Les albums

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Opéra - Paru le 12 mai 2017 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret
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Intégrales d'opéra - Paru le 10 février 2017 | Ediciones Singulares

Livret
Si l’on excepte le Chant du départ, dont on ignore généralement que l’auteur n’est autre que Étienne-Nicolas Méhul, le compositeur ne doit plus sa modeste notoriété qu’à Joseph, le seul de ses trente-cinq ouvrages dramatiques qui soit encore donné de temps à autres. L’ampleur de cet oubli ne date pas d’hier : Berlioz la déplorait déjà en 1852. « Monté » à Paris de ses Ardennes natales où il vit le jour en 1763, Méhul eut la chance de croiser Gluck qui l’orienta vers le théâtre lyrique. En 1790, il fit un brillant début à l’Opéra-Comique avec Euphrosine, puis contribua au lustre des fêtes révolutionnaires (dont le style typique se retrouve dans le Morceau d’ensemble n° 4 d’Uthal, « Vers le palais de ses nobles ancêtres »), continuant à composer d’abondance pour le théâtre avec des succès divers, et participa à la fondation du Conservatoire. Sa carrière, poursuivie sous l’Empire, culmina avec Joseph en 1807, avant que le triomphe de Spontini et les progrès de la phtisie n’aient raison de son énergie. Sa mort en 1817 coïncidait avec une révolution du goût fatale à l’esthétique qu’il avait illustrée. Uthal n’évoque de nos jours (et encore…) que l’exclamation cruelle prêtée à Grétry à l’issue de la création en 1806 : « J’aurais donné un louis pour entendre une chanterelle ! », ce qui n’avait rien d’une exigence mycologique, mais signifiait que Grétry aurait voulu entendre la corde aiguë du violon, le mi, appelé aussi la chanterelle. Car Méhul avait demandé aux violonistes de troquer leurs instruments pour des altos, afin d’obtenir de l’orchestre une teinte sombre et mélancolique – une originalité que ses contemporains ne goûtèrent guère, apparemment, même pas Berlioz qui avait pourtant l’habitude des hardiesses orchestrales. La brièveté d’Uthal ne laisse pourtant guère place à la moindre lassitude... Voici donc l’enregistrement de ce petit bijou totalement oublié depuis plus de deux siècles, avec un superbe plateau de chanteurs français, le tout sous la baguette de Christophe Rousset. Ajoutons que les dialogues parlés ont ici autant de place que les passages chantés : peut-être aurait-il mieux valu, pour le disque, en rester à ces derniers... © SM/Qobuz « [...] Tout en payant son tribut à Gluck ou à Cherubini, le compositeur montre à chaque instant une imagination mélodique personnelle et une justesse du sentiment qui affermissent le dessin des caractères et des situations. [...] Dans une écriture aussi tendue, l’apport des instruments anciens est tout sauf évident [...] D’autant que Christophe Rousset ne les ménage pas, montrant là [...] une véhémence dramatique qu’on ne lui a pas toujours connue. Et qu’il communique à ses chanteurs, tous formidablement investis, en particulier Karine Deshaye, transcendée en tragédienne par le rôle de Malvina. Avec les excellents Bou et Beuron à ses côtés, l’élite du chant français est à l’honneur. » (Diapason, mars 2017 / Emmanuel Dupuy)
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Classique - Paru le 28 octobre 2016 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret
