Les albums

3645 albums triés par Date : du plus récent au moins récent et filtrés par Musique de chambre
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Musique de chambre - À paraître le 13 octobre 2017 | Cedille

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Musique de chambre - À paraître le 13 octobre 2017 | Alpha

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Musique de chambre - À paraître le 13 octobre 2017 | Navona

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Quatuors - À paraître le 13 octobre 2017 | BMC Records

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Homère, Joyce et Kafka, voilà les auteurs des textes que met en musique Peter Eötvös dans The Sirens Cycle de 2016. Il s’agit d’un quatuor à cordes avec soprano colorature, dans une certaine lignée conceptuelle – l’adjonction de la voix – du Second Quatuor de Schönberg, de la Suite lyrique d’Alban Berg (dans sa variante chantée ou, du moins, chantable) ou des Sonnets pour Elisabeth Barrett-Browning d’Egon Wellesz. Eötvös fait appel à trois versions littéraires de l’Ulysse mythologique et de sa rencontre avec les sirènes. Il confie chacune d’elles à la voix de la soprano, chaque partie dans la langue originale – grec, anglais et allemand. La première partie, Joyce, avec ses sept mouvements, est la plus longue de la pièce, et puise dans la trame souple du roman Ulysses, écrit dans la technique « monologue intérieur ». Dans l’Odyssée d’Homère, au contraire, il prend appui sur l’intégralité d’un épisode, et il en va de même dans le Silence des sirènes de Kafka. Sur le plan musical, Eötvös confère à la partie joycienne un caractère d’arioso expressif, Homère est traité sous une forme de lied, tandis que Kafka fait l’objet d’un récitatif. « Chaque langue, par son rythme et ses consonnes propres, par ses accents toniques et ses tournures de phrases implique un caractère musical singulier », rappelle le compositeur. Quant au premier quatuor d’Eötvös, Korrespondenz de 1992, une sorte de « mini-opéra » sans chant, il prend appui sur la correspondance de Mozart et de son père pendant l’année 1778. Dans les trois « scènes », l’alto représente Wolfgang, le violoncelle Leopold ; le compositeur assigne un intervalle précis à chaque voyelle, avec des glissandos pour les diphtongues, et des techniques spécifiques pour nombre de consonnes : une sorte de cahier des charges personnel digne de Perec, avec la richesse inhérente aux limites qu’il impose. Les trois scènes représentent respectivement Leopold en train de dissuader son fils d’épouser Aloysia Weber, Wolfgang se plaignant du peu de cas que les Parisiens font de sa musique, et le même Wolfgang annonçant à son père la mort de son épouse – la mère de Mozart, qui l’avait accompagné à Paris où elle rendit son dernier souffle. Si la partition elle-même comporte le texte des lettres, l’auditeur ne l’entend ni le voit. La musique d’Eötvös, en quelque sorte, se lit entre les lignes… Un fascinant compositeur et deux fascinants ouvrages, joués à la perfection par le Quatuor Calder et la soprano Audrey Luna pour le premier d’entre eux. © SM/Qobuz
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Musique de chambre - À paraître le 6 octobre 2017 | BIS

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Ce n’est hélas pas souvent que la musique de Mendelssohn pour violoncelle et piano trouve les faveurs des interprètes ; réjouissons-nous donc qu’un violoncelliste de la trempe de Christian Poltéra, flanqué de Ronald Brautigam (qui joue une copie moderne d’un Pleyel de 1830), nous donne l’occasion de retrouver ces perles du répertoire. Oui, la série des Variations concertantes de 1829 reste encore très classique de conception, mozarto-beethovenienne sans nul doute, mais Mendelssohn sait magistralement mettre à égale contribution les deux musiciens, et la virtuosité de tous les instants – instrumentale et architecturale – reste un de ces miracles à la Mendelssohn tels que les admirait tant un Schumann. Quant aux deux sonates – la Première de 1839, la Seconde et dernière de 1843 –, elles représentent le summum de l’originalité dont était capable le compositeur alors qu’on lui reproche si souvent, hélas – et bien à tort –, de trop rester dans le droit chemin. La Seconde Sonate, en particulier, présente de constantes surprises, autant dans l’écriture instrumentale du violoncelle que dans le développement rythmique et harmonique. Voilà du meilleur Mendelssohn, superbement défendu par des artistes impliqués jusqu’à la moelle. © SM/Qobuz
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Musique de chambre - À paraître le 6 octobre 2017 | BIS

