia en ré majeur de Wilhelm Friedemann (1710-1784) encore ancrée dans le baroque, et 2 Sinfonias de Carl Philipp Emanuel (1714-1788) galantes et sereines. Enfin le coffret est couronné par les Symphonies n° 39 de Joseph Haydn (1732-1809) et n° 29 de Mozart (1756-1791) interprétées avec vivacité et un souci de lisibilité, un allègement des textures qui font parfois regretter la théâtralité d’un Harnoncourt et la subtilité de Hogwood. Signalons l’absence de traduction du livret (anglais-allemand).
(Challenge 2 CD CC72193, 2007, 1 h 33’, note 8)

Théoricien viennois et professeur de composition (de Beethoven notamment), Johann Georg Albrechtsberger (1736-1809) composa de nombreuses œuvres religieuses et de musique de chambre. Le Quatuor Authentique nous invite à découvrir les Quatuors à cordes op. 7 n° 4 à 6, partitions élégantes et savamment écrites. Les mouvements vifs sont sculptés avec une vigueur qui n’oblitère jamais la spiritualité des dialogues. L’équilibre entre les pupitres et la beauté des timbres des instruments d’époque restituent l’indolence poétique des adagios.
(Hungaroton HCD32495, 2007, 65’, note 7)

Composés durant les années 1760-1770, les trois Concertos pour piano en ré majeur, ut majeur et mi mineur de Frantisek Xaver Dussek (1731-1799) s’inscrivent pleinement dans l’âge classique, évoquant les partitions de Wagenseil. L’orchestre de chambre de Prague et le pianiste Karel Kosarek signent, en première mondiale, de belles lectures, parfaitement équilibrées et naturelles. On apprécie le jeu tout en finesse du pianiste qui laisse la poésie des mouvements lents intermédiaires s’exhaler avec grâce. Son assertivité dans les mouvements vifs trouve beaucoup de répondant de la part de l’orchestre, dont les cordes sculptent avec âpreté la verve rythmique.
(Etcetera KTC1369, 2007, 60’, note 7)

Thomas Fey et l’orchestre Mozart de Mannheim nous gratifient de remarquables lectures d’ouvertures et de musiques de ballet d’Antonio Salieri (1750-1825). L’énergie bouillonnante parfaitement canalisée par la précision de la baguette du chef, la science des contrastes dynamiques et la large palette de timbres mettent en lumière la théâtralité – parfois excessive – de ces œuvres qui réservent également de beaux moments de poésie magnifiés par la qualité des bois et la délicatesse des cordes. Une vraie réhabilitation.
(Hänssler 98506, 2007, 68’, note 8)

Composées entre 1775 et 1782, les 8 Symphonies concertantes de Joseph de Bologne de Saint-George (1745-1799) sont des partitions sereines qui reposent avant tout sur leur charme mélodique. Si l’Orchestre philharmonique de Pilsen ne démérite nullement pour faire ressortir le lyrisme serein de ces œuvres, son engagement reste cependant insuffisant pour captiver l’auditeur, l’ensemble manquant de relief et d’originalité, surtout en comparaison des Symphonies de Mozart et de Haydn.
(Avenira 2 CD AV276017 et AV276018, 1996-2007, 125’, note 6)

Partition assez hétéroclite associant arias, chœurs, mouvements de ballet, intermèdes orchestraux, la musique de scène Amphitryon composée par Joseph Martin Kraus (1756-1792) sur des vers écrits en français n’avait jusqu’à présent jamais été enregistrée. C’est désormais chose faite avec cette lecture primesautière captée sur le vif de Werner Ehrhardt avec l’orchestre de l’Arte del Mondo et le chœur de chambre de Bonn. Une belle réussite qui réside tout particulièrement dans l’aisance avec laquelle les musiciens restituent les multiples atmosphères, avec naturel et brio, chaque pupitre dialoguant avec spiritualité, en parfaite symbiose avec le chœur et les solistes. Une belle découverte.
(Phoenix Edition Phoenix111, 2007, 78’, note 8)

Le pianiste Markus Becker nous offre un intéressant programme qui associe les trois juvéniles Sonates pour piano op. 9 et le dernier Opus 77 « L’Invocation » du compositeur bohémien Jan Ladislav Dussek (1760-1812). Virtuosité parfois factice et sens poétique se conjuguent dans ces œuvres néanmoins originales malgré leurs oscillations entre le classicisme viennois et les élans romantiques annonçant le langage de Chopin et Schumann. Saluons l’excellente prestation du talentueux pianiste allemand : la finesse de son jeu magnifie le tissu mélodique, son engagement sculpte avec force les contrastes et fait miroiter les élans de virtuosité.
(CPO 7773232, 2007, 70’, note 7)

Après un CD consacré à la Gran Partita de Mozart et à un Divertimento de Vicente Martín y Soler (1754-1806), le clarinettiste Joan Enric Lluna et l’ensemble de vents Moonwinds approfondissent notre connaissance du compositeur valencien avec un programme qui rassemble des transcriptions réalisées par le hautboïste et corniste Wendt (1745-1801) sur des airs de son opéra Una cosa rara ainsi que les Divertimentos n° 2, n° 3 et n° 4. Nous retrouvons avec bonheur les qualités de cet ensemble déjà révélées dans le précédent disque, à commencer par la beauté de ses timbres chaleureux et multiples, magnifiés par la qualité de la prise de son. La spiritualité des dialogues, l’humour, les nuances et la belle assise rythmique, souple et charpentée (contrebasse) décuplent notre plaisir.
(Harmonia Mundi HMC902010, 2008, 58’, note 8)

Les musiciens de l’Orchestre de chambre de Catalogne placés sous la direction de Joan Pamies nous proposent des transcriptions pour quintette à cordes, orgue positif de trois œuvres religieuses composées durant la deuxième moitié du XVIIIe siècle par des compositeurs espagnols, en l’occurrence le Salve a duo de Joan Rossel (1730-1809), les Sept paroles du Christ en Croix de Francisco Xavier Garcia Fajer « Lo Spagnoletto » (1730-1809) et le Beata Mater de Melcior Juncà (1757-1824). Les interprétations sont quelque peu monotones et les solistes – Young-Hee Kim (soprano) et Monserrat Pi (contralto) – manquent d’engagement et de chaleur pour nous faire aimer ces œuvres peu originales placées sous le signe de l’influence de Pergolèse.
(La mà del guido LMG2083, 2007, 43’, note 5)

La musique pour la vihuela, contemporaine de Charles Quint, est l’un des fleurons de la production artistique du Siècle d’Or espagnol. La très haute exigence de son écriture dans des modes archaïsants dérivés du grégorien et son altière inspiration la rendent injustement austère. Raphaël Bonavita engage avec verve un discours chatoyant et libéré de toute contrainte dans une jubilation imperturbable dans des pièces de Pisador, Luys Milan et Luis de Narvaez. Et cette musique revisitée prend soudain une autre dimension. Elle devient exubérante et directement accessible sans qu’il en coûte à sa vertu. Un travail brillant et subtil parfois trop volubile.
(Enchiriadis EN2022, 2008, 64’, note 8)