Hélas, de nos jours on ne joue plus guère Hérold dans les théâtres français, préférant déterrer le n-ième flasque machin de bel canto à la gloire de gosiers surpayés, plutôt que d’aller fouiller un peu dans le répertoire français négligé. C’est donc un orchestre portugais, l’excellent Gulbenkian, dirigé par le chef anglais Paul McCreesh, la soprano québécoise Marie-Eve Munger, la mezzo-soprano française Marie Lenormand et le ténor français Eric Huchet (ouf, l’honneur est sauf), le ténor états-unien Michael Spyres – oui, oui, d’accord, cette même distribution le donna aussi à l’Opéra-Comique à Paris, mais quand même ! – qui se charge de nous donner une version toute neuve de ce petit chef-d’œuvre pour le label espagnol Ediciones Singulares. Rappelons que l’ouvrage fut créé en 1832, précisément à l’Opéra-Comique de Paris, et que le malheureux Hérold ne vécut pas assez longtemps – il devait s’éteindre l’année suivante, à peine âgé de 42 ans – alors que peu après, il fut repris lors de l’inauguration de la nouvelle Salle Favart où il devait rester à l’affiche jusqu’en 1949, après quelque mille six cent représentations au cours d’un siècle ! Welcome back, mister Hérold. © SM/Qobuz
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Intégrales d'opéra - Paru le 2 septembre 2016 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4F de Télérama - Choc de Classica
« Lalo n’eut le temps de travailler qu’au premier acte et sans excès d’inspiration, déçu qu’il était par le fossé entre le projet caressé et le livret de Blau [...] On ne peut affirmer pour autant que Lalo n’ait eu aucune part dans la musique des trois derniers actes en dehors du retour de quatre motifs entendus dans le premier. Quelques tournures sont bien dans sa manière (à l’acte II : l’arioso de Jeanne « Reste auprès d’elle », celui de Robert « Ah ! le jour vient », celui de Jeanne « Ô mon enfant, quel sacrifice », à l’acte III : le chœur « Vive le mai ! » puis la "Marche féodale" et le "Chant d’amour" qui ouvrent l’acte IV). Mais, à moins que Coquard n’ait puisé dans des brouillons inédits, il s’agit peut-être de pastiches particulièrement fidèles. Si la part d’Arthur Coquard est prépondérante, s’il est vrai, comme le notera Isidore Philipps dans "Le Ménestrel" du 17 mars 1895, que « son orchestre est souple, coloré, intéressant ; son harmonie est moderne et son style très dramatique, très vivant, plein d’entrain », le style de La Jacquerie est bien celui imprimé par Lalo dans le premier acte : netteté des idées, diatonisme lumineux loin des chromatismes tortueux dont la vogue commençait, prépondérance des modulations franches par enharmonie, rythmes volontaires, présence d’éléments « dans le ton populaire », alternance d’effusions de tendresse naïve et d’éloquence abrupte.» (Extraits du texte du livret) « [...] Lorsque Lalo meurt le 23 avril 1892, trois actes restent à écrire : le disciple Arthur Coquard est chargé de compléter la partition en vue de sa création posthume à l’Opéra de Monte-Carlo en 1895. La voici qui renaît de ses cendres, le 24 juillet 2015, grâce au Festival de Montpellier. Si l’on s’ennuierait presque avec Lalo, tout change lorsque le disciple remplace le maître, qu’il dépasse régulièrement par l’élan, la beauté des thèmes qui s’enchevêtrent et, surtout, la vitalité foisonnante de l’orchestre. Une vraie révélation ! Les personnages, un rien abstraits au I, gagnent ainsi peu à peu en relief. [...] Le Philharmonique de Radio France, un peu bousculé de prime abord, est vite galvanisé par Patrick Davin. Et quel plateau ! Hormis le Guillaume