Les albums

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Alternatif et Indé - Paru le 6 juin 2017 | WONDERFULSOUND

Distinctions 4F de Télérama
Quelques notes suffisent à comprendre qu’on est ici en présence d’un homme de goût. Une sorte de cousin éloigné de Richard Hawley… Avec sa voix de baryton fortement influencée par Lee Hazlewood, ses basses gainsbouriennes, son instrumentation osée (quelques violons ici, une pedal steel là), Nev Cottee n’avance pas vraiment masqué et semble même assumer à 200% toutes ces illustres références. Le Mancunien livre avec son troisième album solo un superbe traité de rock sophistiqué. Ce Broken Flower vise l’intemporel. Un peu comme les œuvres de ces aînés cités ci-dessus mais aussi celles de Leonard Cohen, Nick Cave ou bien encore Scott Walker. Chapeau. © MD/Qobuz
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Chanson française - Paru le 2 juin 2017 | Because Music

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama
Le Fil – le sien – est toujours là. Intact. Inaltéré. Celui-là même que Camille Dalmais a tendu, douze ans plus tôt, et qui l’a propulsé sur le devant de la scène. La chanson française, qui n’avait pas pris une telle claque depuis des lustres, restait bouche bée face à cette extra-terrestre malaxant la langue, les sons et les rythmes comme nulle autre. Une forte personnalité qui ne pouvait que déclencher une bataille d’Hernani entre fans transis et ennemis excessifs… Avec son cinquième album, Camille tient donc toujours fermement ce Fil. Conçu près de Villeneuve-Lès-Avignon, Ouï est une graine plantée dans un terreau rythmique. Un point de départ comme un battement de cœur sur lequel elle fait grandir son chant et ses sons. Car ce qui sort de la bouche de Camille, c’est du fond comme de la forme. Une façon de singulariser sa démarche et de se démarquer de ses ainés ; et même de ses contemporains. Ce rythme au cœur de ses chansons vient de mille contrées. Surtout du folklore et des musiques traditionnelles qui sont les carburants (épure, simplicité, dépouillement) de ses acrobaties vocales. Sa voix marche. Puis saute. S’envole. Se couche. Et ainsi de suite. Un funambulisme toujours aussi intense qu’elle n’oublie jamais de mettre au service de ses chansons. Sous le sable qui ouvre ce disque magnifique reflète à la perfection chaque détail de toutes ces spécificités et, plus globalement, de toute la démarche de Camille. Mais surtout, Ouï dégage une forte sensation charnelle. Quelque chose d’assez rare dans la musique actuelle. © MD/Qobuz
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Afrique - Paru le 26 mai 2017 | Wrasse Records

Distinctions 4F de Télérama
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Electro - Paru le 19 mai 2017 | Ahead Of Our Time

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Le clash des titans ! Le face à face entre deux grands noms du dub et de l’électro ! D’un côté, Jonathan More et Matt Black alias Coldcut, fondateurs du label Ninja Tune. De l’autre, Adrian Sherwood, boss de l’écurie On-U Sound. Deux approches assez différentes que ces protagonistes décident ici de fusionner pour une orgie dub futuriste furibarde à laquelle participent notamment Doug Wimbish et Skip McDonald, vieux complices de Sherwood, mais aussi Roots Manuva, Chezidek, Ce'Cile ou bien encore Junior Reid. Une grande partouze dub, reggae, rap, world et électro à laquelle il est difficile de résister. © CM/Qobuz
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Classique - Paru le 19 mai 2017 | harmonia mundi