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Musique de chambre - À paraître le 6 octobre 2017 | Albany

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Musique de chambre - À paraître le 6 octobre 2017 | Revels Records

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Musique de chambre - À paraître le 29 septembre 2017 | PentaTone

Hi-Res Livret
De quelle « troïka » s’agit-il ici, ce n’est pas précisé, mais on peut imaginer deux possibilités : l’album reprend le titre de la Troïka extraite de la suite de Lieutenant Kijé de Prokofiev, ladite troïka étant alors un traîneau à la russe tiré par trois chevaux – d’où le nom. Mais cela peut aussi se référer au triumvirat que représentent les trois grands compositeurs russes que furent Rachmaninov, Prokofiev et Chostakovitch, chacun ici représenté par une sonate pour violoncelle et piano. Ou les-deux-mon-général… Toujours est-il que le violoncelliste Matt Haimovitz et son complice-pianiste Christopher O’Riley nous offrent là un superbe éventail d’œuvres majeures, complété par quelques perles dont certaines assez noires : la transcription explosive pour violoncelle et piano (signée des deux interprètes) de Virgin Prayer: Put Putin Away qui valut à trois des membres du groupe Pussy Riot, auteur de ce blasphème punk, quelques temps en camp de travail ; ainsi qu’une transcription de la chanson Back in the USSR des Beatles et une autre du célèbre chanteur de rock russe Viktor Tsoi. Haimovitz, connu pour ses incursions dans les domaines les moins classiques, ne déroge donc pas à sa règle – ce qui n’empêche pas l’extraordinaire qualité musicale de cet album, bien évidemment. © SM/Qobuz
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Quatuors - À paraître le 29 septembre 2017 | Erato - Warner Classics

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Pour son tout premier enregistrement, le Quatuor Arod a choisi Mendelssohn, l’un des piliers de l’art du quatuor, en particulier avec son grand chef-d’œuvre qu’est le Quatrième Quatuor en mi mineur de juin 1837 – plus mozartien que beethovenien dans l’architecture et le développement, sans doute, même si de la première à la dernière note on y reconnaît la plume de Mendelssohn. Si l’on cherche l’influence du génial sourd, c’est du côté du Deuxième Quatuor Op. 13 de 1827 qu’il faut regarder, une œuvre écrite peu après la mort de Beethoven dont Mendelssohn découvrait alors l’étendue des innovations, pour le moins. Le Quatuor Arod poursuit son album avec les Quatre Pièces, assemblées de manière posthume sous le numéro d’Op. 81 par le successeur de Mendelssohn au Gewandhaus, Julius Rietz, à partir de quatre morceaux disparates datant de diverses époques. Enfin, l’album se referme avec une réécriture de la main des Arod d’un lied, ici chanté par Marianne Crebassa, et dont la thématique reprend note pour note plusieurs passages de Beethoven, véritable hommage du jeune compositeur à son illustre aîné. Pour mémoire, le Quatuor Arod, fondé en 2013 seulement, s’est météoritiquement taillé une place de choix dans la sphère mondiale, puisqu’il s’est déjà produit à la Philharmonie de Paris, à l’Auditorium du Louvre, au Théâtre des Bouffes du Nord, à l’Arsenal de Metz, et à l’étranger au Mozarteum de Salzbourg, au Konzerthaus de Vienne, au Concertgebouw d’Amsterdam, à la Tonhalle de Zurich, au Wigmore Hall de Londres, à Tokyo, en Finlande, en Suisse, et la liste est encore longue. © SM/Qobuz
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Trios - À paraître le 29 septembre 2017 | Berlin Classics