Eduardo Egüez interprète sur plusieurs instruments de la famille des cordes pincées, le théorbe, le luth et la guitare, des œuvres de Robert de Visée. Le toucher d’Egüez exprime l’élégance de ces pièces aristocratiques, qu’il orne avec raffinement, mais son jeu, par excès de délicatesse, en devient mièvre. Le son, beaucoup trop réverbéré, uniformise les instruments au point qu’on ne parvient à les différencier que par les basses. Un travail trop contrôlé par la technique.
(M.A. Recordings MO64A, 2003, 64’, note 7)

L’ensemble des Laberintos ingeniosos dirigé par le guitariste Xavier Diaz-Latorre propose de révéler un aspect inédit de la production musicale de Fernando Sor, avec des pièces galantes du premier XIXe siècle. Charmants et légers, mais sans épaisseur, les chants accompagnés par des castagnettes et la guitare contrastent par leur frivolité avec des compositions pour la guitare romantique seule d’une bonne tenue musicale. Une telle juxtaposition produit ainsi un résultat hybride qui suscite plus la curiosité que l’intérêt.
(Zig Zag Territoires ZZT080201, 2006, 65’, note 5)

La vogue actuelle des intégrales justifie-t-elle que l’on consacre deux disques pour les dix-huit partitas d’un compositeur aussi peu inspiré que Brescianello (1690-1758) ? Originellement écrites pour un colascione à cinq chœurs, leur adaptation à la guitare classique moderne en alourdit la texture sonore et le jeu d’Alain Prévost aggrave ce désagrément. Une prise de son médiocre souligne les incertitudes techniques de l’interprète et le montage donne l’impression d’un travail hâtif. L’intérêt de ces partitas réside surtout dans leur valeur documentaire.
(M&A 2 CD JS214, 2007, 2 h 25’, note 4)

Adriano Sébastiani cède sans doute à la mode des intégrales avec l’interprétation des Ghiribizzi (ou caprices) pour guitare de Paganini. Il s’agit ici d’ébauches, de fragments, de brouillons à destination d’une petite fille de Naples à qui il enseignait cet instrument. Le compositeur lui-même les considérait comme des « gribouillages » sans intérêt. Aussi les efforts de Sébastiani, desservis par une prise de son très médiocre, sont-ils particulièrement vains tant la matière est dérisoire.
(Dynamic CDS 555, 2007, 57’, note 4)

Le très talentueux clarinettiste français Nicolas Baldeyrou réunit quelques amis de la jeune génération pour nous livrer un disque Mozart avec le Trio des Quilles K. 498, l’Adagio pour deux clarinettes et trois cors de basset K. 411 et le Quintette pour piano et vents K. 452. La sonorité de la clarinette est charnue, suave, précise et délicate, sans tomber dans le « joli son » permanent. L’Adagio se révèle excellent d’écoute et de fusion des timbres. En revanche, le Trio et le Quintette montrent les faiblesses d’ensemble des jeunes musiciens, à la belle technique mais au jeu « de chambre » trop prosaïque, romantique et manquant d’imagination (Intrada 031. 2007. 47’. Note 7).

Les Quatuors « à Haydn » de Mozart sont les témoins d’une richesse d’écriture et musicale jusque-là inapprochée par le compositeur. Les quatre jeunes femmes du Quatuor Klenke n’en rendent que bien partiellement compte dans leur enregistrement. Si leur entente est bonne et leur travail d’ensemble satisfaisant, l’impression d’inaboutissement domine. Sans charme sonore particulier, elles semblent se contenter d’une approche neutre, bien trop simple pour révéler la profondeur de ces chefs-d’œuvre. On attend davantage de finesse dans l’exécution polyphonique, dans les palettes dynamiques et de couleurs, dans l’expression des lignes musicales. Ainsi traitées, les partitions ne sont que l’ombre d’elles-mêmes (Profil 3 CD PH040325. 2004-2005. 2 h 54’. Note 5).

Le Quatuor Klenke traite Les sept dernières paroles du Christ sur la croix de Haydn comme les Quatuors de Mozart : leur volonté, louable, est de proposer une lecture la plus objective, fidèle, simple possible. Mais tout ce qui fait le supplément d’âme nécessaire à toute la musique est absent de ce disque. Certes, l’homogénéité est là, le travail d’ensemble est fait, mais Dieu que l’on s’ennuie ! Scolaire, sans puissance dramatique, leur lecture ne tient pas par manque d’engagement physique et émotionnel. Et en aucun cas leur sonorité assez banale n’arrive à faire la valeur de leur interprétation. Ce n’est pas ascétique ni dépouillé, mais décharné, comme les silences, creux, en témoignent. Le Quatuor Klenke se tromperait-il de répertoire ? (Berlin Classics 0016312BC. 2006. 74’. Note 5).

Terje Tonnesen a eu l’idée d’arranger les cinq derniers Quatuors de Beethoven pour orchestre à cordes : « j’ai tenté de renforcer le contraste entre les parties puissantes et celles qui sont empreintes d’intimité en faisant jouer ces dernières en solo, à la manière du concerto grosso. ». Ce « renfort » alourdit et caricature l’écriture de Beethoven, transformant ces chefs-d’œuvre en brouillons vulgaires. « Quatre instruments sont trop peu pour tant de grandeur » nous dit le violoniste ; à l’écoute de cet enregistrement, on ne peut qu’être convaincu du contraire (Altara classic 3 CD ALT1024(3). 2001-2006. 3 h 15’. Note 3).

Après des Trios de Mozart bien réalisés mais assez scolaires et sans grand intérêt dans la discographie, le Trio Gryphon s’attaque aux sommets du genre que sont les Trios de Schubert. Si l’on retrouve leur bon équilibre instrumental, une sonorité homogène, un élan commun, on ne peut ici aussi qu’être déçu par l’absence d’originalité dans l’approche de ces partitions rabâchées. Sans grand défaut, leur interprétation évite toutefois les écueils (point de symphonisme de mauvais aloi dans le Premier Trio D. 898). Il en faut toutefois beaucoup plus pour prétendre avoir une place dans la discographie surchargée (Analekta 2 CD AN29855-6. 2006. 1 h 34’. Note 5).

Les sœurs Labèque reviennent aux fondamentaux du duo pianistique avec les chefs-d’œuvre que sont la Fantaisie D. 940 et l’Andantino D. 823 de Schubert, et la Sonate en ré majeur K. 448 de Mozart. Bien entendu, l’entente est évidente, bien qu’on perçoive une nette différence d’articulation entre les deux sœurs, articulation qui manque par ailleurs souvent de régularité. La Fantaisie pèche par excès : les contrastes sont trop vifs, les exagérations de toutes sortes trop présentes. Quant à la Sonate de Mozart, elle souffre donc de ce legato défaillant car irrégulier, et de ces quelques tics interprétatifs qui ne servent aucunement l’œuvre. D’honnêtes versions pour les amoureux des deux créatures (KML KML1117. 2007. 66’. Note 6).

