Les albums

1834 albums triés par Date : du plus récent au moins récent
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Classique - Paru le 20 octobre 2017 | PentaTone

Hi-Res Livret
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Musique de chambre - Paru le 24 août 2017 | Les Indispensables de Diapason

Distinctions Diapason d'or
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Classique - Paru le 4 août 2017 | DUX

Livret
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Classique - Paru le 16 juin 2017 | Sony Classical

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles Classica - 5 Sterne Fono Forum Klassik
Hélas, mille fois hélas pour le compositeur allemand Rudi Stephan : après des débuts fulgurants, il s’en fut à la guerre et y tomba au front en 1915, après n’avoir laissé qu’une minuscule poignée d’œuvres. Et comme si ce malheur ne suffisait pas, plus ou moins tous ses manuscrits qui n’avaient pas été édités furent détruits lors de bombardements en 1945. On ne saura donc jamais non seulement ce qu’il aurait pu devenir – sans doute l’un des compositeurs majeurs du XXe siècle, aux côtés de Strauss dont il suivit l’héritage romantique tardif ainsi que de Schönberg dont les premières explorations du monde atonal semblèrent l’attirer beaucoup – ni même ce qu’il fut réellement de son vivant. L’album propose de découvrir l’intégralité de ses Lieder, écrits entre 1905 et 1914, pour soprano (ici Tehila Nini Goldstein) ainsi que pour baryton (ici Hanno Müller-Brachmann) : des merveilles d’invention, de hardiesse, de modernisme déjà, qu’il faut vraiment découvrir. En guise d’introduction, on entendra une Groteske pour violon et piano de 1911, dans lequel pourraient se percevoir des parallèles avec Bartók. Le « point culminant » vocal de l’album est sans doute la somptueuse ballade Liebeszauber de 1913, initialement conçue pour baryton et orchestre mais ici donnée dans une réécriture pour ensemble de cordes. Et pour refermer l’album, ce sera l’extraordinaire Musique pour sept instruments à cordes de 1911, en l’occurrence deux violons, alto, violoncelle, contrebasse, piano et harpe. Voilà qui achèvera de persuader l’auditeur que Stephan était vraiment en route pour être l’un des grands parmi les grands. © SM/Qobuz
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Opérette - Paru le 9 juin 2017 | Klarthe

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason
Ah, voilà qui change radicalement des sempiternelles « redécouvertes » d’un n-ième navet de bel canto : il s’agit ici un bijou absolu signé Louis Beydts pour la musique, Sacha Guitry pour le livret, intitulé rien moins que La Société Anonyme des Messieurs Prudents (S.A.D.M.P.). Nous sommes le 3 novembre 1931, Sacha Guitry a concocté à l’adresse de son épouse Yvonne Printemps une immense fantaisie théâtrale comprenant rien moins que « six pièces et un opéra-bouffe », car en ces temps on n’avait pas peur de soirées longues, très longues ! Le couronnement de l’événement est l’opéra-bouffe de Beydts et Guitry, La S.A.D.M.P. qui met en scène quatre messieurs d’âges très divers qui se rencontrent sur le palier d’une dame dont ils croyaient jusque là être les seuls à bénéficier des faveurs. La dame – chantée par Yvonne Printemps – finit par se mettre aux enchères et l’arrangement final est que les messieurs se partageront la dame selon un prorata hebdomadaire, dans le cadre d’une Société anonyme… celle des messieurs prudents. Une musique truculente, tirée à quatre épingles, orchestrée à merveille, bourrée d’ensembles d’une extraordinaire tenue polyphonique, sert d’écrin au texte osé de Guitry qui, peut-être, a voulu ainsi faire comprendre à la belle Yvonne qu’il n’ignorait pas qu’elle avait déjà une affaire en cours avec Pierre Fresnay, rencontré quelques mois plus tôt, et avec qui elle finirait par s’échapper. Cela dit, l’une des petites scènes précédentes dans la soirée donnait la vedette à la jeune et pimpante Jacqueline Delubac sur qui Guitry avait déjà, disons, des vues, d’autant qu’il l’épousera peu après que Printemps l’ait quitté pour Fresnay. La musique de Beydts s’inscrit dans la très grande tradition de l’opérette à la française telle que défendue par André Messager (son maître, soit dit en passant), Reynaldo Hahn, Claude Terrasse ou encore le Honegger du Roi Pausole ; Honegger, justement, qui écrira « Je ne connais personne qui ait au même degré que Louis Beydts le respect de la facture musicale. Pour lui une œuvre d’art, qu’elle soit symphonie ou simple mélodie, est un objet rigoureusement délimité dans sa forme ... Que l’on écoute la ligne mélodique, les subtiles modulations, le raffinement sobre de l'harmonie, qui caractérisent la musique de Beydts, et l'on sentira combien il est un musicien actuel, aussi instruit que tout autre des exigences modernes, mais sachant allier une rigoureuse discipline à grâce et la science de l’esprit. » Beydts et Guitry continueront leurs aventures avec quelques autres perles comme celle-ci, tandis que le compositeur se taillera aussi une solide réputation dans le monde de la musique de cinéma, avec des chefs-d’œuvre tels que La Kermesse héroïque. L’Orchestre d’Avignon-Provence, les cinq chanteurs – Thomas Dolié, Mathias Vidal, Jérome Billy, Dominique Côté incarnant les quatre sociétaires et Isabelle Druet l’actif principal de société en question – s’en donnent manifestement à cœur joie. Pour compléter l’ouvrage, assez court – moins d’une heure –, on pourra entendre Hue! du même Beydts, qui servait de musique de scène pour l’une des pièces de la soirée du 3 novembre 1931. Louis Beydts, un compositeur français à remettre, enfin, à l’honneur. © SM/Qobuz
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Musique symphonique - Paru le 2 juin 2017 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4 étoiles Classica
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Concertos pour clavier - Paru le 26 mai 2017 | PM Classics - Onyx