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Il va sans dire que le Trio avec cor, Op. 40 de Brahms est l’œuvre la plus célèbre de tout le répertoire pour cette formation (cor, violon, piano), voire de tout le répertoire de chambre tout court. Brahms, qui touchait du cor depuis sa jeunesse, a su mieux que quiconque tirer de l’instrument les accents qui lui convenaient le mieux, de sorte que son Trio fait l’objet d’un véritable culte auprès des solistes. Il est donc normal qu’il soit en quelque sorte le « pilier » de cet album. Mais on peut se demander s’il existe d’autres ouvrages pour le même effectif, et si Brahms a été le premier à l’utiliser. Eh oui pour la première question, eh non pour la seconde. Le corniste Felix Klieser a entouré le Trio en question de quelques œuvres antérieures, dues à Frédéric Duvernoy – actif au début du XIXe siècle et dont la musique reste très empreinte des grands classiques viennois – et de quelques œuvres du XXe siècle de Koechlin et Kahn, lui permettant ainsi de couvrir une période de plus de cent ans. Que ni Duvernoy, ni Koechlin ni Kahn ne fassent pâlir la lumière brahmsienne est une évidence, mais il n’en reste pas moins que leurs œuvres présentent d’autres facettes de la formation, d’autres techniques instrumentales aussi, et l’on peut à ce titre se réjouir des Trois trios concertants de Duvernoy (1765-1838) écrits aux alentours de 1820 ; en effet, le compositeur était avant tout corniste solo de l’Opéra de Paris, il écrivit donc surtout à son usage personnel, et ses trios offrent un très précieux regard sur ce qu’un grand spécialiste d’alors estimait comme le summum de la technique instrumentale. Les Quatre petites pièces Op. 32 de Koechlin (1867-1950) offrent chacune un caractère fort différent et personnel, tandis que l’ultime œuvre de l’album, la Sérénade Op. 73 de Robert Kahn (1865-1951), parue en 1923, ne se cache pas de l’influence de Schumann et encore plus de Brahms – la boucle étant ainsi bouclée ! © SM/Qobuz
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Quatuors - Paru le 24 septembre 2017 | Rattle

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Musique de chambre - Paru le 22 septembre 2017 | Groupe Analekta, Inc

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Musique de chambre - Paru le 22 septembre 2017 | Sarton Records

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Musique de chambre - Paru le 22 septembre 2017 | audite Musikproduktion

Hi-Res Livret
Pauvre Reger ! Avec sa silhouette bouboule, son expression maussade, les apparences ont pris le pas sur sa musique que bien des commentateurs voient comme bouboule et maussade. Que nenni ! Oui, Reger était un fervent champion de la musique absolue, il suivait les traditions de Beethoven et Brahms qu’il enrichissait d’harmonies wagnériennes et de contrepoint hérité de Bach ; certaines de ses œuvres sont denses et complexes. Mais ce n’est pas le cas de la musique de chambre – le genre qui représente la majeure partie de son œuvre, soit dit en passant –, qui représente une sorte de condensé de son développement stylistique. Et à la différence de ses quatuors, de conception quasiment symphonique, les Trios Op. 77b et Op. 141b semblent bien moins symbolistes-expressifs que classicistes-historiques. Leur caractère confiant, souvent même joyeux (donc ni bouboule, ni maussade), semblent empreint de simplicité – une simple apparence, en réalité – tout en restant fermement ancrés dans le langage du compositeur. Lui-même expliquait à son éditeur que cette musique n’était « absolument pas non-regerienne », même si les caractéristiques regeriennes (modulations complexes, ruptures rythmiques, riche conception contrapuntique pour chaque instrument) sont par nécessité soumises au nombre réduit d’instruments, et ne se font pas jour d’emblée. Reger cherchait une « nouvelle simplicité », clairement décelable dans une lettre de 1904 : « ce qui manque à la musique d’aujourd’hui, c’est un Mozart ! ». C’est sans doute l’esprit mozartien qui l’inspira dans sa « musique de chambre miniature » qu’est le Trio à cordes Op. 141b de 1915. La même année il créait son Quatuor avec piano, dont la critique loua les « glorieuses sonorités » et les thèmes « vocaux, vifs et accrocheurs ». Le Trio Op. 77b, lui, semble directement inspiré par le Divertimento K. 563 de Mozart et les Trios Op. 9 de Beethoven – on sait que Reger aimait à entrer en dialogue avec les œuvres antérieures du répertoire. La violoniste Franziska Pietsch est rejointe, dans son ensemble Trio Lirico, par de brillants collègues, qui donnent vie à cette musique si méritante et si négligée. © SM/Qobuz

Le genre

Musique de chambre dans le magazine