Le Trio Magellan nous propose une honnête version des Trios de Mendelssohn, ne tombant pas dans les pièges que d’autres plus capés n’ont su éviter. Les trois jeunes musiciens évitent la surenchère virtuose et sonore et nous livrent une interprétation où chaque instrumentiste est à l’écoute de l’autre, sans que le piano ne s’engage vers un galop concertant, sans que le violon ne tire la couverture à lui. Une bonne version, donc, et prometteuse quant à l’avenir de ce trio, malheureusement supplantée par des musiciens d’un autre calibre, et surtout plus expérimentés (Stern/Istomin/Rose (Sony) notamment) (Explora Concept EC006. 2007. 57’. Note 7).

Jon Manasse est un bon clarinettiste, à la sonorité belle et au jeu sensible. Mais il faut plus pour proposer aujourd’hui un enregistrement des deux Sonates pour clarinette et piano de Brahms. On regrettera donc avant tout une interprétation peu originale, dominée par un piano large et puissant, légèrement claquant par moments. Si le duo dialogue de très belle façon, tout en complémentarité de sonorités, il privilégie trop le rendu sonore sur la motricité des œuvres, qui manquent alors de rigueur architecturale, d’impulsions rythmiques. De belles Sonates tout de même, mais comme tant d’autres… (Harmonia Mundi USA HMU907430. 2007. 44’. Note 6).

Le Trio de Jerusalem cherche dans les Trios op. 8 et 87 de Brahms à éviter toute surenchère sonore, tout symphonisme, et y parvient. Privilégiant des tempos plutôt lents, ils mettent en valeur la poésie intérieure des œuvres, avec une autorité satisfaisante. Mais à trop vouloir donner une sorte de spiritualité aux partitions, on en perd quelque peu l’architecture et la force dramatique. Une version vraiment intéressante, qui montre le talent musicien des trois artistes, mais qui n’arrive pas à convaincre totalement (Dorémi DDR-71132. 1998. 64’. Note 7).

Après un premier volume consacré aux Quatuors op. 25 et 60 de Brahms, Prisca Benoit, Roland Daugareil, Christophe Poiget, Michel Michalakakos et Roland Pidoux poursuivent leur cycle avec l’Opus 26 et le Quintette avec piano op. 34. La prise de son, toujours aussi plate, accentue le manque d’intérêt des interprétations. Ces œuvres abondamment enregistrées méritent mieux qu’une honnête lecture entre amis. La fadeur de la sonorité des cordes, manquant d’homogénéité, et la massivité sonore aux endroits les plus véhéments des partitions achèvent de nous décevoir. Un enregistrement sans intérêt (BNL 112948. 2006. 80’. Note 5).

Troisième volume des « Poètes romantiques » de l’intégrale Schubert chez Naxos. Ulrich Eisenlohr est toujours au piano. Sibylla Rudens prête sa belle voix fraîche et haut placée, son excellente prononciation et son investissement interprétatif. Ces dernières qualités évitent l’impression de joliesse un peu compassée que l’on a un peu trop l’habitude d’entendre dans ces pages ; cela dit, elles n’empêchent pas absolument qu’un certain sentiment de monotonie ne s’installe au fil du programme. L’interprétation est fluide et naturelle, c’est ce qui fait tout son charme, mais la lecture n’est cependant pas assez fouillée.
(Naxos 8557832, 68’, 2006, note 7)

Avec le quatrième volume, l’édition Schubert de Naxos trouve en Florian Boesch un argument de poids. La voix du baryton est belle et puissante, elle possède du mordant, une tessiture large et aisée, et une grande capacité à nuancer. Pour ces lieder « grand format », une telle stature vocale est vraiment une bonne chose. Le piano de Burkhard Kehring livre un écho à ce côté brut, sauvage, mais très contrôlé qui caractérise le chanteur (Totengräbers Heimweh ou Im Walde en prennent des allures quasi wagnériennes, aussi bien dans le cri que le chuchotement). Il manque peut-être tout de même aux deux artistes une imagination interprétative suffisante pour faire de ce disque un véritable événement. Une réalisation qui, néanmoins, dépasse le tout-venant de cette intégrale – par ailleurs de bon niveau. (Naxos 8570067, 2008, 67’, note 8)

Il y a du très connu et du moins connu dans ce troisième volume des lieder de Richard Strauss chez Hyperion, le rare permettant de placer les standards sous un éclairage neuf, et l’ensemble venant, sur les années 1892-1900, combler les lacunes laissées par les deux volumes précédents. Confier ces lieder à un ténor nous semble être une fausse bonne idée. Certes, cela renouvelle notre écoute, en la libérant des canons interprétatifs le plus souvent empreints d’un lyrisme par trop opératique, mais, en même temps, cela nous prive des couleurs, des facilités dans l’aigu, et même d’un legato qu’un soprano seul peut nous donner. Même s’il ne peut offrir ce qu’il n’a pas, Andrew Kennedy se montre au demeurant tout à fait excellent. Le piano et le jeu de Roger Vignoles sont un peu trop en retrait. (Hyperion CDA67602, 2007, 63’, note 7)

Catherine et le diable de Dvorák est un petit bijou comique, pittoresque et fantastique, dans lequel, sur des rythmes bondissants, les hommes se jouent d’un diable plus sympathique que terrifiant, et l’enfer recrache les créatures coriaces et hautes en couleur que — telle Catherine — il a du mal à digérer. Le catalogue de Supraphon propose deux enregistrements de cette œuvre très populaire dans le pays du compositeur, moins connue, injustement, à l’étranger. Les deux, servies par des distributions nationales, sont également recommandables parce que complémentaires. Dirigée par Zdenek Chalabala, et malgré le Jirka un peu mûr de Lubomir Havlák, celle-ci, plus caractérisée, plus excessive, sentant bon le terroir, très bien chantée et interprétée, a toute notre affection. À connaître.
(Supraphon 2 CD SU 3943-2, 1955, 1 h 46’, note 8)

Le programme Schumann (Liederkreis op. 39 et Frauenliebe und-leben) interprété par Audrey Michael et Théodore Paraskivesco possède sur toute sa longueur quelque chose de tellement sépulcral (gris, nimbé, confidentiel – presque anémié, tant à la voix qu’au piano) qu’il en devient presque tétanisant pour l’auditeur. Dérangeant et assez peu convaincant.
(Calliope CAL 9386, 2006, note 4)

Le nombre de personnes susceptibles d’être intéressées par cette réalisation de « Mélodrames romantiques » est probablement étroit, mais il est fort intéressant de pouvoir accéder à ces chefs-d’œuvre célèbres du genre mélodrame (Schubert, Schumann et Liszt, pour une partie remarquablement enregistrés par Fischer-Dieskau récemment) dans une version en langue française (d’autant que certaines traductions sont signées Nerval !). Les histoires, à écouter à la tombée de la nuit, font frémir et trembler, conformément aux lois du genre, et l’on n’est pas loin d’une atmosphère de film muet. Le piano de Cyril Huvé est suggestif, et la narration de Daniel Mesguisch ne l’est pas moins. À découvrir.
(Des Femmes / Antoinette Fouque, 2005, 61’, note 7).