trop distant de Boris Pinkhasovich, plus sombre que violent, chacun appelle des éloges. [...] à l’applaudimètre, c’est le couple formé par Véronique Gens, Blanche tour à tour digne, brisée et radieuse, et Charles Castronovo, Robert plein de style et d’élégance, qui triomphait à Montpellier. [...] » (Diapason, septembre 2016 / François Laurent) « [...] Le présent enregistrement [...] réunit une distribution homogène et de bon niveau. [...] Un ouvrage aussi symphonique exige un chef très investi. Patrick Davin est l'homme de la situation : il tire le meilleur parti des qualités de l'Orchestre philharmonique et du Chœur de Radio France et mêle engagement dramatique, lyrisme éperdu, couleur et précision. Une heureuse recréation.» (Classica, septembre 2016 / Cristiana Prerio)
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Opéra - Paru le 20 mai 2016 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or
Ce n’est pas l’opéra le plus joué – ni le plus enregistré – de Gounod, et il est bien dommage car cette œuvre de la grande maturité mérite mille fois de figurer sur les grandes scènes françaises. Oui, Gounod a changé : Faust de 1859, Mireille de 1864, Roméo et Juliette de 1867 sont loin derrière puisque Cinq-Mars date de 1877. Voici un enregistrement tout beau tout neuf qui nous arrive certes d’Allemagne, avec l’Orchestre et le Chœur de la Radio bavaroise, mais un plateau en très grande majorité français : Mathias Vidal, Véronique Gens et Tassis Christoyannis se partagent les rôles principaux. Outre leurs voix superbes, ils offrent les quelques mélodrames parlés avec l’accent français qui se doit, car rien de plus exaspérant que d’avoir à supporter ces lignes chewing-gummées par des personnes ne maîtrisant que médiocrement la langue de Molière – ou de Vigny, dans le cas de Cinq-Mars. L’auditeur pourra suivre l’intrigue phrase après phrase sans avoir à recourir au livret, une rareté à l’opéra ! Pour mémoire, Henri Coiffier de Ruzé d'Effiat, marquis de Cinq-Mars, fut le grand écuyer du roi Louis XIII ; un parvenu dont l’arrogance finit par le jeter dans une conspiration contre son ancien protecteur Richelieu – et qui finira par lui coûter la tête en 1642, à l’âge de vingt-deux ans. Vigny en fit le personnage central de son roman, magistralement mis en musique par Gounod. © SM/QObuz « Deux ans après Carmen, c’est un opéra de cape et d’épée, Cinq-Mars, qui mettait la salle Favart à genoux : un Gounod septuagénaire y renouait enfin avec le théâtre. Pure merveille. [...] Le roman d’Alfred de Vigny inspire à Gounod et ses librettistes un drame sentimental (davantage que politique) d’une élégance de ton, mais surtout d’une sobre éloquence et d’un sens de la concision assez inhabituels chez le musicien. Les duos filent sans s’alanguir (Marie et Cinq-Mars, à la fin de l’acte I), ensembles de solistes et chœurs sont prestement menés. [...] La formidable résurrection placée sous l’égide du Palazzetto Bru Zane tient autant à la vigueur de l’œuvre qu’à la distribution qui la sert. On y frise l’idéal » (Diapason, septembre 2016 / Stéphane Grant) L’argument ? Le marquis de Cinq-Mars, favori de Louis XIII, voit ses ambitions contrariées le jour où Richelieu et le roi lui refusent la main de la princesse Marie de Gonzague. Blessé au vif, le jeune homme rejoint des conspirateurs espagnols qui fomentent l’assassinat du cardinal. Le complot sera déjoué, Cinq-Mars arrêté puis mené au gibet avec son proche ami De Thou.