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - Le Choix de France Musique
« [...] le tandem Trpceski/Petrenko – déjà fêté par l’ami Lompech dans Rachmaninov – remet les pendules à l’heure. Le Concerto no 1, œuvre d’un créateur d’à peine vingt-deux ans prêt à en découdre, doit sa réussite à l’orchestre de Liverpool autant qu’au soliste. L’onirisme diaphane des cordes, la clarinette qui semble s’ébrouer (Andante assai), le dialogue gouleyant trompettes/cors (début du volet final) répondent à l’énergie plus piquante de Trpceski. [...] Le feu du Concerto no 3 se propage au clavier et à l’orchestre, sans effroi, mais de manière implacable. [...] Tout sonne avec une netteté ailée et le plus grand brio (y compris les bois, largement mis à contribution). Exemplaire. [...] Ecrite en 1919, l'Ouverture sur des thèmes juifs à l’origine pour piano et quatuor à cordes, fut orchestrée par le compositeur quinze ans plus tard. S’il y tient un rôle modeste (au point de n’user régulièrement que de sa seule main droite), le piano sonne distinctement, comme il se doit. Une bouffée d’air frais.» (Diapason, septembre 2017 / Bertrand Boissard)
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Violon solo - Paru le 19 mai 2017 | RUBICON

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles Classica
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Musique symphonique - Paru le 19 mai 2017 | Chandos