Bien sûr, les lieder et mélodies de Mozart ont été ici et là, d’Elisabeth Schwarzkopf à Barbara Bonney, bien mieux gravés, mais une intégrale est toujours bien venue. La soprano Ruth Ziesak chante aujourd’hui de façon un peu trop sucrée et désincarnée pour convaincre totalement, mais cela reste très beau. Le ténor Lothar Odinius est très satisfaisant quoiqu’un peu impersonnel. Quant au piano de Ulrich Eisenlohr, il est un peu ennuyeux. L’ensemble donne tout de même l’impression d’avoir été enregistré au kilomètre, mais cela reste recommandable.
(Naxos 2 CD 8557900-01, 2008, 1 h 36’, note 6)

Que ces entreprises de reconstitution sont artificielles et irritantes ! Ici, on a collé les airs de concert que Mozart a composés à partir du Demofoonte de Métastase, on a adjoint quelques pièces orchestrales et, au long du canevas du poème dramatique, un narrateur prend en charge le déroulement de l’action (en allemand emphatique, alors que les airs sont en italien) et vient faire le lien entre les différents airs (caractéristiques du style seria ultra-fleuri pratiqué par Mozart dans cette partie de sa production). C’est remarquablement chanté (Eleonore Marguerre, Sunhae Im, Netta Or : de beaux timbres et la crème de la vocalise mozartienne), très bien dirigé par Bruno Weil (et la prise de son flatte l’ensemble), mais, en l’absence de toute vraie substance dramatique, on s’ennuie ferme.
(Arts 2 SACD 47746-8, 2007, 1 h 34’, 6)

L’Alceste, composée par Anton Schweitzer sur un livret de Wieland, et créée en 1773 à Weimar, présente avant tout un intérêt historique : la duchesse Anna Amalia, qui avait commandé cette œuvre pour son théâtre, l’annonçait en effet comme « le premier opéra en allemand ». Musicalement, cette partition pour orchestre relativement restreint et quatuor de solistes, est singulièrement en retrait par rapport à l’œuvre éponyme de Gluck, qui la précède de 6 ans. C’est joli, mais également bien fade, raide et ennuyeux. Dans cet enregistrement « sur le vif », la présence du Concerto Köln sous la baguette de Michael Hofstetter anime un peu l’ensemble, mais les solistes vont du simplement satisfaisant au faible (timbre et vocalises de Cyndia Sieden en Parthenia). Coffret guère indispensable.
(Berlin Classics 2 CD 0016222BC, 2007, 2 h 30’, note 5)

Quand on a en magasin Ledger (Decca), Harnoncourt (Teldec), Gardiner (Philips), Neumann (MDG), McCreesh (Archiv) et Jacobs (HM), qui multiplient les somptuosités tantôt orchestrales tantôt vocales, quand ce n’est pas les deux à la fois, on ne saurait s’attarder longuement sur ce Saül de Haendel dirigé par Helmuth Rilling. Sous sa baguette, le Bach-Collegium Stuttgart paraît bien raide et sans ressources en matière de coloris : le manque de théâtralité, d’imagination, et même simplement d’entrain, dans cette partition où le sublime, le caractérisé et le pittoresque alternent en permanence, sont patents et gênants. Et les solistes, simplement honnêtes (à l’image de Daniel Taylor dans le rôle de David), ne supportent pas longtemps la comparaison avec les collègues des grandes versions concurrentes citées.
(Hänssler Classic 2 CD CD 98.280, 2007, 2 h 11’, note 4)

La concurrence est moins sévère pour Judas Maccabaeus du même Haendel (principalement Somary pour Vanguard Classics, Mackerras pour Archiv, King pour Hyperion et McGegan pour HM). Et cette gravure dirigée par Heinz Ferlesch à la tête de la Wiener Singakademie et du Barucco, est bien plus recommandable. La direction est intelligente et inventive, avec des pupitres dotés de vraies personnalités (violoncelle de « Ah ! Wretched, wretched Israel ! »), et un beau sens de l’expressivité dramatique. Le chœur, très bien mené, est précis et impliqué (« Fall’n is the foe »). Et les solistes, à défaut d’être exceptionnels (au moins par la beauté de leur voix : chez Mackerras, on entend tout de même Felicity Palmer et Janet Baker, et, chez Somary, Heather Harper et Helen Watts), sont tous d’un excellent niveau technique et interprétatif (ténor très satisfaisant dans le rôle-titre, beaux duos des voix féminines, faisant émerger de vrais personnages). Bref : voilà un moyen tout à fait satisfaisant pour découvrir un oratorio qui ne figure pas parmi les plus fréquentés du compositeur.
(ORF 2 CD SACD 478, 2006, 2 h 07’, note 8)

Les enregistrements de Sémélé de Haendel se succèdent à un rythme soutenu sans jamais donner, depuis l’enregistrement dirigé par John Nelson (DG), la version « moderne » de référence. Malheureusement, celui-ci ne changera en rien la donne, quelle que soit l’attractivité de son prix. Car c’est précisément le sens du rythme, de la cohérence narrative, et du pittoresque caractérisé, qui lui font défaut. Le chœur manque de dynamisme. Quant à l’équipe réunie, elle est honnête (sauf l’Athamas très faible de Ralf Popken), mais il n’y a pas de personnalité qui sorte vraiment du lot. Dans le rôle-titre, en dépit de son joli timbre, Elisabeth Scholl est une Sémélé un peu poussive. Certains passages auraient peut-être nécessité une seconde prise. Inutile.
(Naxos 3 CD 8570431-33, 2007, 3 h 01’, note 4)

Oehms propose un album original (image ci-dessus), qui regroupe des mélodies écrites par des grands chefs d’orchestre du passé. Si l’expression « musique de Kapellmeister » est souvent péjorative, elle ne trouve pas à s’appliquer ici. Les lieder de Hans von Bülow et de Bruno Walter s’inscrivent dans une filiation schumanno-brahmsienne assumée, tout en faisant preuve d’originalité, et les œuvres s’écoutent avec grand plaisir. L’intérêt retombe un peu avec les mélodies de Clemens Krauss, qui font penser à du Debussy mal digéré — ce qui est étonnant, puisque le compositeur de prédilection de ce chef était plutôt Richard Strauss.
Bonne interprétation, partagée entre un Michael Volle en forme mais pas toujours original, et une Petra Lang superbe, qui met dans son chant une intensité brûlante.
(Oehms OC808, 2004-2007, 58’, note 7)