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama
Dans quel contexte un chef-d’œuvre tel que L’Orfeo de Monteverdi a-t-il pu naître, paré d’une telle beauté, pourvu d’une expression si profonde et d’une architecture aussi parfaite, alors même que la forme de l’opéra à proprement parler n’en était qu’à ses balbutiements ? C’est précisément cette question qui est à l’origine de ce projet discographique et qui a permis à Raphaël Pichon et ses musiciens de découvrir les étonnantes productions musicales dramatiques qui ont précédé L’Orfeo, notamment celles qui étaient données à la cour des Médicis à Florence, où l’on peut déceler en germe de nombreux éléments contenus dans L’Orfeo. Au tournant du XVIIe siècle, c’est bien dans la cité médicéenne que se déroule l’un des phénomènes les plus fascinants de l’histoire de la musique : la naissance de l’opéra. En se concentrant sur les années reliant la création des intermèdes pour la pièce de théâtre La Pellegrina (1589) à la représentation florentine de la Dafne de Marco da Gagliano (1611), Pichon a réuni dans quatre intermèdes fantasmés – inspirés de la forme de l’« intermedio » en vogue à cette période – certains des plus beaux exemples des prémices de l’opéra, dont les musiques sont signées Lorenzo Allegri, Antonio Brunelli, Giovanni Battista Buonamente, Giulio Caccini, Emilio de’ Cavalieri, Girolamo Fantini, Marco da Gagliano, Cristofano Malvezzi, Luca Marenzio, Alessandro Orologio, Jacopo Peri et Alessandro Striggio. À l’imitation du théâtre antique, les « intermedii » constituaient des divertissements intercalés entre les actes de pièces de théâtre, dans des appareils visuels fastueux, prétextes à des allégories à la gloire de la dynastie régnante. La place de la musique et du merveilleux dans les représentations théâtrales prit un caractère toujours plus grandiose et spectaculaire, grâce notamment au génie des décorateurs et aux progrès de la machinerie théâtrale. Voyant le potentiel artistique et politique de ces « intermedii », les puissantes familles princières de la moitié nord de l’Italie (les Gonzague, les Este, les Médicis, mais aussi la cour pontificale) en favorisèrent l’évolution. Les « intermedii » finirent par occuper tant de place qu’ils devinrent un véritable spectacle dans le spectacle. C’est en 1589 que cette tradition florentine des « intermedii » connut son apogée, avec les six somptueux divertissements imaginés par le comte Bardi pour agrémenter la comédie La Pellegrina qui agrémenta les noces du grand-duc Ferdinando I avec la princesse Christine de Lorraine, petite-fille de Catherine de Médicis. Par leur variété et leur nouveauté, par un mariage équilibré entre la polyphonie et la monodie alors naissante, sans oublier les musiques instrumentales et dansées, les intermedii de 1589 ouvrirent la voie à un théâtre intégralement chanté. C’est en effet encore à Florence que l’on vit les premiers exemples de ce spectacle total, modèle parfait de l’alliance entre la poésie et la musique. Un véritable laboratoire prit forme au tournant des XVIe et XVIIe siècles, qui poussa les compositeurs et les poètes à faire cohabiter plusieurs formes d’expression musicale. Prenant modèle sur les générations précédentes, les compositeurs poursuivent leur recherche sur l’espace sonore, comme on le voit dans la prolifération des échos au sein des premières monodies, ou encore les madrigaux faisant dialoguer sept chœurs indépendants. Mais comment raconter aujourd’hui cette histoire, restaurer cette riche aventure ? La solution retenue pour cet album est de créer de toutes pièces quelques grandes fresques imaginaires, semblables à un parcours initiatique, qui accompliraient la réunion de ces multiples œuvres. © SM/Qobuz
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Musiques du monde - Paru le 19 mai 2017 | Musique Sauvage

Distinctions 4F de Télérama
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Alternatif et Indé - Paru le 19 mai 2017 | 4AD

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Lorsque John Parish, producteur de PJ Harvey, prend le temps de s’installer derrière la console pour s’occuper d’un disque, on a tendance à tendre l’oreille. Ce qui se confirme avec Party, deuxième album d’Aldous Harding qu’on rangera (trop ?) rapidement au rayon des folkeuses cérébrales, neurasthéniques mais envoûtantes. Sauf que derrière ces étiquettes réductrices, la jeune Néo-zélandaise possède un spectre musical bien plus large. A l’image de l’enchainement Living The Classics/Party : sur le premier titre, Harding se veut douce et presqu’évanescente avant de se transformer, sur le second, en chipie imprécatrice. Aucun effet, aucune bidouille instrumentale ne lui est nécessaire pour attraper l’ouïe du chaland. Car même si on sent qu’elle connait ses classiques (Kate Bush, Joan Baez, Linda Perhacs, Joni Mitchell, Vasti Bunyan…), c’est la tonalité très personnelle de sa voix comme de ses chansons qui fait de ce second album un moment d’intimité et de mise à nue assez impressionnant… © MZ/Qobuz
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Alternatif et Indé - Paru le 5 mai 2017 | Mute, a BMG Company