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Classique - Paru le 11 mars 2016 | Ediciones Singulares

Livret
Hélas, mille fois hélas, dans l’esprit des musiciens passés par les « classes d’écriture » des conservatoires nationaux français, le nom de Théodore Dubois évoque, avec un brin d’amusement, le monotone et légèrement pompeux Traité d’harmonie. Comment ça, il a aussi écrit une demi-douzaine d’opéras, des ballets, des œuvres sacrées, trois symphonies, des concertos pour piano et pour violon, des pages et des pages pour orgue – il succéda à son quasi-contemporain Saint-Saëns à la tribune de la Madeleine en 1877 ? Mais oui, aimable lecteur : Dubois est l’un des plus prolifiques compositeurs de son époque, une longue époque puisque, rappelons-le, il est né en 1837, avant Bizet et mort la même année que Fauré, en 1924. Aux détracteurs qui railleront son conservatisme, on rappellera que c’est précisément la même remarque qui a été formulée à Saint-Saëns, pour les mêmes raisons ; mais pourquoi reprocherait-on à un musicien dont la carrière a commencé dans les années 1850 de comprendre, d’accepter, d’avaliser, ce qui se fait un demi-siècle plus tard ? Oui, la musique de Dubois procède sans doute de Schumann et parfois de Mendelssohn – en particulier dans sa musique de chambre –, mais aussi de Franck dans l’ampleur du geste symphonique, ainsi qu’on pourra le découvrir dans les deux symphonies ici présentées. Quant à son langage, outre qu’il déroule un magnifique tapis harmonique tiré à quatre épingles, il offre de grands moments d’inspiration orchestrale et thématique puissamment « française » qui le rattachent à Bizet, à Saint-Saëns, mais avec un je-ne-sais-quoi de très personnel. Nous ne pouvons qu’enjoindre l’auditeur de goûter à Théodore Dubois, dont voici dans un même coffret deux symphonies, une Messe pontificale, d’autres ouvrages sacrés – qui témoignent d’une supérieure science d’écriture chorale –, et de la musique de chambre dont le fort beau Quatuor avec piano. Rien d’avant-gardiste dans ces ouvrages teintés de XIXe siècle – pendant lequel ils furent d’ailleurs écrits, pour la plupart, devrait-on s’en étonner ? © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 22 janvier 2016 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles Classica
« À l'instar des femmes peintres, les compositrices furent des audacieuses, d'Ethel Smith à Lili Boulanger en passant par Rebecca Clarke ou Augusta Holmès. Marie Jaëll (1846-1925) ne fait pas exception. Trois CD la mettent aujourd'hui à l'honneur dans un disque foisonnant. [...] Le portrait sera complet lorsque le Palazzetto Bru Zane osera monter son grand opéra, Runéa, mais on se fait ici déjà une idée du temps que l'on a perdu à ne pas connaître sa musique.» (Diapason, mars 2016 / Jean-Charles Hoffelé) « [...] Le Palazzetto Bru Zane, pour cette résurrection, a mis les petits plats dans les grands : six (!) pianistes, tous excellents, parmi lesquels on épinglera un Romain Descharmes particulièrement adroit à faire vrombir les graves du Concerto n° 1, un violoncelliste au jeu irréprochable, deux orchestres (Bruxelles et Lille) au mieux de leur forme, et une soprano, Chantal Santon-Jeffery, qui allie poids des mots et sens de la ligne. La présentation, très fouillée, s'enrichit de textes signés Marie Jaëll elle-même, qui témoignent de toute la profondeur de sa réflexion sur l'art. » (Classica, mars 2016 / Dominique Joucken) Quasi-exacte contemporaine de Fauré, Marie Jaëll (1846–1925) laissa à la postérité non seulement de nombreux ouvrages pédagogiques qui font encore autorité de nos jours, mais aussi une bonne centaine d’œuvres en tout genre, car elle était avait tout compositrice – à une époque où le mot « compositeur » n’existait encore qu’au masculin. Très engagée dès sa jeunesse, aux côtés de son mari le pianiste Alfred Jaell, à la promotion de la musique contemporaine – germanique dans un premier temps : Brahms, Liszt, Wagner, normal, elle étudia d’abord en Allemagne, côtoya Liszt, épousa un Autrichien… – elle se sentit bientôt