Andreas Romberg (1767-1821) a été Kapellmeister à Hambourg, ce qui lui vaut de figurer dans la collection que CPO consacre à la musique sacrée de la ville de la Hanse. Son oratorio Der Messias date de 1792, et il est ici enregistré pour la première fois. On découvre avec cette œuvre une musique qui évoque le style de Jean-Chrétien Bach et de Mozart. L’écriture est d’un raffinement constant et l’orchestration est très soignée, mais l’œuvre ne « décolle » jamais réellement, et la comparaison avec Haendel est souvent cruelle.
Interprétation remarquable d’Hermann Max qui, contrairement à certains enregistrements précédents, a su cette fois choisir des solistes irréprochables.
(CPO 7773282, 2007, 64’, note 5)

C’est un bien étrange récital Richard Wagner que nous livre la basse finlandaise Juha Uusitalo (chez Ondine). Le timbre est inhabituel et ne peut franchement pas être décrit comme séduisant. La première partie du disque est assez éprouvante, avec un monologue du Hollandais où la justesse est souvent aléatoire et des extraits de Parsifal où le chanteur bute sur de nombreuses consonnes. Curieusement, les choses s’améliorent dans Tannhaüser, et l’artiste conclut par un Wotan qui a une sacrée allure. La direction très lente de Leif Segerstam souffre de la même irrégularité : si elle dessert le Vaisseau Fantôme et Parsifal, en les privant de tout ressort, elle ménage de beaux moments d’extase orchestrale dans le Ring. Un disque difficile à noter, mais en tous cas pas prioritaire.
(Ondine ODE 1121-2, 2007, 65’, note 5)

Une maison d’édition assez confidentielle, Polymnie, propose un CD de mélodies françaises « oubliées ». Mais l’exhumation, si elle réserve parfois de grandes joies, n’a pas que du bon. Les œuvres enregistrées ici sont franchement oubliables : Germaine Tailleferre veut faire moderne et ne fait que mauvais, tandis qu’Henri Tomasi sombre dans l’orientalisme de mauvais aloi. Seul Valentin Neuville sauve un peu la mise grâce à ses miniatures empreintes de lyrisme. Au total, c’est peu.
Interprétation très correcte du baryton français Mario Hacquard, doté d’un timbre chaleureux et d’une excellente diction. Tout au plus regrettera-t-on un léger abus de pamoisons en falsetto
(Polymnie POL160650, 2007, 58’, note 5)

L’habitude de traduire les opéras est tombée en désuétude à peu près partout, sauf en Grande-Bretagne, où Chandos sort régulièrement des piliers du répertoire traduits dans la langue de Shakespeare. Cette fois-ci, c’est au tour du Così fan tutte de Mozart de prendre l’accent british. Du Mozart traduit en anglais, est-ce crédible ? La réponse dépend des goûts de chacun, mais nous avons tendance à penser que la liquidité de la langue s’accorde mal avec la carrure régulière et la symétrie parfaite des mélodies mozartiennes. Le coffret présente cependant un atout majeur : la direction enflammée de Charles Mackerras dont l’orchestre d’instruments anciens pétille comme du champagne. Les interprètes masculins sont également remarquables, avec un Thomas Allen au sommet de son art. Hélas, les chanteuses déçoivent à cause de voix chevrotantes et mal assorties. Un coffret qui aura sans doute du mal à s’imposer dans les pays non anglophones.
(Chandos 3 CD CHAN3152, 2007, 160’, note 5)

Coffrets

John Field (1782-1837) est souvent présenté comme un annonciateur de Chopin. On pourra en juger sans se ruiner en écoutant ses 7 Concertos pour piano qu'avait enregistrés Miceál O'Rourke, aujourd'hui disponibles en un seul coffret.
(Chandos 4 CD CHAN104684, note 7)
De Dvorák, Supraphon a regroupé les Quatuors et Quintettes avec piano ainsi que les Quintettes et le Sextuor à cordes par le Quatuor Panocha, Jan Panenka et le Trio Suk. Bien que très couleur local, c'est assez vieillot et peu convaincant.
(Supraphon 4 CD SU3921, note 6)




Chez le même éditeur, la réunion des 4 CD de l'œuvre pour violon et piano de Martinu par Matousek et Adamec est moins grand public, mais nettement plus réussie.
(Supraphon 4 CD SU3950, note 9)

Licenses

Toujours Martinu, mais ses Symphonies cette fois : c'est chez Brilliant, avec l'intégrale de Neeme Järvi qui fut publiée par Bis.
(Brilliant 3 CD BRIL8950, note 7)






Brilliant propose aussi les Sonates pour violon de Beethoven par Grumiaux et Haskil (licence Philips)
(Brilliant 3 CD BRIL93329, note 8),
des œuvres pour orchestre de Reger (Variations, Poèmes symphoniques...) par Neeme Järvi et Polyansky (licence Chandos).
(Brilliant 2 CD BRIL8998, note 7)





Mais la vraie bonne affaire chez Brilliant, ce sont les quatre Symphonies de Magnard par Thomas Sanderling, dont les deux volumes avaient obtenu un 10 à leur sortie chez Bis).
(Brilliant 3 CD BRIL93712, note 10)





Anniversaires


Les célébrations discographiques du centenaire Messiaen se poursuivent avec la publication par Brilliant d'une belle somme où l'on trouvera toutes les œuvres pour piano, pour orgue ainsi que les mélodies. Les interprétations de Willem Tanke (orgue), Peter Hill (piano) et Ingrid Kappelle (soprano) sont simplement correctes.
(Brilliant 17 CD BRIL8949, note 6)


L'éditeur britannique Hyperion se devait de marquer les cinquante ans de la disparition de Vaughan Williams (article de Classica). Il a notamment réuni toutes ses œuvres chorales, dirigées par Matthew Best.
(Hyperion 4 CD CDS44321/4, note 7)


Le volume V de la « Sibelius Edition » de Bis, lancée en 2007 pour le cinquantenaire de la disparition du compositeur finlandais, vient de paraître : il s'agit de la musique de scène, dirigée par Neeme Järvi et Osmo Vänskä, et l'on y trouve quelques merveilles, comme La Tempête.
(Bis 6 CD 1912/14, note 8)




Portraits

Publiés de façon dispersée en complément de plusieurs disques, les lieder et fragments de Schubert autour du thème du Wanderer chantés par Ian Bostridge sont désormais disponibles en un seul album, agrémentés d'une poignée d'inédits.
(EMI 2 CD 5164432, note 7)



Le contre-ténor Philippe Jaroussky propose de faire découvrir ses « enregistrements fétiches » sur un album intitulé « Mes Divas » : il y a Bartoli et Callas, mais aussi Édith Piaf et Sarah Vaughan.
(Virgin Classics 2159102)




La « Jubilee Edition » que Sony-BMG consacre à Gustav Leonhardt est décevante : bien qu'ayant puisé dans les catalogues Seon, DHM et Sony « Vivarte », ce gros coffret renvoie une image un peu tristounette du célèbre claveciniste.
(Sony 15 CD 88697318972, note 7)

À paraître

Chez Sony-BMG, on annonce la prochaine publication de Quatre Saisons par Joshua Bell, de Sonates de Beethoven par Perahia et de la fin du cycle Beethoven de Paavo Järvi pour fin septembre. En novembre, devrait paraître un nouveau récital Chopin de Luisada, mais Les Saisons de Haydn dirigées par Harnoncourt sont repoussées au début 2009. Elles paraîtraient donc en même temps que le deuxième volume des Partitas de Bach par Perahia.