Distinctions 4F de Télérama
Nick Cave et ses Bad Seeds restent l’une des aventures les plus prolifiques de l’ère post punk. Dès le milieu des années 80, le magnétisme caverneux du chanteur australien atteignait un certain paroxysme, entre reprises furibardes, ballades au piano et rock’n’roll en sueur. Au fil des années et des enregistrements, le Cave s’est fait de plus en plus crooner, entre un Frank Sinatra punk et un Johnny Cash austère... Cette impeccable compilation publiée au printemps 2017 permet non seulement de jauger l’étendu du chemin parcouru mais peut aussi servir d’excellente introduction à l’art de ce gang à part du rock contemporain, les quarante-cinq chansons de cette version Deluxe étant réparties en trois périodes : quinze titres piochés entre 1984 et 1993, quinze autres entre 1994 et 2003 et quinze derniers picorés entre 2004 et 2013… Démarrant à From Her To Eternity (1984) et allant jusqu’à Push The Sky Away (2013), Lovely Creatures mixe à la perfection ballades vénéneuses (Into My Arms), cavalcades épiques (The Mercy Seat), rock épuré et violent (Deanna), cabaret de fin du monde (The Carny), duos inattendus (Where The Wild Roses Grow avec Kylie Minogue) et reprises triées sur le volet (In The Ghetto). Assis entre la prose gothique des écrivains américains du XXe siècle, l’héritage musical des imposants Hank Williams et autres Johnny Cash, Nick Cave aura trouvé son propre style, souvent chambriste mais toujours sombre et comme habité par l’Ancien testament… © MZ/Qobuz
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Jazz - Paru le 28 avril 2017 | Mélisse

Hi-Res Livret Distinctions 4F de Télérama
Bach au pays du jazz, épisode 25478. L’intérêt des jazzmen pour le Kantor de Leipzig n’est pas une nouveauté. Et de Jacques Loussier à Keith Jarrett, on ne compte plus les hommages plus ou moins directs à son génie mais surtout à sa musique. Après un premier volume Think Bach, Edouard Ferlet adapte à nouveau, et de manière très personnelle, des pages du compositeur. La teneur de son propos comme l’inventivité de son piano touche ici au sublime. Surtout que le pianiste est très clair dans sa démarche qu’il décrit dans le livret du disque par le biais d’une missive adressée directement à l’intéressé : « Cher Jean- Sébastien, Depuis longtemps maintenant, je te joue et joue avec toi en te suivant sur le sentier d’à côté. Mes doigts en folie courent et relâchent pour exprimer ma rage et ma passion. Page après page, j’ai la sensation de sculpter un monde invisible. Je sens mes articulations éclater, ma peau s’ouvrir et mes ongles claquer comme si je frappais à ton royaume sacré. J’aimerais rentrer de tout mon corps dans ton monde sensible. Pour le moment, mes anciennes blessures me retiennent encore par le bout des pieds pas à pas, morceau par morceau. Chacune de tes inventions fait de moi un homme plus vivant, plus présent, plus heureux. Un jour, le clavier du piano m’a parlé. Je l’ai écouté et me suis noyé dans ses ondes sonores. Perdant conscience pendant quelques instants, je t’ai imaginé buvant du bon vin pendant que tu improvisais. Depuis, j’ai compris que je devais être un musicien de chaque instant, me laissant guider par la beauté du son, l’incandescence du rythme, les mélodies souterraines. Je ne veux pas m’enfermer dans la musique pour me protéger, je veux qu’elle soit une porte d’entrée grande ouverte pour aimer. » On sort de ce Think Bach, op.2 encore plus chamboulé que par le premier volume. On est surtout bluffé par la subtile manière qu’Edouard Ferlet à d’immiscer entre les lignes un swing aussi personnel. Fascinant. © MD/Qobuz
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Musique vocale profane - Paru le 28 avril 2017 | Erato - Warner Classics

