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Pour cette nouvelle édition podcast, neuf interprétations du Concerto d’Aranjuez de Joaquín Rodrigo, commentées par Bertrand Dermoncourt, Eric Taver et Pierre Doridot.

Durée : 135 min

Joaquín Rodrigo (1901- 1999) était loin d’imaginer le succès phénoménal que connaîtrait son concerto pour guitare et orchestre, le Concerto d’Aranjuez. Cette Å“uvre répondait à une commande du marquis de Bolarque, grand amateur de musique, rencontré fin août 1938 à San Sebastián, lors d’un déjeuner où se trouvait également le guitariste Regino Sáinz de la Maza : « Pourquoi n’écris-tu pas un concerto pour guitare et orchestre ? Regino te le jouerait plus d’une fois ! » « C’est chose faite » déclara Joaquín, euphorique, car il avait écumé quelques verres de bon vin. Le Concerto d’Aranjuez tient son nom de la fameuse résidence royale située à 50 km de Madrid. De nombreux canaux entrelacés font de ce lieu un îlot de verdure au milieu des paysages arides de la sierra. Avec ses espaces foisonnants de verdure, plantés d’essences rares, Aranjuez est « imprégné du parfum des magnolias, du chant des oiseaux et du jaillissement des fontaines », impressions – et non descriptions – que l’on retrouve tout au long du concerto, Å“uvre de musique pure, sans programme aucun.

En la situant en ce lieu, Aranjuez, Rodrigo a voulu lui imprimer une époque : la fin du XVIIIe et le début du XIXe siècle, à la Cour de Charles IV et de Ferdinand VII. C’est donc une Espagne intérieure, éternelle, heureuse, fantasmée, pas celle du général Franco (mais on la reconnaîtra peut-être dans l’adaptation de Miles Davis à la trompette du Concerto d’Aranjuez, d’une tristesse infinie…). Cette « vision intérieure  » est bien celle de Joaquín Rodrigo, frappé de cécité depuis l’âge de trois ans.

Nous ne pouvons ignorer le caractère biographique de ce Concerto. Le premier mouvement très joyeux est une évocation des jours heureux que Rodrigo a passés à Aranjuez avec sa fidèle compagne mais aussi collaboratrice de tous les instants, la pianiste turque Victoria Kamhi lors de leur lune de miel. Le deuxième mouvement, le célèbre Adagio, est en fait une supplication adressée à Dieu : qu’il ne lui prenne pas la vie de sa femme Victoria, qui venait d’accoucher d’une petite fille de sept mois mort-née. Les trois mouvements sont d’une grande sensibilité, exprimant tout « l’espagnolisme rodriguien », si particulier, un espagnolisme qui ne tombe jamais dans « l’espagnolade » ni dans la trivialité. De ce point de vue, la version « princeps » du créateur, Regino Sáinz de la Maza, avec l’Orchestre national d’Espagne dirigé par Ataúlfo Argenta (Doremi, 1948) laisse entendre, malgré le pleurage de la bande, une interprétation très objective, sans sentimentalisme déplacé. Nous n’avons hélas pas pu écouter l’autre version de Sáinz de la Maza, avec l’Orchestre Manuel de Falla, sous la direction de Cristo bal Halffter (RCA Victor, 1962).

Les stars de la guitare

Comme on peut le concevoir, la discographie est pléthorique : nous avons recensé près de soixante-dix versions. Place d’abord aux guitaristes qui ont associé leurs noms à ce best-seller planétaire. Narciso Yepes a enregistré notre concerto pas moins de six fois : un record ! Pour ses deux premières versions, il fut dirigé par Ataúlfo Argenta avec l’Orchestre de chambre de Madrid et l’Orchestre national d’Espagne en 1956 et 1957 pour le label Alhambra. Son enregistrement avec l’Orchestre symphonique de la Radio-télévision espagnole, dirigé par Odón Alonso (DG, 1969, Téléchargez l’album), possède un charme et une chaleur très particuliers. Vinrent ensuite l’Orchestre philharmonique de Londres sous la direction de Luis Antonio García Navarro (DG, 1979, Téléchargez l’album), l’Orchestre philharmonique d’Espagne et Frühbeck de Burgos (Forlane, 1985), enfin l’Orchestre symphonique de la RAI, sous la baguette de Riccardo Muti (Fonit Cetra, 1989). Nous préférons le « tube » avec García Navarro, du fait de la notoriété de cette version, qu’il sera intéressant de confronter avec les autres candidats à l’« investiture suprême ».