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - Gramophone Editor's Choice - 4 étoiles Classica
Le BBC Philharmonic lance une nouvelle série des plus intéressantes, consacrées aux œuvres symphoniques de George Antheil, un pan totalement négligé du répertoire de ce compositeur dont la carrière avait explosé dès ses débuts en Europe. Il s’était immédiatement taillé un costume d’enfant terrible avec ses pièces d’un avant-gardisme échevelé, en particulier son Ballet mécanique de 1925, dans lequel le « Bad Boy of Musix » (le titre de son autobiographie !) acceptait l’influence du pan le plus féroce de Stravinski ; et pourtant, à son retour aux États-Unis en 1933, Antheil changea totalement de costume, s’orientant désormais vers un langage fondamentalement tonal et mélodique, une surprise considérable pour quiconque connaissait ses premières explosions européennes. En vérité, il se rangeait désormais dans la classe des symphonistes états-uniens néoclassiques et néoromantiques. Lui-même considérait sa Quatrième Symphonie, commencée en 1942, comme une méditation sur plusieurs aspects de la guerre qui faisait alors rage : le second mouvement cherche à évoquer le massacre de Lidice, le troisième – un scherzo – représentait une « farce brutale, la farce de la guerre ». La prémonition du triomphe final des Alliés était l’objet du dernier mouvement. L’œuvre connut un succès considérable, autant auprès du public que des critiques, et Time Magazine estimait que la création présentait un phénomène quasiment inédit : une « nouvelle symphonie américaine qui n’ennuyait pas les mélomanes ». Toutefois, le critique de Time suggérait une forte influence en provenance de Chostakovitch, en particulier dans les accents quelque peu pompiers de la Septième Symphonie, « Léningrad », créée aux États-Unis en juillet 1942. Dans son autobiographie, Antheil réagit avec force contre ces allégations : le passage incriminé de sa Quatrième Symphonie, celui qui semblait être copié de Chostakovitch, reprenait en fait plus ou moins note à note un passage de son propre opéra Transatlantic publié en… 1928 ! Le lecteur peut d’ailleurs vérifier la chose sur la vingtième piste de l’album. Le compositeur ne manquait pas de souligner que cette musique était née peu avant que Chostakovitch écrivît ne serait-ce que sa Première Symphonie. En 1947, Antheil avait commencé une Cinquième Symphonie dont il mit le manuscrit de côté (l’œuvre finirait sous le titre de « Symphonie tragique », non-numérotée) et s’attela à une tout nouvelle cinquième, radicalement différente, d’une nature bien plus festive ainsi qu’en atteste son nom « Joyeuse ». Le compositeur voyait son œuvre comme la rupture définitive avec le modernisme « désormais passé », selon ses propres termes, du début du XXe siècle. Dans sa critique de la représentation donnée à Carnegie Hall, Virgil Thomson – dont on connaît la légendaire dureté de la dent – estimait que c’était le meilleur ouvrage d’Antheil à ce jour. L’album débute avec le court Over the Plains de 1945, ici donné en première discographique, un souvenir musical des émotions qu’avait ressenties Antheil lors d’un voyage à travers le Texas dix ans auparavant, et où il avait conçu qu’un jour il écrirait une pièce célébrant non seulement l’esprit optimiste des pionniers, mais aussi la joie des habitants de cette région. © SM/Qobuz
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Musique symphonique - Paru le 12 mai 2017 | SWR Classic

Livret Distinctions 4 étoiles Classica
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Musique symphonique - Paru le 5 mai 2017 | PentaTone

Hi-Res Livret Distinctions 4 étoiles Classica
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Classique - Paru le 5 mai 2017 | CapriccioNR

Distinctions 4 étoiles Classica
L’œuvre de Viktor Ullmann peut se classer en deux catégories bien distinctes : celles écrites pendant ses années pragoises entre 1920 et 1942 – dont tragiquement une forte partie a été perdue lors de l’invasion nazie de la Tchécoslovaquie – ; et celles écrites lors de sa déportation à Theresienstadt de septembre 1942 au 16 octobre 1944, après quoi il fut transféré à Auschwitz où il ne survécut que deux jours… Le Concerto pour piano Op. 25 fut achevé en décembre 1936, neuf mois après l’entrée des troupes nazies à Prague. A cette époque Ullmann avait déjà relégué son langage antérieur hérité de Schönberg, et était retourné à une solide dose de tonalité qui, pour l’auditeur, pourrait évoquer des influences de Poulenc ou de Zemlinsky, ainsi que Mahler de temps en temps. Quant à la Septième sonate pour piano, datée du 22 août 1944 (donc deux mois avant son transfert à Auschwitz), elle ne sonne en rien comme ce que l’on pourrait imaginer d’une œuvre écrite dans un camp de concentration. Ici encore, Poulenc, voire Satie, pourraient être quelques-uns des piliers à partir desquels se serait développé le processus d’écriture, et si le troisième mouvement s’appuie quelque peu sur les brumes atonales schönbergiennes, que le scherzo pourrait porter quelques traces du Pierrot lunaire, le cinquième et dernier développe une série de variations sur une thème folklorique hébraïque tout ce qu’il y a de tonal. Parlant de variations, l’album – signé du pianiste Moritz Ernst, qui développe surtout sa carrière de pianiste (et de claveciniste !) dans les domaines des XXe et XXIe siècles – s’achève sur une série de variations avec double fugue sur un thème de Schönberg, un ouvrage daté 1933. Ici, l’inspiration de Ullmann s’appuie encore sur les enseignements atonaux de son mentor, bien loin des œuvres composées au cours des années suivantes. © SM/Qobuz
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Concertos pour violoncelle - Paru le 28 avril 2017 | Musique en Wallonie