La pianiste Alice Ader a enregistré sur le vif L'Art de la fugue de Bach. L'album sera publié par Fuga libera.

Nathalie Stutzmann et Inger Södergren ont enregistré La Belle Meunière de Schubert. Disque prévu le 18 octobre.

Mirare diffusera le deuxième volume des Suites pour orchestre de Bach dirigées par Pierre Hantaï en novembre.


Une décennie Naïve

La maison de disques Naïve qui produit, certes, Carla Bruni, mais aussi de nombreux artistes classiques comme Philippe Jaroussky, Anne Gastinel, Fazil Say, le chœur de chambre Accentus de Laurence Equilbey ou, même, depuis peu, Marc Minkowski, sans oublier les DVD de Jean-François Zygel, fête ses dix ans d’existence en ce mois de septembre.

Au programme des réjouissances, des concerts à Paris (le 8 septembre aux Bouffes du Nord pour le classique), des publications d’albums en « édition spéciale » (c’est-à-dire qu’on ajoute un CD ou DVD en bonus à l’album original), et du fonds de catalogue à petit prix. Mais le plus intéressant semble plutôt se dérouler du côté du web, où Naïve déploie une agitation qui frôle la frénésie…

Il y avait déjà naive.fr et naiveclassique.com qu’il fallait alternativement consulter pour trouver infos et extraits des productions maison. Voici maintenant les sites naiversaire.com, qui vous permettra de télécharger gratuitement plusieurs compilations, « pop » ou classique, au choix, et alternaive.tv, sur lequel on ne trouvait, fin août, que trois prestations de Jean-François Zygel : c’est encore bien maigre, mais c’est gratuit, et l’offre devrait s’étoffer à partir du 8 septembre, date officielle de lancement de ce site « dédié et ouvert à tous les artistes qui font le classique d’aujourd’hui et de demain ».

Après des albums consacrés à Liszt et Rachmaninov, Marylin Frascone a enregistré les Tableaux d’une exposition de Moussorgski ainsi que diverses pièces de Chopin (Fantaisie, op. 49, Berceuse, op.57, 4 Mazurkas, op. 33 et la Polonaise, op. 53). Un sens des couleurs et surtout de la progression dramatique captent l’oreille dans ces Tableaux qui évitent tous les effets superflus. D’une grande délicatesse, le toucher restitue l’esprit de la ballade et du songe, mais aussi une puissance orchestrale dans les derniers tableaux. Face à des lectures plus typées, celle-ci a le mérite de posséder une logique interne assurée par des moyens techniques impressionnants. Deux petits reproches : une résonance parasite et l’absence de plagination dans Moussorgski. Même gravité et rondeur sonore dans le choix judicieux des pièces de Chopin. Le son envahit l’espace – la voix de l’interprète aussi parfois – mais ce n’est nullement déplaisant. Les atmosphères sont à la fois naturelles et parfaitement contrôlées à l’instar du jeu de pédale dans la Polonaise « Héroïque ». Un très beau disque (Intégral INT 221.164, 2005, 69’, note 8).

Sous les doigts de Freddy Kempf, les Tableaux d’une exposition se situent à l’opposé de ceux de Marylin Frascone. Cinglants, anguleux, parfois monochromes, d’une dynamique métallique, ils se laissent admirer en pleine lumière. Kempf a comme dans ses Liszt et Beethoven précédents, le souci de la précision et de la vélocité. Tout aussi intransigeants sont les compléments de programme : un Gaspard de la Nuit de Ravel d’une froideur terrifiante, analytique et sans beaucoup de poésie (« Le Gibet »), un Islamey de Balakirev diablement efficace (Bis SACD-1580, 2006, 65’, note 6).

Le label espagnol Verso publie les quatre cahiers des Tonadas de Joaquin Nin-Culmell (1908-2004) interprétés par Pedro Pïquero. Ces 48 pièces, parfois à la limite de l’aphorisme musical, sont charmantes. Elles nous rappellent à la fois Mompou, Turina et de Falla. Pïquero timbre son piano avec élégance, variant les inspirations populaires, des danses jusqu’au silence, de la chorégraphie orchestrale au son d’une guitare. Il y a beaucoup de joie et de nostalgie dans ces pages qui évoquent la chaleur et les peines d’un peuple. Une intégrale qui supplante celle de Maria Luisa Cantos chez Marco Polo (Verso VRS 2060, 2007, 65’, note 8).

Le pianiste Hsin-Ni Liu est le soliste du Concerto pour piano n° 3, de la Rhapsodie pour piano, op. 75 de Kabalevski et du Concerto pour piano de Rimski-Korsakov. Dimitri Yablonsky l’accompagne à la tête de l’Orchestre philharmonique de Russie. Il dirige également le rare poème symphonique Combat pour chœur et orchestre, op. 12 (Chœur de l’Académie Gnéssine) de Kabalevski, une pièce caractéristique de l’écriture soviétique et héroïque du début des années 1930. Dans les concertos, la belle prise de son met en valeur l’engagement très physique du pianiste. Tous jouent avec simplicité et fraîcheur les mélodies parfois simplistes mais judicieusement orchestrées. C’est brillant et virtuose à souhait. Le côté ludique et débridé est heureusement préservé. Ce sont d’excellents Kabalevski si l’on ne dispose pas de la gravure historique du concerto par Guilels avec le compositeur (Melodiya). Les réminiscences de Shéhérazade traversent le Concerto de Rimski-Korsakov. Les sonorités de l’orchestre (violons, cuivres) sont un peu acides, mais l’engagement et plus encore la captation compensent ce défaut face aux légendaires Oborine/Anossov, Richter/Kondrachine et Zhukov/Rojdestvenski, chez Melodiya (Naxos 8557794, 2005, 2006, 54’, note 7).