Hi-Res Livret Distinctions 5 de Diapason - 4F de Télérama
« Avec une distribution comme celle-là, voilà un Enfant et les sortilèges qui devrait trôner à côté des références chéries (Bour, Ansermet, Maazel)… D’autant que ce concert donné le 15 avril 2016 dans l’auditorium de Radio France nous offre le plus rare Enfant prodique de Debussy, dans sa version réorchestrée en 1907-1908 avec la complicité d’André Caplet. [...] Le chant ciselé de Roberto Alagna (quel luxe pour Azaël chez Debussy !), les aigus de Sabine Devieilhe pour le Feu, la Princesse et le Rossignol chez Ravel nous régalent. [...] Le trait sec du chef finlandais sied mieux à la cantate de Debussy, dont il cerne habilement le relief dramatique et les références (Gounod, Delibes, Massenet). La relative rareté de l’œuvre au disque et la qualité du trio vocal nous invitent à relever la note d’un point – c’est d’abord pour elle qu’on reviendra à ce double album. [...] » (Diapason, mai 2017 / François Laurent)
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Electro - Paru le 28 avril 2017 | Editions Milan Music

Hi-Res Distinctions 4F de Télérama
Génial touche à tout aussi à l'aise dans les sphères électroniques qu'en terrain pop, rock, world, new-wave, classique, bossa ou même cinématographique (ses partitions pour Furyo, Le Dernier Empereur, Talons aiguilles et plus récemment The Revenant et Nagasaki: Memories Of My Son ont marqué les esprits), Ryuichi Sakamoto n’a jamais perdu son âme. Son sens aigu de la mélodie et du beau se retrouve dans tous ses travaux, du plus commercial au plus expérimental. Bref, il n’y évidemment pas que le tubesque thème de Furyo dans la vie du compositeur japonais. Un musicien atypique ayant croisé le fer avec des gens aussi divers que David Byrne, Caetano Veloso, David Sylvian, DJ Spooky, Bill Frisell, Brian Wilson, Youssou N’Dour, Robert Wyatt, Iggy Pop, Arto Lindsay, Bill Laswell, Alva Noto, Hector Zazou, Thomas Dolby, Cesária Évora, Amon Tobin, la liste est sans fin. Aussi, un artiste de plus en plus impliqué dans l’avant-garde et l’expérimentation depuis les années 2000… Atteint d’un cancer en 2014, Sakamoto gagne son combat contre la maladie. Un événement qui change logiquement son rapport à la musique et le pousse à retourner en studio pour concevoir un nouvel album solo, ce qu’il n’avait guère fait depuis Out Of Noise, publié en 2009. Alors qu’il travaillait déjà depuis quelques mois à la composition de celui-ci qu’il baptise async, le musicien japonais installé à New York depuis de nombreuses années raconte qu’un « jour d'août, je décidai en secret que cet album serait une bande-originale pour un film imaginaire d'Andreï Tarkovski. » Sakamoto précise s'être inspiré de ses scènes favorites tirées des films du cinéaste russe. Sa musique, composée sur un synthé analogique, rend aussi hommage aux poèmes d'Arseni Tarkovski, le père du réalisateur d’Andreï Roublev, Solaris, Le Miroir, Stalker, Nostalghia et du Sacrifice, que David Sylvian, l’ancien chanteur du groupe Japan avec lequel il a collaboré dans les années 80, lui récite… Ryuichi Sakamoto a également travaillé avec quelques sculptures sonores d’Harry Bertoia, dans un petit musée de Manhattan, et s'est inspiré de sa collection de sons, enregistrés dans des ruines, des jardins, d'éléments naturels comme la pluie, le vent, des rumeurs de foule, le bruit des pas dans des herbes sèches, ou encore des vibrations des trois cordes du shamisen, vieil instrument japonais. La nature mais aussi les hommes font async. Sur Fullmoon, il a par exemple utilisé la voix de l’écrivain Paul Bowles qu’il avait enregistré en 1990 au moment de l’adaptation cinématographique d’Un thé au Sahara qu’en fit Bernardo Bertolucci. Une captation qu’il avait religieusement conservée pour l’utiliser le moment venu… D’autres intervenants, bien vivants eux, participent à ce dense album instrumental. Le guitariste et producteur électro Christian Fennesz, le violoniste Simon James, les percussionnistes Ian Antonio, Levy Lorenzo et Ross Karre, le joueur de shamisen Honjoh Hidejiro et quelques autres apportent leur pierre à un édifice aussi poétique qu’impressionniste (Debussy reste le compositeur préféré de Sakamoto), un disque hors du temps qui dompte également le silence et l’épure, et que son auteur, plutôt humble en général, décrit avec une grande émotion : « Quand mon travail de compositeur fut terminé et qu’il ne me restait plus qu’à mixer et mastériser cet album, une pensée m’est venue : je l’aime trop et ne souhaite le partager avec personne. » Il n’a heureusement pas mis cette idée à exécution… © MZ/Qobuz
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Piano solo - Paru le 14 avril 2017 | Aparté