à l’étroit dans le seul monde de l’exécution, et comprit rapidement qu’elle en avait à dire, elle aussi. On pourra ici entendre une somptueuse sélection de sa musique dans (presque) tous les domaines qu’elle a abordés. Deux Concertos pour piano, le Premier de 1877 dédié à Saint-Saëns, le Second de 1884 dédié à Ernest Reyer ; le somptueux et très aventureux cycle de mélodies avec orchestre La Danse des ours de 1879 dans lequel Jaëll déploie une somptueuse science de l’orchestre qui s’approche autant du futur Debussy que du contemporain Wagner ; le superbement lyrique Concerto pour violoncelle ; des pièces pour piano ; voilà ce que vous pourrez découvrir dans ce triple album bourré de surprises et de chocs, car en vérité, Marie Jaëll mérite mille fois de figurer aux côtés de nombre de compositeurs du dernier tiers du XIXe siècle (elle ne composa plus guère au-delà de 1900), dont beaucoup – et combien plus célèbres – ne lui arrivent pas à la cheville. Espérons que bientôt l’on pourra enfin entendre son opéra Runéa certes inachevé, mais sans aucun doute d’un intérêt majeur. © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 20 novembre 2015 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - Gramophone Editor's Choice - Qobuzissime
1886, 1887, 1888 : trois années de suite, Paul Dukas se brûlera les doigts à l’aventure du Prix de Rome, ne réussissant qu’à décrocher un Second prix en 1888 avec la cantate Velléda. L’année suivante, il tentait sa chance avec Sémélé, mais ne reçut pas même un lot de consolation ; les deux cantates sont ici données dans leur intégralité. Ironie de l’Histoire, où l’on voit que bien souvent les doctes académies se trompent lourdement sur le cours des choses. Car qui se souvient encore des Premiers Prix de cette époque, Gedalge ou Erlanger par exemple ? Cet enregistrement nous propose également les chœurs écrits pour le « premier tour » du concours, ainsi que l’ouverture Polyeucte qui correspond, sujet y compris, à ce qu’aurait dû être son envoi Rome s’il avait remporté le prix. Presque une mini-symphonie dans laquelle se trouve déjà le grand Dukas. © SM/Qobuz « Sous la conduite ardente d'Hervé Niquet, cette moisson d'inédits bénéficie de l'engagement de jeunes talents soucieux de la prononciation et du style.» (Diapason, décembre 2015 / Gérard Condé)
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Classique - Paru le 8 septembre 2015 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama - Choc de Classica
Si Félicien David doit sa notoriété au succès de l'ode-symphonie Le Désert (1844), c'est avec Herculanum (1859) qu'il entre dans le cénacle des compositeurs joués à l'Opéra de Paris. Cet ouvrage ambitieux lui vaudra en partie la Légion d'honneur et lui ouvrira les portes de l'Opéra-Comique et de l'Institut de France. Loin des volutes orientalisantes de ses partitions antérieures, Herculanum s'impose par la solidité de sa facture (vastes scènes au dramatisme soutenu), la diversité de son style, où perce l'influence de Verdi, et la variété de sa vocalité (présence d'un contralto colorature à la manière de Rossini). L'ouvrage sollicite également la veine du fantastique, très prisée depuis La Dame blanche de Boieldieu (1825) et Robert le Diable de Meyerbeer (1831). Mais ici, le surnaturel est mis au service d'un mysticisme ouvertement affirmé : la mise en scène de l'éruption du Vésuve permet à l'auteur d'offrir au public un spectacle grandiose et moral, présentant la décadence du monde antique et faisant la promotion du christianisme. © Qobuz « Une première mondiale au disque et une distribution idéale pour ce grand opéra à la française. [...] La partition, selon le compte-rendu de l'exigeant Berlioz, " contient une foule de belles choses ". [...] Cette équipe chante avec une telle perfection et une telle diction française qu'on rend les armes. Hervé Niquet est à son affaire dans ce type de musique, qu'il ressuscite avec feu, assumant pleinement le côté "péplum" de l'opéra. Félicien David est de retour dans l'histoire de la musique : merci au Palazzetto Bru Zane.» (Classica, décembre 2015 / Dominique Joucken)  