Karel Kosarek interprète une série de pièces de Bohuslav Martinu dont quelques-unes sont des premières mondiales notamment dans leur version pour clavier seul : Jeux I et II, Printemps, La Revue de cuisine. Ces pièces composées à partir de 1931, durant l’exil parisien du musicien tchèque, sont révélatrices des influences de Roussel sur le plan rythmique, mais aussi du Groupe des Six, de Stravinsky, voire de Ravel. Kosarek en montre la brillance, l’ironie souvent, le côté « jazzé ». Les dissonances sont furieusement agressives, mais le charme de Film en miniature ou bien de La Revue de cuisine est intact. Il y a ici bien des bis dans lesquels pourraient puiser avantageusement les pianistes (Supraphon SU 3937-2, 2006, 67’, note 8).

Après la redécouverte de l’œuvre symphonique du compositeur turc Ahmet Adnan Saygun (1907-1991), sa musique pour piano nous est proposée par Zeynep Üçbasaran. Les motifs sur des chants et danses d’Anatolie, 12 Préludes, puis 10 Esquisses sur des rythmes Aksacs, la Sonatine… revêtent à la fois une recherche ethnomusicologique (l’influence de Bartók est perceptible), mais aussi le souci d’un langage contemporain. Modales, atonales, tonales, les pièces ont un charme indéniable parce qu’elles transmettent une énergie vitale. Ce sont des suites de motifs rythmiques sur lesquels Saygun a brodé des variations bien faites. Zeynep Üçbasaran joue avec simplicité et nuances ces sortes de Mikrokosmos turcs souvent virtuoses et plaisants à entendre (Naxos 8.570746, 2007, 71’, note 7).

Plus connu comme virtuose du luth, et bien servi en ce sens au disque, Kapsberger (1580-1651) est aussi l’auteur d’œuvres vocales dont ce Sixième Livre de villanelles, intitulé « Li Fiori », sur des poèmes de lui-même ou de Francesco Buti, membre comme le compositeur du cercle des Barberini, et futur librettiste de L’Orfeo de Rossi, de l’Ercole amante de Cavalli, puis de Lully. Allégories florales, mythologiques ou sur les « fruits artificiels », amours et peines, mises en musique pour une à quatre voix, les villanelles ici choisies sont pour une ou deux voix de ténors, celles de Tore Tom Denys et Erik Leidal : les timbres sont chaleureux et bien assortis, le travail de caractérisation de ces miniatures parfaitement conduit, avec un accompagnement éloquent et très travaillé, notamment de la part de Christopher Dicke aux théorbes, luth et colascione. On regrettera d’autant la non-traduction des textes (pas de salut hors italien et allemand) alors que leur compréhension est ici fondamentale. Un disque qui complètera le récital jadis donné par Guillemette Laurens chez Teldec, avec Luca Pianca et Enrico Onofri (ORF SACD 465, 2005, 61’, note 8).

La version signée par le Purcell Quartet de la Mensa Sonora de Biber (1644-1704), recueil de musiques de danses fonctionnelles, ne dépare pas à côté de celle de Reinhard Goebel, mais on ne retrouvera que brièvement la folie éloquente du Biber des Sonates du Rosaire, dans la Sonate en la majeur qui ponctue, sous l’archet en verve de Catherine Mackintosh, le milieu du recueil. On notera que, de façon qu’ils reconnaissent anachronique, les membres du Purcell Quartet substituent à la formation utilisée par Biber, un violon et deux altos, en usage pour le répertoire de danse en Europe centrale au XVIIe siècle, celle du quatuor postérieur avec deux violons et un alto (Chandos CHAN 0748, 2007, 59’, note 7).

En un coffret de 3 disques consacré à Sigismondo D’India, Brilliant réédite en puisant dans le catalogue Tactus tout d’abord un – court, 45 minutes – enregistrement consacré par Viola et Rochetti aux duos profanes tirés des Musiche de 1609 mais surtout du Second Livre de 1615 ; puis une « antiquité » de Gabriel Garrido, l’enregistrement en 1990 des Madrigaux, Arias et Danses ; enfin le récital à voix seule de Maurizia Barazzoni et son alter ego habituel Sandro Volta au luth, consacré au Cinquième Livre de 1623 (dont le long Lamento de Didone, 1998). Une occasion fameuse pour découvrir si ce n’est déjà fait les fulgurances de D’India, maître du madrigal et de l’aria a voce sola contemporain de Monteverdi, et très proche de Gesualdo. Quand on sait que le jeune ensemble Elyma de Garrido comprend en 1990 rien moins que Maria-Cristina Kiehr, Claudio Cavina, Josep Cabré, Daniele Carnovich, on se précipite vers un enregistrement trop oublié, abouti, sensible, qui préfigure les splendeurs à venir de l’ensemble. D’autant que les deux autres éléments du coffret sont à l’avenant, malgré quelques réserves sur la réverbération et la voix engorgée de Barazzoni (Brilliant 3 CD 93369, 1990, 3 h 21’, note 8).

Luthiste, Andrea Falconieri (c.1585-1656) mène une carrière itinérante de Naples à l’Espagne via Rome, revenant en 1639 à Naples où il dirige la Chapelle royale, et publie son recueil unique de danses instrumentales (1650). On retrouve sur un CD intitulé « Dolci sospiri » des œuvres vocales extraites des recueils de villanelles de 1616 et du Cinquième Livre de 1619, pour une ou deux voix et basse continue, ainsi que certaines des pièces instrumentales du recueil de 1650. Une musique emblématique de la production élégante, teintée de sensualité, des cours du XVIIe siècle. Réalisation soignée, raffinée, de La Primavera, tant instrumentale que vocale, qui permet de découvrir deux timbres séduisants ceux de la soprano Anabela Marcos et de la basse Mitchell Sandler (Etcetera KTC1337, 2006, 59’, note 7).

Après des disques consacrés à Pierre de La Rue, Salomone Rossi et Claude le Jeune, le Corvina Consort dirigé par Zoltan Kamanovits propose l’intégrale de Palestrina, daté de 1594, soit peu avant sa mort : trente pièces, auxquelles l’ensemble ajoute deux Litanies à la Vierge inédites, l’un extraite des archives de la Chapelle pontificale, l’autre de celles de Saint-Pierre, présentées en premier enregistrement, sans autre précision. L’interprétation est fidèle, et ce n’est pas un reproche, à la formule du far di meno du compositeur, à sa volonté de simplicité et de compréhension immédiate. Reste que l’écoute in extenso réclame de la constance, le discours étant linéaire, à peine troublé par quelque rares transpositions de mots en figures musicales, loin des madrigalismes postérieurs : ordre, calme, peu de volupté, « poésie de l’exactitude » comme le disait Joseph Samson. Il aurait mieux valu, à notre sens, extraire du recueil un florilège significatif, comme le magnifique « E quella certa speme e quelle fede » (Hungaroton HCD32497, 2007, 68’, note 7).

Contrairement à ce que le titre « Roma triumphans » peut laisser croire, Christopher Jackson et le plus que trentenaire Studio de musique ancienne de Montréal ne révèlent pas la musique de l’antiquité romaine, mais se livrent à un panorama de la production polychorale de la Ville éternelle à l’ère baroque, encore fortement ancrée dans la polyphonie de la Renaissance mais tentée par les flamboyances vénitiennes, instruments exceptés. Le récital fait le grand écart de Marenzio et Victoria à Giorgi en passant par Palestrina, Ugolini et Benevoli. Belle conviction un peu brouillonne, programme sans grande nouveauté (Atma SACD 22507, 2007, 61’, note 6).