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - 4F de Télérama
Disciple de Vlado Perlemuter et Jean Hubeau, Michel Dalberto s’est imposé au fil de quarante années de carrière comme un maître et un ardent défenseur de la musique française. Sa signature sur le label Aparté d’une série d’enregistrements dédiée à Debussy, Fauré, Ravel, Franck, marque son grand retour au disque. Chaque épisode sera enregistré "live" et accompagné de vidéo. Ce deuxième opus met à l’honneur Gabriel Fauré. Il a été enregistré le 7 janvier 2017 sur un piano Bechstein au Conservatoire d’Art Dramatique à Paris. « De la Ballade de 1877 à la décantation du dernier Nocturne de 1921, c’est toute l’évolution créatrice de Fauré qu’embrasse le Bechstein sombre et superbement pointu de Michel Dalberto. [...] Dalberto [...] distribue les plans sonores, colore les interventions de pupitres imaginaires dans la Ballade, adopte des tempos allant, avec une détermination combative et une tension incroyables. Dans Thème et variations, il reprend des mains de Perlemuter un jeu droit qui avance, somptueux de sonorités, sévère, jamais anecdotique, à la pâte brillante et pleine, dont la générosité expressive étonne. Et plus encore dans cinq nocturnes ! Dalberto atteint là au tragique, à l’émotion la plus forte à travers un jeu dont la densité polyphonique donne leur poids de souffrance à chaque accord, à chaque ligne souterraine, fragmentée, tenue jusqu’à sa résolution [...] Dalberto a trouvé des clefs inédites pour nous ouvrir au secret de nocturnes pourtant chéris par des pianistes aussi divers que Lefébure, Pennetier, Perlemuter, Samson François et Horowitz.» (Diapason, mai 2017 / Alain Lompech)
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Rap - Paru le 14 avril 2017 | Aftermath - Interscope Records