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Opéra - Paru le 19 mai 2015 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret Distinctions Choc de Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
En voilà un beau tonneau ! Les Danaïdes de Salieri, goulûment ouvert pour nous par Christophe Rousset et ses Talens lyriques, fut en effet l’objet d’un imbroglio sans fond lors de sa création en 1784. Car l’œuvre, initialement commandée pour l’Académie royale à Gluck qui transmit le bébé à son élève Salieri après le cuisant échec de son dernier opéra à Paris L’Echo et Narcisse, fut quand même présentée sous le nom de Gluck « avec la collaboration de Salieri » mais bientôt Gluck admit publiquement que la partition n’était pas de lui. De son côté, Salieri rendit hommage à son maître et mentor en déclarant qu’il s’était placé sous la puissance tutélaire de Gluck… toujours est-il que c’est bien du Salieri pur jus. Aux détracteurs de ce malheureux compositeur injustement vilipendé par une pièce de théâtre puis par un film qui en fut tiré, on fera remarquer qu’il jouissait d’une immense renommée à Vienne depuis des décennies déjà, et que la présence de Mozart dans les parages ne lui fut en rien un obstacle. D’autant que Les Danaïdes fut conçu pour Paris, en français, et nullement pour Vienne ! Découvrez ce petit bijou d’opéra italo-viennois qui replace Salieri à sa juste place, dans le sillage du grand Gluck, tragique et dramatique, bien plus que celui de Mozart. Berlioz, découvrant l’ouvrage en 1820 à son arrivée à Paris, lui attribue même sa conversion de l’état d’étudiant-médecin à celui d’aspirant compositeur ! © SM/Qobuz
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Classique - Paru le 1 juillet 2014 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret
Achevé en 1791, Adrien connaîtra une carrière bien mouvementée avant sa création à l’Opéra de Paris en 1799. Les régimes politiques successifs y virent en effet trop à redire pour autoriser la représentation de l’ouvrage : craignant un scandale, le comité de censure s’attacha notamment à condamner la valeur (a)morale de certains personnages (en particulier celui d’Adrien, tantôt jugé trop faible, tantôt considéré comme outrageusement despotique). Entre la date d’achèvement et celle de la première représentation, Méhul opéra de nombreux changements, dont tous ne sont pas le seul fruit des condamnations de la censure : le jeune compositeur avait affermi son style et acquis – aux côtés de ses collègues (ou concurrents) Lesueur ou Cherubini – un savoir-faire dans le style noble et pathétique qui était la marque de fabrique du Théâtre Favart pendant la période révolutionnaire. Car c’est là que, refusé à l’Opéra, Méhul prit son mal en patience et produisit consécutivement de nombreux chefs-d’œuvre. Adrien, dans sa version remaniée (qui est celle enregistrée ici), commence par une ouverture éclatante empruntée à un ouvrage antérieur, l’opéra Horatius Coclès de 1794. Le public d’aujourd’hui sera peut être un peu troublé par l’ampleur des récitatifs liminaires, la plupart composés dans un style « sec », c’est-à-dire rythmés par de simples accords d’orchestre et non pas de phrases très développées. Mais l’époque est alors à la recherche de voies nouvelles pour moderniser la déclamation théâtrale, en même temps que nombre de critiques et qu’une partie du public s’insurgent contre une écriture musicale qui pousse le chanteur à brailler pour se faire entendre face à l’orchestre. Méhul opte clairement pour un dégagement de la ligne vocale, moins inféodée aux instruments. L’avantage du récit « sec » étant aussi de confier une plus grande liberté aux chanteurs qui peuvent déclamer leur texte avec plus de subtilité. Tour à tour les personnages centraux profiteront de cette liberté pour insister – par des silences ou un rubato « à volonté » – sur des sous-entendus, ou se faire plus ironiques qu’ils ne l’auraient pu autrement. Mais une fois le drame une fois noué, les airs, duos et ensembles approfondissent plus finement la psychologie des personnages, en musique, avec nombreux effets orchestraux tout à fait stupéfiants. Dans sa frénésie, l’écriture instrumentale va bien au-delà de celle des tempêtes de l’époque baroque. Découvrez cet ouvrage rare sans hésiter, ici enregistré avec un plateau de chanteurs appartenant pour la plupart à la jeune relève française, et les excellents Orfeo Orchestra et Purcell choir basés… à Budapest. © SM/Qobuz