Enregistré au cours de trois concerts différents de 1988, dirigés respectivement par Jan Boeke, Philippe Herreweghe et Peter Phillips, l’excellent Nederlands Chamber Choir a eu l’idée de regrouper en deux volumes les moments consacrés à l’œuvre chorale de Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621) : pour ce second volume, des extraits des Psaumes de David de 1604, 1614 et 1621 et des Cantiones Sacrae de 1619, plus linéaires. Le compositeur emblème d’Amsterdam est plus connu dans ses flamboyances au clavier, et sa musique chorale reste sans dramatisme ni ruptures, tout simplement lumineuse et d’une grande unité de ton, fidèle aux préceptes polyphoniques de la Renaissance. Bonnes interprétations et bons reports, si ce n’est une erreur d’identification de la plage 1 (Etcetera KTC1319, 2007, 62’, note 8).

Compositeur catholique contemporain de Taverner, mais encore confidentiel, Nicholas Ludford (c. 1485-1557) réalisa sa carrière à Westminster jusqu’à la dissolution de la chapelle en 1548 par Henri VIII. Cet enregistrement bienvenu (Missa Benedicta et antiennes votives) révèle une écriture ambitieuse, truffant le déroulement de la polyphonie à 6 voix, ténors et basses dédoublés, aux harmonies sophistiquées, de sections en effectifs réduits à l’écriture moins linéaire, et un beau travail sur les effectifs et les registres. Interprétation fervente du Choir of New College d’Oxford (dir. Edward Higginbottom), héritier direct de la chapelle royale anglaise (K 617 206, 2007, 63’, note 7).

Entre l’édit d’expulsion des Juifs d’Angleterre de 1290 et leur réintégration de 1655, de nombreux musiciens marranes exercent leur art, notamment à la cour d’Henry VIII qui décide en 1540 de recruter des instrumentistes vénitiens. Les Lupo, spécialisés dans les cordes, et les Bassano, du côté des vents, vite admis au rang de citoyens anglais, établissent ainsi de véritables lignées de musiciens d’adoption, tandis que Leonora Duarte à Anvers est admise dans le cercle des émigrés anglais. Fretwork leur consacre un programme, encadré de deux œuvres de Salomone Rossi, leur égal vénitien, et introduit d’une œuvre contemporaine de Orlando Gough en forme d’hommage qui donne son titre au disque « Birds on Fire ». Angle de vue intéressant sur un répertoire déjà bien connu et servi au disque. (Harmonia Mundi HMU907478, 2008, 74’, note 6).

Après Pérotin, Ockeghem et Brumel, Dufay a les honneurs du quatrième volume de la série « Hilliard Live » chez Coro : Messe « Se la face ay pale », et motets, c’est un concert de 1998 à Londres pour la BBC. En fait de live, rien ne différencie profondément dans son esthétique polie ce disque de ceux édités chez ECM, si ce n’est quelques failles passagères dans les intonations ou les lignes de chant. On retrouve sinon l’esthétique habituelle des Hilliard, phonogénie élégante et raffinée, qui gomme les aspérités comme autant d’incongruités, maniérismes divers, intériorité et spiritualité sacrifiées sur l’autel du beau. A la première plage on est séduit, à la troisième on s’ennuie (Coro 16055, 1998, 67’, note 5).

Une suite d’hypothèses – invérifiables par les non-spécialistes – est le prétexte d’un enregistrement consacré par Corina Marti et Michal Gondko à la musique instrumentale allemande pour clavier et cordes pincées du XVe siècle, sous le titre « Von edler Art » : si la notation en tablature pour clavier, et singulièrement pour orgue, avérée dès le début du XIVe, avaient été utilisée par d’autres instrumentistes (ou les mêmes sur d’autres instruments), précédent ainsi la notation de tablatures de luth de la fin du XVe ? Et si cela avait été le cas notamment des musiques de la sphère privée, exécutée notamment au luth et à la guiterne, ou au claviciterium, ensemble ou séparément ? Une tentative pour combler un des chaînons manquants du Moyen Âge, agréable d’écoute, mais qui vaut surtout par la longue notice organologique de Michal Gondko (Ramée RAM0802, 2007, 67’, note 6).

Le répertoire est abordé plus que rarement, et c’est ce qui fait le prix de cet enregistrement : les Chansons de toile rythmaient les travaux quotidiens des femmes du Nord de la France dans les temps médiévaux, et les rares sources sont des manuscrits et romans du XIIIe siècle. Narrant sur un mode lyrique simple les mésaventures amoureuses des « bele » Isabiauz, Doette ou Aigletine, exécutées en dialogues relancés de femme à femme durant les séances de travail, ces chansons à refrain et couplets ne doivent pas être confondues avec les gestes de troubadours, beaucoup plus sophistiquées. Katia Caré et son ensemble féminin Ligeriana en donnent une lecture radieuse, associant aux voix un accompagnement instrumental discret, vièles, psaltérion, flûtes (Calliope CAL9387, 2007, 73’, note 7).

Conçu comme un hommage au luthiste Adolfo Broegg, disparu en 2006, le disque « Maggio valente » de l’ensemble Micrologus souffre d’un accompagnement éditorial esthétique mais indigent, avec une notice très succincte et non traduite en français. Le programme (excellente prise live) est un panorama de la musique des cours italiennes, en provenance de Flandres ou de France, sur une période historique XVe et début XVIe siècles, comme un condensé du travail de Micrologus depuis 1984. Le tout enregistré lors d’un concert de septembre 2005 à Vienne. On retrouve avec bonheur la richesse de timbres, la précision et la fougue de l’ensemble dominé par le superius incomparable de Patrizia Bovi, sans que cette édition n’apporte un jalon indispensable à une discographie exceptionnelle (ORF SACD 460, 2007, 65’, note 8).

Etrange objet éditorial que cette « Contemplation » de Marcel Pérès, inspirée par le Livre des Morts des anciens Égyptiens, et composée en 1978. Longuement mûri puisque enregistré en 2007 seulement sur l’orgue de Saint-François de Lausanne, le projet se veut un « itinéraire intérieur révélé par le scintillement des sons » et, à travers l’instrument du souffle, associe « géométrie des sons » (et notation musicale à base de figures géométriques) et « géométrie de la lumière », pour ciseler l’obscur… Méditation musicale sans surprises ni audaces, non pas statique mais longue, très longue « icône sonore » fruit de l’intériorisation très personnelle d’un texte. Impératif : se mettre dans les mêmes dispositions mystiques, faire le noir et le silence autour de soi (Zig-Zag Territoires ZZT080601, 2007, 71’, note 5).