Livret Distinctions 4F de Télérama - Pitchfork: Best New Music
DAMN est l’album de rap le plus attendu de l’année. L’unanimité autour de Kendrick Lamar est telle que quelques heures après sa sortie, la moitié de la raposphère l’avait déjà décortiqué, autopsié et sacré « chef d’œuvre » sans prendre le temps de plusieurs écoutes, voire de le digérer sur quelques jours. Oui, le kid de Compton est doué. Très doué même. Et se positionne bien au-dessus d’une mêlée certes polluée par beaucoup de suiveurs et finalement assez peu de créateurs. En 2015, To Pimp A Butterfly avait bluffé son monde par son côté osé prenant le contrepied de good kid, m.A.A.d city paru trois ans plus tôt. La densité tant musicale que verbale de ce troisième album à la saveur afrocentrique prouva que Kendrick était là pour son art et sa communauté, pas simplement pour remplir ses caisses face à un public déjà plus qu’acquis à sa cause. Musicalement, DAMN marche davantage dans les clous. Le Californien signe un quatrième album moins monolithique que ses prédécesseurs. Le tubesque côtoie le plus avant-gardiste, le sensuel se frotte au plus hardcore, les effluves de soul psychédéliques seventies (Lust) fricotent avec le minimalisme électro (Humble), etc. A l’arrivée, Kendrick retombe toujours sur ses Reebok. Surtout que sa plume engagée reste aiguisée comme jamais, entre prêches et introspections plus personnelles ponctués de belles allégories de l’Amérique de Trump. Ainsi, quand Geraldo Rivera de Fox News accuse « le hip hop de faire plus de mal aux jeunes Afro-Américains que le racisme lui-même », Kendrick lui répond brillamment sur DNA, analyse complète de son ADN personnelle. Plus loin, sur Duckworth, il se fait le conteur des galères passées de son père. Du plus grand au plus petit dénominateur commun, Kendrick Lamar rappe à 360°. La liste des invités conviés à la fête est elle aussi éclectique au possible : Rihanna (Loyalty), U2 (XXX), James Blake (Element), Kaytranada (Lust), Kamasi Washington (Lust), Steve Lacy de The Internet (Pride), le bassiste fou Thundercat (Feel), les Canadiens de BadBadNotGood (Lust), sans oublier Kid Capri (Element, XXX, Duckworth et Love), cultissime DJ et MC du Bronx qui sévit à l’aube des années 90 en plein âge d’or du rap, tous apportent non seulement leur touche personnelle mais montrent aussi l’ouverture d’esprit et la gourmandise d’un artiste dépassant les frontières du hip hop. Une fois de plus, on sort sonné de ce disque surpuissant qui lustre un peu plus la couronne de son auteur. © MZ/Qobuz
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Musique vocale profane - Paru le 7 avril 2017 | naïve classique

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - 4F de Télérama - Diapason d'or / Arte
Non, non, ce n’est pas là une bête compilation d’anciens enregistrements du Concerto Italiano de Rinaldo Alessandrini que l’on nous propose, mais bien un tout nouvel assemblage, enregistré en avril 2016, de diverses œuvres de Monteverdi. Le pivot en est Il combattimento di Tancredi e Clorinda, jeu de l’amour et de la mort s’il en est, entouré de divers madrigaux de diverses époques créatrices du compositeur, avec quelques Sinfonias purement instrumentales (tirées de L’Orfeo, du Retour d’Ulysse ou de recueils de madrigaux). Le propos est de théâtraliser l’album, comme s’il s’agissait d’une œuvre d’assemblage – tournée, il est vrai, vers la nuit et les ébats amoureux que l’on imagine, mais aussi les amères solitudes. L’album passe par les lumières des étoiles d’Al lume delle stelle, une merveille de 1619, et s’achève sur l’aube de Quando l’alba tiré des Scherzi musicali de 1607. On croirait presque assister à la naissance d’une nouvelle grande œuvre de Monteverdi… © SM/Qobuz
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Piano solo - Paru le 7 avril 2017 | Sony Classical

Hi-Res Livret Distinctions Diapason d'or - 4F de Télérama - Le Choix de France Musique - 5 Sterne Fono Forum Klassik
« [...] Ces nuances infinitésimales, dont Volodos fait son miel, il faudrait des heures pour tenter d’en décrire toute la richesse, la diversité, la beauté, la manière dont elles s’accrochent aux feutres du piano, jusqu’à l’épuisement. Rien de désincarné, d’austère ni d’étriqué, pas de tempos fatigués, contrairement à tant de lectures [...] Ce disque est une fête rare pour les oreilles. Sa réalisation tient du miracle : un instrument royal, parfaitement réglé, une prise de son ne laissant rien passer des quadruples piano et un alchimiste au clavier. Et derrière cette maîtrise de chaque souffle, chaque détail, l’évidence d’un cœur simple, chaleureux et si proche. Un envoûtement.» (Diapason, mai 2017 / Bertrand Boissard)