John Williams s’y est repris à quatre fois : avec l’Orchestre de chambre anglais, dir. Charles Groves, (CBS, 1968), puis avec un gros Orchestre de Philadelphie, musclé, aux ordres d’Eugene Ormandy, une version sensuelle mais quelque peu hachée (Sony, 1972), puis de nouveau avec l’Orchestre de chambre anglais et Daniel Barenboim, où la prise de son dessert une interprétation trop uniforme (CBS, 1974), enfin avec l’Orchestre philharmonique de Londres dirigé par Louis Frémeaux, version linéaire et bridée (Sony, 1984).

On trouvera également quatre versions de Julian Bream : avec l’Orchestre de chambre Melos et Colin Davis (RCA, 1964), mais surtout avec l’Orchestre Monteverdi et John Eliot Gardiner (RCA, 1975), avec trois mouvements magnifiquement gérés, une véritable fête orchestrale, poétique et fiévreuse – un beau candidat à l’écoute en aveugle. Le guitariste reviendra avec l’Orchestre de chambre d’Europe, et le même chef anglais, où la guitare est magnifique mais où l’orchestre, trop gros, manque de couleurs et de subtilités (RCA, 1983), puis avec le jeune Simon Rattle alors à la tête d’un City of Birmingham Symphony Orchestra « hénaurme » – , la prise de son n’arrange rien (les basses !) –, totalement hors sujet (EMI, 1990).

Sharon Isbin a enregistré l’œuvre trois fois, d’abord avec l’Orchestre symphonique métropolitain de Tokyo, dirigé par Hideomi Kuroiwa (Denon, 1981), avec l’Orchestre de chambre de Lausanne, sous la direction de Lawrence Foster, avec un orchestre inégal et des baisses de tension (Virgin, date non précisée, Téléchargez l’album), et avec le New York Philharmonic et José Serebrier, version majeure que nous réservons pour notre discographie comparée (Warner, 2004).

Angel Romero, d’abord avec Victor Alessandro et l’Orchestre symphonique de San Antonio, confond douceur et sirupeux, énergie et hystérie (Philips ou Mercury, 1968). Sa version avec le LSO et André Previn est pénalisée par une prise de son lourde, peu définie (Philips, 1977, Téléchargez l’album).

Pepe Romero, Neville Marriner et l’Academy of St. Martin-in-the-Fields ont abordé le concerto deux fois au disque (Decca et Philips, 1979 et 1992, réédité en 2005 avec un DVD biographique très intéressant, « Shadows and light », en anglais seulement, sous-titré en espagnol, ou inversement, selon les séquen ces). Nous retenons la deuxième version pour son orchestre magnifique, aux couleurs hispanisantes superbes, d’une grande sensibilité lyrique (Téléchargez l’album).

Alexandre Lagoya, Antonio de Almeida et l’Orchestre national de l’Opéra de Monte-Carlo ont quant à eux livré une version sereine, techniquement irréprochable, version retenue pour notre écoute en aveugle (Philips, 1972, Téléchargez l’album).

Les stars de la baguette

Plusieurs chefs célèbres ont voulu graver le Concerto d’Aranjuez afin d’avoir ce tube discographique à leur catalogue. Rafael Frühbeck de Burgos, avec l’Orchestre national d’Espagne, a ainsi choisi Alirio Diaz comme guitariste : beaucoup d’intensité, mais qui sombre dans la criardise, de plus les solistes – le cor anglais ! – sont médiocres (EMI, 1968).

Charles Dutoit, avec Carlos Bonell et l’Orchestre symphonique de Montréal (Decca, 1981) impose une vigueur très sèche. Dommage que l’orchestre montre ses gros bras dans un post-romantisme de mauvais aloi : version idéale pour hôtel de luxe à Marbella, beau de son mais sans âme. On retrouve d’ailleurs Bonell avec l’Orchestre de chambre anglais, sous la direction de Steuart Bedford, avec un orchestre désordonné – et la prise de son est cotonneuse (Collins, 1989).

Autre enregistrement pénalisé par sa prise de son, celui où Andrew Litton dirige le Royal Philharmonic Orchestra. La guitare de Christopher Parkening semble énorme. Dommage, les musiciens sont très engagés, presque violents (EMI, 1992).

À l’inverse, Erich Kunzel et le Naples Philharmonic Orchestra écrasent la guitare de David Russell, qui est de toute façon sirupeuse (Telarc, 1997).

Plácido Domingo et le Philharmonia ne nous engluent pas dans le même sirop, mais l’orchestre est tout de même trop gros, lent, et les instruments solistes (le cor, ridicule !) n’ont pas la même hauteur de vue que le soliste, Manuel Barrueco (EMI, 1995, Téléchargez l’album).