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Opéra - Paru le 1 janvier 2014 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret Distinctions Hi-Res Audio
Victorin Joncières est l'exemple même de l'artiste romantique épris de noblesse et de grandeur. Les titres de ses opéras le prouvent : Sardanapale, Lancelot, Le dernier jour de Pompéï, Le Chevalier Jean... Il escalada sans relâche les barricades qu'on dressa en travers de sa route : il ne céda jamais à la facilité d'une musique commerciale ; il n'occupa aucun poste académique ou officiel. Son chef-d'œuvre, Dimitri — servi ici par une distribution vocale impeccable — rappelle que le compositeur fut tout à la fois contemporain de Gounod et défenseur de Wagner. L'ouvrage poursuit la tradition du spectaculaire et du monumental (initiée par Meyerbeer) dans une narration qui transporte l'auditeur d'un palais de Cracovie à la place du Kremlin en passant par la forteresse de Wiksa. À la même époque, Bayreuth et les arènes d'Orange et de Béziers allaient transformer l'opéra en un art populaire de masse. Dimitri, créé le 5 mai 1876, fut composé immédiatement après l’infortune du Dernier Jour de Pompéi, donné en 1869. On sait grâce à Georges Servières que l’œuvre était achevée dès 1871 (et sans doute même 1870). À l’origine, Joncières « destinait son opéra au Théâtre-Lyrique, et l’ouvrage avait donc été conçu, sinon comme un « grand opéra », du moins comme une page lyrique ambitieuse qui — a contrario de ce que dit Servières — aurait pu si bien entrer à l’Opéra-Comique que… l’œuvre y sera reprise en 1890. Adaptation d’une tragédie inachevée de Schiller — Demetrius —, il est indiscutable que Dimitri aspire au grandiose, et surtout à la musique moderne comme l’envisage Joncières. Il lui fallait un théâtre expérimental pour se faire complètement valoir. Lieu ouvert aux jeunes compositeurs et aux idées nouvelles, le Théâtre Lyrique National, sous la direction d'Albert Vizentini, n’a pas craint de défendre les tenants du style allemand, ou plutôt «des» styles allemands, ceux de Mozart, de Weber et de Wagner.
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Opéra - Paru le 1 janvier 2014 | Ediciones Singulares

Livret Distinctions 5 clés de sol d'Opéra
La Fondation Bru-Zane continue son passionnant travail d'exhumation de musique française oubliée avec cet enregistrement réalisé à Sofia, en Bulgarie, à la fin de l'année 2012. Les Bayadères, opéra créé en 1810, s'inscrit dans la vague d'orientalisme qui balaya l'Europe dès le 18e siècle dans le contexte des explorations lointaines et du colonialisme naissant. À mi-chemin des turqueries bouffonnes et du rêve oriental romantique, cet opéra contient tous les ingrédients du succès avec un sujet historique, des décors somptueux, des danses soigneusement intégrées à l'action, des chœurs en nombre. Ajoutons à cela une musique raffinée, qui se fait de plus en plus dense et émouvante au fur et à mesure de l'action, pour aboutir à un spectacle fastueux qui emploie 130 artistes en scène pour le dernier acte. La partition de Charles-Simon Catel emprunte à Mozart, Gluck et Haydn mais, comme l'écrit joliment Roland de Candé dans le texte du livret, "il pourrait en résulter une marqueterie impersonnelle tandis que nous découvrons une œuvre équilibrée, qui soutient l'intérêt de bout en bout." Interprétation d'excellente qualité avec des chanteurs très soucieux de leur diction. FH
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Classique - Paru le 1 janvier 2013 | Ediciones Singulares

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Hi-Res Audio