Hi-Res Livret
À la suite de l’obtention du prix de Rome en 1897, Joseph Jongen (1873-1953) se lance dans la composition de vastes œuvres pour violoncelle et orchestre. Celles-ci témoignent d’une culture à la fois germanique et française qui lui permet de faire le lien entre les œuvres de Richard Strauss – qu’il rencontre à Munich – et d’Ernest Chausson. (© Musique en Wallonie) « [...] Le Poème n° 2 [...] égale en inspiration les plus belles mélodies avec orchestre de Jongen (Sur la grève, Release) par le raffinement mélodique et harmonique. Un parfum de nostalgie et d'angoisse domine, à peine troublé par une partie centrale plus énergique. Cette très belle page, qui méritait cent fois d'être ressuscitée, l'est con cuore. L'Orchestre philharmonique royal de Liège, sous la direction de son chef Christian Arming, offre un support adéquat au violoncelliste [...] (Diapason, juin 2017 / Michel Stockhem)
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Classique - Paru le 17 avril 2017 | Solstice

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - 4 étoiles Classica
« En 2010, les disques du Solstice publiaient des extraits de récitals à Notre-Dame de Paris où Pierre Labric interprétait l'œuvre de Jeanne Demessieux, dont il est par excellence le disciple. [...] Revoici, pour la première fois en France, l'intégrale enregistrée pour la Musical Heritage Society. [...] l'enregistrement n'est pas au pinacle de ce qu'on faisait en ce début des années 1970 — apparemment on n'accordait pas les orgues sous Pompidou. Donc, voilà, les orgues sont faux. Mais pas le jeu de Pierre Labric [...] Dans la manière dont il s'empare de ces pièces, parfois monstrueusement difficiles, la virtuosité devient question vaine. [...] Labric en fait un recueil de pièces de caractère, quasi impressionnistes. [...] L'argument technique ravalé au rang de prétexte, la mélodie et l'atmosphère en avant, il nous propose enfin, plus encore qu'une exécution au sommet, un point de vue. [...] Comme toutes les grandes interprétations, vous avez à la fois l'impression de découvrir cette musique tant elle vous surprend à neuf et celle de l'avoir, au fond, toujours connue ainsi.» (Diapason, juin 2017 / Paul de Louit)
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Piano solo - Paru le 14 avril 2017 | Grand Piano

Distinctions 4 étoiles Classica
L’intégrale de l’œuvre pour piano de Nicolai Roslavets (1881-1944), cela devrait – hélas – plutôt s’appeler l’intégrale de son œuvre qui a survécu à la barbarie soviétique… Car à la mort du compositeur en 1944, lui qui avait été radicalement ostracisé par la dictature dès 1930 (l’interdiction radicale ne fut levée qu’à la chute de l’empire soviétique, car même après la mort de Staline, Roslavets fut considéré comme un véritable criminel anti-prolétaire), de braves et courageux musiciens prolétariens débarquèrent chez lui et détruisirent tout ce qu’ils purent détruire. Ainsi disparurent plusieurs sonates, des préludes, des poèmes… mais il nous reste malgré tout environ une heure et demie d’œuvres sauvegardées, que voici dans leur intégralité, par la pianiste Olga Andryushchenko, une lauréate du Concours Bach de Leipzig, du Concours Scriabine de Paris en 2008 – d’où sans nul doute son affinité élective avec cette musique si singulière – ou encore du Concours Rubinstein de Paris. © SM/Qobuz

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