Seules deux versions « de chef » seront retenues pour notre audition en aveugle. Avec Marco Socías Casquero, Josep Pons et le Granada City Orchestra offrent un dosage guitare-orchestre magnifiquement équilibré – et l’Adagio est une référence (Harmonia Mundi, 2003). Même superbe équilibre entre le soliste et l’orchestre, qui n’est rien moins que le LSO, avec Alfonso Moreno et Enrique Bátiz (EMI/ Brilliant, 1981), idiomatiquement « rodriguiens ». Curieusement, l’autre enregistrement de Moreno est un des pires de la discographie, en raison d’un orchestre particulièrement lamentable, l’Orchestre symphonique Carlos Chavez dirigé par Fernando Lozano (Novalis, date non précisée).

Outsiders et ratages

Eduardo Fernández, Miguel Angel Gomez Martinez et l’Orchestre de chambre anglais proposent une version sans cohérence, sans tension ni mystère (Decca, 1986). Mais l’enregistrement de Fernández avec Adrian Leaper et l’Orchestre d’Ulster est surprenant : apaisé, sans ostentation, doté d’un équilibre guitare-orchestre impeccable, il fait un bel outsider pour notre écoute en aveugle (BBC Music, 2002).

Goran Söllscher, vif léger, offre lui aussi une version idéale avec l’Orchestre de chambre Orpheus (DG, 1989), retenue pour notre écoute en aveugle.

Turibio Santos, lorsqu’il joue avec Roland Douatte et le Collegium Musicum de Paris, est hors sujet (Accord, 1974), mais sa version avec l’Orchestre de l’Opéra national de Monte- Carlo, dirigée par Claudio Scimone, est plus réussie, rêveuse sans tomber dans le sirop. Elle manque cependant cruellement de tension (Erato, 1978).

Segre/Noseda sont captés dans une prise de son d’un incroyable amateurisme  : la respiration du soliste devient l’instrument soliste (Claves, 1994).

Autres prises de son disqualifiantes ou « bizarres » : Tampalini/Orizio, aux terribles effets de zoom sur la guitare (Fonit Cetra, 2005 ?), Orlandini/del Pino Klinge, avec un orchestre énorme et invraisembable (VMS, 2001) – Orlandini commettra une version moins ridicule dirigée par Adrian Leaper (Arte Nova, 2006) –, Gallén/Valdes (Naxos, 2002), Kraft/Koizumi (CBC Enterprises, 1987) – Kraft remettra laborieusement sur le métier accompagné par Nicholas Ward (Naxos, puis Sony, 1992).

Pierri/Dessaints présentent des moyens trop limités face aux grandes références (Analekta, 1997). Ils ne sont pas les seuls : on ajoutera, dans cette catégorie, Kircher/Machado (Madacy Records, 2001), Quevedo/Dunand (Madrid Music, 1978), Zaradin/ Barbier (EMI, 1972), Zsapka/ Warchal (Brilliant, 2005), Muraji/ Pérez (Decca, 2008), Yamashita/ Yamaoka (RCA, 1979), Yamashita/ Paillard (RCA, 1986), Kubedo/Ferrer (Belter, 1970).

Restent enfin quelques ratages notables, que les collectionneurs pourront rechercher : Brabec/ Tylsar, tristounets et sans nerf, lentissimes (Supraphon, 2002) ; Conn/ Lubbock, creux et vides, appliqués et sans contenance (IMP, 1987) ; Jouanneau/Raytchev, poussifs, piétons, sombrant dans la caricature (Frémeaux, 1993) ; Dyens/Siranossian qui confondent Rodrigo avec Borodine ou la sierra espagnole et les steppes de l’Asie centrale (L’Empreinte Digitale, 1997). Mais la palme revient à Juan Carlos Laguna et Fernando Lozano. Ils sont certes bien timorés, mais il faut surtout écouter le Carlos Chavez Symphony Orchestra, qui nous refait le miracle de la « multiplication des pains ». La prestation du violoncelle vaut, à elle seule, la palme du nanar de cette discographie (Forlane ou Novalis, 1994).

Les introuvables

On regrettera que certains concerts n’aient pas été enregistrés – à notre connaissance – ou tout au moins n’existent pas en CD (Markevitch/Yepes, mais aussi Stokowski l’ont interprété !). Nous regrettons surtout de n’avoir pu écouter quelques versions qui ont certainement leur intérêt : pour l’orchestre – le Philharmonique de Berlin, rien que cela ! –, la version Siegfried Behrend/Reinhard Peters (DG, 1966) ; pour le soliste, Paco de Lucia/Edmon Colomer et l’Orchestre de Cadaques (Philips, 1992).